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EDN 藝術家黃土水《甘露水》紀錄片發表 一鑿一刻之間 臺灣終於聽見自己的靈魂 胡寶莉深受感動「出生在台灣，便應該為台灣做點事。」

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【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】有些藝術品，被珍藏於美術館；有些作品，則被時代深埋。而黃土水的《甘露水》，像是一塊曾經沉入歷史深海的大理石，在半世紀的失語之後，終於重新浮現人間。1921年，臺灣首位現代雕塑家 黃土水 創作《甘露水》，這座大理石雕像曾被譽為「臺灣維納斯」，卻在動盪年代中消失多年。直到2021年，在《光——臺灣文化的啟蒙與自覺》展覽計畫中，由北師美術館團隊與長年守護作品的張家後代共同開啟封箱，這件沉睡近半世紀的作品才再次重見天日。
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五年後，同樣的時間節點，導演 黃邦銓 與 林君昵 以紀錄片《甘露水》回望這段跨越百年的文化命運。電影於 臺北信義威秀影城 盛大首映，文化藝術界人士齊聚觀影，共同見證這部承載臺灣藝術記憶的作品正式走向大銀幕。首映現場，包括《甘露水》長年保存者張鴻標醫師家屬張士文、《甘露水》紀錄片總策畫暨北師美術館創辦人 林曼麗 、導演黃邦銓、林君昵，以及共同出品人信源企業股份有限公司董事長楊麗芬、福祿文化基金會董事長張純明等人皆親自出席。這場放映，更像一次跨世代的文化接力。
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前台北市商會理事長王應傑夫人 胡寶莉 在之前試映會觀影後表示，「觀影後，心中的震盪始終未能平息。她形容，大銀幕上的《甘露水》，散發出近似觀世音菩薩般的靜謐氣息。當片中出現黃土水另一件作品《釋迦出山》的縮影時，那份歷經苦行後的覺悟與悲憫，也深深觸動人心。」她提到，「透過導演鏡頭，觀眾彷彿親身參與了一場橫跨百年的歸返。尤其當黃土水留下『出生在台灣，便應該為台灣做點事。』這句話時，那份來自一百年前的聲音，竟如此真切地傳抵今日世代耳邊。」
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《甘露水》源起於北師美術館2021年展覽中的一部修復紀錄短片。此後，黃邦銓與林君昵歷經五年田野調查，往返臺日兩地，逐步拼湊作品重現人間的歷史軌跡。電影採用膠卷拍攝，以影像顆粒回應大理石紋理，使時間感與雕刻質地彼此呼應。
這部作品已入圍2025年第62屆 金馬獎 最佳紀錄片與最佳電影原創音樂，並於今年初入選 紐約現代美術館 紀錄片雙週影展 MoMA Doc Fortnight。來自臺灣的藝術故事，正逐步走向國際文化場域。林曼麗於映前表示，《甘露水》是一部「不像紀錄片的紀錄片」，期待觀眾能透過兩位導演的創作，看見黃土水當年的藝術道路。
張士文則以台語感性談起黃土水當年敲擊石頭的身影。他認為，兩位導演今日所敲打的，已不是石頭，而是以紀錄片將黃土水的精神，一點一滴敲進人們心裡。
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導演林君昵與黃邦銓則引用黃土水曾說過的一段話：「藝術並非只是單純地如實呈現，而是唯有將個性毫無保留地表現出來，才能真正獲得其價值的認可；藝術的生命，終究歸結於這一點。」這句話，也成為整部電影最深層的精神核心。電影配樂由聲音藝術家 王榆鈞 操刀。她以雕刻石材時的敲擊聲為靈感，實際錄製石頭震動的聲響，將雕鑿節奏轉化為音樂語言，使歷史的回音透過聲音再次甦醒。
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隨著電影上映，美術館也同步展開一系列串聯活動。國立臺灣美術館 已於5月9日舉辦特映專場，讓紀錄片與國寶《甘露水》首次同台。高雄內惟藝術中心 將於5月23日舉辦放映與映後座談。臺南國家美術館 亦同步響應，民眾可憑電影交換券免費入館參觀。此外，由北師美術館推動的「一起踏上藝術的道路吧！《甘露水》的當代迴響」募資計畫，也持續展開，內容包括電影交換券、影像書及電影概念原聲帶黑膠專輯，希望透過影像、文字與音樂，讓更多人參與這場跨越時代的文化行動。
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《甘露水》的價值，其實早已超越一部紀錄片。它讓人重新理解，文化從來不是靜態展示品，而是一種會呼吸、會受傷、也會等待被重新理解的生命體。當全球都在追逐AI、流量與演算法時，真正能穿越時間的，仍然是那些來自土地深處的精神質地。黃土水當年用雕刻回應時代；今天，《甘露水》則用電影回應歷史。這份力量，正是臺灣文化最珍貴的品牌資產。
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因為真正能留下來的，
從來不是喧鬧。
而是那些歷經百年風雨後，
依舊願意為土地發光的人。
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#黃土水 #甘露水
 #胡寶莉

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EDN 台灣新電影啟蒙巨擘 賴成英 95 載謙卑謝幕 李遠：「賴成英是許多電影大師的導師。」兒媳于長君：「他待人如春風的真誠，做人非常成功，所以晚年如此幸福。」


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【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在這個影像被演算法馴化的年代，一位真正理解「光」的人離開了。2026年穀雨，台灣電影攝影大師 賴成英 以95歲高齡辭世。文化部隨即呈請總統褒揚，而文化部長 李遠 的一句話，道出他在影史中的位置。

「他不只是重要人物，更是許多電影大師的導師。」

這句話，看似溫和，實則沉重。因為這意味著——我們失去的，不只是技術，而是一整個「電影時代的底層結構」。

賴成英的職涯起點，是1950年代那個近乎「文化荒原」的台灣。從農業教育電影公司基層做起，他在沒有資源、沒有體系的年代，學會一件事，人如何在限制中創造影像。1958年，他前往日本學習彩色攝影與沖印技術。這個決定，在今天看來只是進修；但在當時，這是一次「影像主權的引進」。台灣第一次真正擁有掌握色彩的能力。

他回台後，以《魔窟殺子報》、《音容劫》連續獲獎，正式奠定技術地位；但更關鍵的，是他與導演 李行 的合作如《街頭巷尾》、《養鴨人家》、《秋決》這些作品，不只是電影，而是台灣社會的視覺記憶建構工程。特別是《秋決》，他用光影處理死刑犯心理狀態，至今仍被視為教科書級範例。這不是攝影技巧，這裏，我可學習如何用光，解釋人性。

如果只把賴成英定位為攝影師，那是低估。他真正的角色，是一個文化轉譯者。1970年代，他跨足導演，拍攝《愛有明天》、《煙水寒》，但更重要的是，他開始「讓位」。在《桃花女鬥周公》等作品中，他啟用一位年輕人擔任編劇與副導，那個人叫 侯孝賢。這不是偶然。這是台灣電影史最關鍵的一次「權力轉移」。賴成英，讓舊體制的資源，流向新世代。這也是為什麼後來的「台灣新電影浪潮」能夠發生。因為有人在前面，打開了門。

如果說技術可以學，
風格可以模仿，
那麼賴成英真正不可複製的，
是他的「人」。

李遠回憶，這位早已成名的大師，為了討論劇本，親自爬上軍艦岩找年輕的他，還帶了一瓶酒。這個畫面，很關鍵。它說明一件事：

「他沒有把權力當作距離，而是當作連結。」

賴成英的兒媳于長君回憶起公公，最深刻的印象不是他在片場指揮若定的威嚴，而是他在家裡那份近乎修行般的自律。90高齡的他，每日仍堅持懸腕練書法。當長君隨手拿起毛筆陪練，老先生會帶著一絲慈祥的羨慕說：「年輕真好，手腕還有這份力氣。」這不只是對體力的感嘆，更是一位老藝術家在時光流轉中，對生命律動最細膩的覺察。兒媳于長君笑談，當初與先生剛交往時，先生總說：「我爸爸很低調，只是個平凡的人。」直到有一天，老先生給了他們兩張金馬獎的票。那是《花樣年華》橫掃影壇的年份，後台坐著張曼玉、梁朝偉與劉德華。當頒獎人秦祥林在台上深情致謝，鏡頭掃向觀眾席上的「賴桑」時，長君才驚覺，先生口中那位「平凡的父親」，竟是撐起台灣電影黃金年代的靈魂人物。老先生不愛交際，典禮結束後悄然離場，回家卻又孩子氣地問：「你們怎麼沒去後台找我？我還跟張曼玉合照了呢！」

​退休後的賴成英，在紐約與台北之間遷徙，但他腦海中裝著的，是台灣電影文化的整部編年史。他成台灣影人的一本「活字典」。每當後輩研究者遇到考據難題，找上門來，他即便自謙「老了、不上相了」，卻仍願意為了文化傳承，一遍遍地分享當年的鏡頭運用與光影美學。他不僅分享記憶，更將一生珍藏的攝影器材、婆婆細心剪輯數十年的剪報與新聞資料，全數無私地捐贈給國家電影中心。對他而言，這些東西不屬於個人，而是屬於這片土地的集體記憶。他真正留給世人的，是那份待人如春風的真誠。誠如長君所感嘆的：「他的做人非常成功，所以晚年如此幸福。」

賴成英離去留下的，不只是作品數量：70餘部攝影作品、約18部導演作品、無數被他提攜的後輩，更重要的是——一種「東方光影美學」。那種美學的核心不是炫技，而是：節制、留白、情感溫度、與土地的連結。這一點，在今日全球影像市場中，反而變成稀缺資產。當世界被Netflix式敘事統一時，台灣真正的機會，反而在這裡。

2022年，他獲得金馬終身成就獎。李遠說，那是「遲來的肯定」。但真正的問題，不是給獎太晚。而是——我們是否理解他為什麼重要。如果今天的影像產業：
只剩流量、只談資本、不談美學、不談倫理，那麼再多的技術，也只是噪音。

賴成英告別我們。但他留下了一個更難的命題——

「當光不再稀缺時，人還是否重要？」

他用一生回答的是：影像的本質，不是看見，而是理解。在黑暗的戲院裡，觀眾從來不是在看光，而是在尋找自己。而真正的攝影師——不是記錄世界的人，而是幫助人理解世界的人。

這樣的人走了。
問題是，
下一個，會在哪裡出現？

PS ：賴成英兒媳于長君今日出席台北101「方文山X數位藝術宇宙展覽」，接受訪問。

（部分照片：國家電影及視聽中心）
#賴成英  #李遠 #于長君

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EDN 電影《漫長的告別》開鏡 陳淑芳、王耀慶、李康生、尹馨 共同重拾家的重量


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【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在台北萬華艋舺青山宮的裊裊香火中，一場關於時光消逝與情感留存的儀式靜謐展開。由禾力文創與陽明影視共同製作的電影《漫長的告別》，於今日正式舉行開鏡典禮。監製姜寧、張正芬、鄭秉泓及導演張書瑋，率領演員陳淑芳、王耀慶、李康生、尹馨、周暟澐、林政勳與姜冪等人，在古老神廟前虔誠祈願，試圖透過影像穿透社會底層的喧囂，直視長照困境與家屋內部的崩解與重構。
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這部作品不願困於教條式的沉重哀悼，而是將視角深入家庭關係與新住民的生存縫隙。導演張書瑋在開鏡現場神情從容，表示能與實力派演員群共事倍感榮幸。已邁入第二部長片創作的他坦言，此刻的情緒並非緊張，而是更深切的期許，希望透過更趨成熟的敘事手法，將這則關於「愛」與「家」的重新定義，傳遞至更廣闊的群眾視野。
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飾演女兒角色的尹馨，與飾演哥哥的王耀慶，在片中與陳淑芳共同建構了一段充滿張力的血緣拼圖。尹馨分享，童年時奶奶曾面臨失智與長照需求，那時多由母親一肩扛起照顧重任，年幼的她雖未能全然理解，如今卻在劇本中找到了共鳴。她認為這部作品精確剖析了照顧長輩的責任究竟在家族中如何流轉，以及那種無能為力的化學變化。面對初老，尹馨也展現了清醒的一面，主張為自己存下退休金與健康資本，減少未來的身後負擔。
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年逾八旬的陳淑芳則展現出如春日般的生命厚度。她強調維持正能量的關鍵在於「不計較」，無論是金錢或瑣事，只要生活尚可，便應樂於分享。她果敢宣告並無退休計畫，要持續工作與拍戲。談及生離死別，她泰然表示人生的散場是必然，無須誇大憂傷，應將複雜的事情簡單化，並透露每月與老同學聚會是她珍視的生活細節。李康生也提到，八十多歲的母親依然康健，記憶力極佳，特別是對財務細節記得很清楚。
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《漫長的告別》預視了一個極具穿透力的品牌高度，它不僅是影視娛樂的產出，更是社會集體療癒的引水人。這部作品以生活化的寫實筆觸，將最難以言說的長照重擔，轉化為溫潤的文化能量。在未來，這種深耕本土社會議題、卻具備普世情感價值的電影，將成為台灣影視界不可忽視的感性力量，它讓我們看見，在漫長的告別之後，留下的竟是如此堅韌的生的意志。
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生活並非為了遺忘，而是學會在日常的瑣碎裡，安放那些無法止息的牽掛。

#漫長的告別
 #陳淑芳 #王耀慶 #李康生 #尹馨
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EDN《穿著Prada的惡魔2》【雙面米蘭達穿上幸福的球鞋】的梅莉·史翠普（Meryl Streep）與安娜·溫圖（Anna Wintour） 當權力卸妝 她們在家庭找回自己「愛」的名字


.【Aster 318 專欄】【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】我們曾以為，那雙踏在香榭麗舍大街或紐約第五大道上、發出清脆冷冽聲響的尖頭高跟鞋，就是女性權力的圖騰。在那本名為《穿著Prada的惡魔》的當代啟示錄裡，米蘭達（Miranda Priestly）是孤傲的、不近人情的，甚至是靈魂乾枯的代名詞。然而，當2026年的春光灑進克羅斯比街酒店的套房，現實與虛構的兩位米蘭達——安娜·溫圖（Anna Wintour）與梅莉·史翠普（Meryl Streep）對坐時，我們驚覺：那層厚重的、用布料編織出來的權力甲冑，正一寸一寸地剝落。 當代權力正被AI重新定義，當傳統制度在科技與政治的夾擊下搖搖欲墜，我們不禁要問：那些站在浪尖上大半輩子的女人，究竟看見了什麼？當AI演算法可以定義美，當機器可以取代決策，那種「個人英雄主義」式的米蘭達確實正在瓦解。您以此引出她們向「親情」的回歸，讓這種回歸顯得不是一種「退休」，而是一種「看透幻象後的優雅轉身」。
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這場跨越時空的對談，
最終指向的不是時尚的更迭，
而是人生最隱秘、也最溫暖的歸宿：
家庭與愛。
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權力的武裝，是一場對世界的「補償性道歉」，梅莉·史翠普用她那近乎哲學家的直覺，剖析了女性在權力森林裡的生存法則。她表示女性領導者必須露出的手臂，對比男性永遠緊扣的西裝領口，這不僅僅是審美，而是一種悲劇性的「補償」。當女性在社會地位上取得進展，她們必須在視覺上展現出一種「小巧與脆弱」。那些難以行走的細高跟鞋，本質上是一種「我不會逃跑、我並不威脅」的偽裝。時尚在這裡，變成了女性權力者對這個世界的一場集體道歉。她們穿得如此精緻，是因為她們必須掩蓋那顆在男權世界裡搏殺、滿是傷痕的心。現在她們穿上了羊絨披肩，甚至在精神上穿上了那雙「幸福的球鞋」——一種隨時準備奔向孫輩、奔向真實生活的輕盈。
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安娜·溫圖，這位在媒體帝國中屹立不搖的「原子安娜」，在對談中展現了罕見的慈悲。當世界正在崩解，當制度正在爆炸，一個女性領導者該如何自處？安娜的答案不再是那一張張完美的雜誌封面，而是她那個在疫情期間、穿梭於紐約康乃爾醫院新冠病房的兒子。她看見兒子在面對無數死亡與破碎後，回到家中第一件事就是緊緊擁抱他的孩子。那一刻，所有的時尚趨勢、所有的廣告預算、所有的權力爭奪，都在那種純粹的肉體連結面前顯得微不足道。世界再大，大不過一個疲憊靈魂對家的渴望。她在那種「無情」的紀律感背後，隱藏的是對家庭節日、對長島庭院裡那場網球賽的執著。對於現在的她而言，能讓她坐得直挺、感到自豪的，不再是秀場的第一排，而是她能準時出現在孫子的家長會上。
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「時尚在這裡，變成了女性權力者對世界的一場集體道歉。」

這場跨越時空的對談，
最終指向的不是時尚的更迭，
而是人生最隱秘、也最溫暖的歸宿：
家庭與愛。
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「時尚權力退場之後，女性如何重新定義勝利」
梅莉·史翠普則用了一種更具詩意的語言去形容這種「回歸」。
她談到她的六個孫子，
那是她生命中，「最長也最短的時間」。
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一個曾演活了無數複雜女性、領取過無數獎座的偉大演員，現在最在意的竟然是從繁忙的行程中「搶奪秒數」。她像是一隻不倦的候鳥，在東西岸之間飛行，只為了感受那種「天人合一」的血脈連結。她談到老友的離去，談到如何將那些靈魂「吞下」並共生，這種生命觀的背後，是一種對孤獨的深刻理解。正因為看透了名聲的虛妄與權力的不穩定，她們才比任何人都更懂得：愛，是人生唯一的凱旋。
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梅莉則選擇用「吞下老友」來形容生命的消逝。那些離開的人，並未真正遠去，而是被她納入體內，成為她靈魂的一部分，在她的表演與生命中繼續呼吸。對她們而言，老去不是枯萎，而是「永保好奇」，是那種在不穩定的地面上，依然敢於移動重心的無畏。
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當兩位米蘭達都不再需要Prada，
--這兩位曾被視為「事業高於一切」的女性圖騰，
最終竟在「祖母」這個身份裡找到了靈魂的避風港。
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「家庭才是最重要的核心，有了家，其他一切都會好起來。」
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在《穿著Prada的惡魔2》裡，米蘭達的造型變得簡約了，頭髮不再那麼誇張。這是一個精妙的隱喻——當一個女性真正擁有了自我，她就不再需要靠外在的堆砌來維持權威。這場2026年的重逢，讓我們看見了權力與時尚在爭奪了一輩子之後，最終選擇在「愛的終點站」靠岸。她們不只穿著Prada，她們更穿著了一整部女性生命的啟示錄：年輕時，我們穿上盔甲去戰鬥；中年時，我們穿上華服去表演；而到了最後，我們終於可以穿上那雙舒適的球鞋，走回那個名為「家」的地方，擁抱那個最真實、也最柔軟的自己。
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AI是否正在消解「個人權威」，
還是創造「新型Miranda」（演算法權力）。
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當科技正在消解個人的「英雄主義」權威時，你讓這兩位米蘭達的回歸顯得格外具有時代意義。這不是一種被動的退休，而是一種主動的、有智慧的「主權回收」。當演算法試圖定義一切，她們卻選擇回歸最無法被演算法模擬的「血緣與親情」。
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而在那抹燦爛的黃色圍巾下，史翠普（Meryl Streep）與安娜·溫圖（Anna Wintour）她們共同揭示了人生最凱旋的終點。
——並非登頂，而是帶著滿身的勛章，安然地走回那個名為「家」的港灣。這不是退卻，這是一位女性在掌握了世界之後，最徹底、最自由的選擇，一切只為了「愛」，家人的「愛」。時尚的「勝利」重新定義為「擁有選擇不演戲、不戰鬥、只愛人的自由」。這不僅是對她們兩位的評價，更是給所有在職場與生活中掙扎的女性的一份慈悲禮物。
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「當一個女人不再需要被看見，她才真正擁有世界。」
-- 只有權力退場之後，勝利新定義你才會明白。
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當 2026 年的梅莉與安娜圍著黃色圍巾相對而坐，她們不再是為了取悅世界而存在的圖騰，而是兩個在時間河流中，終於找回自己名字的女人。當那抹黃色圍巾在冬日陽光下閃耀時，讀者看見的不再是「惡魔」，而是兩個終於活得輕盈、活得像自己的女人。
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PS: 本文旨在從公共現象與結構性維度，探討個人、團體及社會生態之心理機轉。相關議題仍處於動態發展階段，各方觀點並陳，本文之目的在於提供多元思考視角。相關論述係基於現有社會生態與心理學視角所建構之思考模型，旨在促進公共討論之深度，非對具體個案之事實陳述。若文中所引範例與現實情況有所重合，均係基於現象分析之巧合，特此澄清。

【Aster 318 】由應瑋漢（武）於 2025 年提出，是一套試圖重構「西方ESG」話語權的東方治理思想-- 「東方ESG」。「東方ESG」是以「天人合一」對抗人與自然的制度性切割，以「仁本企業精神」回應「西方ESG」在高度資本化運作下，逐漸空洞化的道德承諾。【Aster 318 】不否定 ESG，而是指出：若企業治理只剩下指標、評分與報告書，卻無法回答「企業應為誰而存在」，那麼「西方ESG」永續，終將只是被金融化包裝的語言。「Aster」在希臘文中意為星辰。星辰不孤單，它們以微光相互連結，織成星座。以民間的星光，連成一個全球共榮生態系。【Aster 318 】是以東方哲學與文化為核心的 永續宣言與運動框架，試圖將「西方ESG」「以利傳法」永續從冷冰冰的報告與指標，轉向「東方ESG」由「以善傳法」的文明語言。它倡議融合東西方哲學、AI與治理科學，構建一種更新的 東西方ESG 3.0 思維模式，並提出將台灣打造成文化性永續中樞的願景。
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【Aster 318 】倡議精神 : 3 Pillars, 1 Alliance, ∞ Future. (三大支柱，一個聯盟，無限未來。)
3.意旨 ESG三大核心：Environment, Social, Governance
環境、社會、治理 -- 當代文明的三根支柱。
1 .意旨 一個平台、一個地球、一個共榮聯盟。一個跨越國界的亞洲ESG平台，一個共享命運的地球。
8. 意旨 無限符號（∞）象徵永續、循環、再生 -- 人類不滅的希望。
因此，318不只是數字，而是一個方向：
【Aster 318 】永續倡議：民間自發 × 公平貿易 × 無限共榮。
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【Aster 318 】的哲學基礎，是一條貫穿東方文明核心的內在秩序，「東方ESG」是以《易經》「天人合一」與「一以貫之」為宇宙觀，理解人與自然、制度與命運之間的連動關係，彌補「西方ESG」的不足。【Aster 318 】邀請每一個願意承擔責任、持續修煉的靈魂，在同一片夜空中成為一個光點；光不必耀眼，但必須真實，彼此之間因方向一致而形成秩序。【Aster 318 】將持續推動「東方 ESG」與「仁本企業」精神的認證與實踐倡議模式，嘗試以東方文化的倫理深度，補足當代永續治理過度技術化、財務化的盲點。其長期願景，是以台灣為中心，建立一個結合東西方文化智慧的ESG樞紐，整合永續發展、科技倫理與民主平權，讓治理不只是合規與報表，而是一種可以被信任、被傳承的文明選擇。
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EDN 側寫：倘若《陽光女子合唱團》入圍中國影展各獎項時 試問「To be or not to be」的好戲才正要開始 范冰冰的分身第二幕 -- 一齣關於誠信、名利與國格的當代啟示錄。


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當一部電影的情感共鳴曾讓整個社會流淚，它的價值不只是票房數字，而是一個社會共同記憶；但當同一部電影，因制度或市場操作而被迫自我改寫，它就不只是作品，而是一個文化結構的鏡像。《陽光女子合唱團》的命運，是台灣影視文化的一條警示線：從7.5億票房的情緒共振，到1800萬補助引發的價值質疑，這是一場遲到的系統性反應，不是簡單的輿論風暴，而是信任破產的現場。
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而當這部電影《陽光女子合唱團》，如果真的入圍中國各大影展，故事的高潮將不在銀幕，而在現場——演員、導演及製片要面對的，遠比票房、補助或發行收益更複雜：出席還是缺席？領獎還是不領獎？每一步都是公開的價值宣示，每個行動都是國格態度的考驗。這才是真正的「好戲」，也是文化主權與個人誠信的公開實驗。如果選擇出席、領獎，那麼所有的修改、妥協與自我審查，就被隱性認可。過去觀眾的情感投入、社會的進步價值，會在鏡頭前被再度轉化為跨境資本的可交易籌碼。這不只是商業行為，而是公共信任的破壞。當台灣的觀眾看到曾經感動他們的面孔在中國那裡微笑，台灣這份信任會如何延續？他們支持的，不只是演員的演技，而是那份誠實的台灣文化承諾。這是一個殘酷的現實——當補助條款與合約防火牆都還在討論階段時，演員與導演的「肉身現身」就是最直接的價值表態。那是一個無法躲在製片人背後的時刻。
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反之，如果選擇缺席、拒領獎，那就像范冰冰事件一樣——沉默本身也是一種態度，一種對中國公開的價值立場。這種行為，立刻在國際舞台上放大：你在中國沒有妥協，你沒有讓步，你選擇了台灣的自由與文化自主。對觀眾而言，這是一場情感上的重建，讓社會理解：真正的文化力量，不在市場數字，而在於能否守住靈魂的誠實。這種「人格與態度的現場」比任何法律條款都更具張力。過去討論的合約防火牆、補助條款、版本限制，都是制度上的工具，卻無法直接約束人的意志。真正的價值宣示，是在那一刻，演員和創作者的眼神、站位與行動——他們可以選擇票房再造上億人民幣的佳績，也可以選擇堅持對台灣的誠信；他們可以迎合中國龐大的市場，也可以捍衛台灣的文化價值。
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借鑑范冰冰事件，「沉默」與「缺席」是種全新的英雄色彩。在一個追求曝光與流量的時代，「拒絕領獎」才是對台灣自由與文化自主最響亮的宣示。這為深受市場壓力困擾的創作者，提供了一種具備尊嚴的退出路徑。
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從制度結構來看，這也揭示了台灣影視補助與文化產業的長期矛盾：風險由社會承擔，收益由市場收割，而核心價值可能在跨境流通中被重寫。當制度缺乏「反向激勵」時，創作者會自動尋求最短路徑：拿著台灣公帑完成創作，將核心價值打包送往最大市場變現。
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「這是一種結構性套利，而不是個人惡意。」
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當這部電影如果真的站在中國影展舞台上，演員的選擇就是破局的唯一機會：他們可以把結構性的套利轉化為個人的價值表態，讓觀眾與社會看見「誠信比票房更重要」。這也是一場文化教育：對觀眾而言，理解一部電影的市場操作邏輯，是成熟消費者的必修課。對創作者而言，學會在價值與市場之間選擇，是人格鍛鍊的試金石。對整個影視產業而言，這是一個警訊。
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「中國市場規則再強，也不能替代台灣文化誠信。」
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《陽光女子合唱團》的演員在中國影展上的選擇，不只是「出席與否」，而是一場公開的文化實驗：
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選擇出席，等於默認價值妥協，收割票房背後的信任成本。
選擇缺席，等於以人格與態度為擔保，重新向觀眾宣示文化自主與誠實。
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這個瞬間，勝過任何法律合約、票房數字或補助條款。它提醒所有影視從業者：最貴的成本，不是審查，也不是票房失敗，而是失去觀眾信任。文化自信，不來自「能否打入最大市場」，而來自「即便不進入，也能堅守原則」。在這個意義上，《陽光女子合唱團》可能成為台灣影視的歷史坐標：不因票房，而因誠信；不因補助，而因態度。這才是真正值得觀察的「好戲」，也才是文化主權的真正試金石。最終，這不只是電影的問題，而是整個社會的選擇：我們希望看到的是表演者的靈魂，還是市場的數字？當你們站在對岸的領獎台上時，背後站著的是台灣 7.5 億票房的情感債主，以及 2300 萬對民主氧氣習以為常的靈魂。我們的每一次感動，都不應成為資本家跨國套利的廉價籌碼。
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當光失去誠信，它就不再能照亮自由。
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最終，這部電影能否真正代表台灣，不在於它拿了多少對岸的獎項，而在於它的主創團隊在面對「上億人民幣佳績與文化誠信」的終極抉擇時，是否有勇氣捍衛台灣的文化價值。
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但范冰冰與《陽光女子合唱團》的差別，在於《陽光女子合唱團》擁有選擇的權利，范冰冰完全沒有。
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「當一個人擁有「不妥協」的自由時，他的妥協就不再是悲劇，而是一種選擇。」
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​范冰冰的處境是體制暴力的受害者。她的消失與復出、言論與沉默，是在強大的國家機器監控與人身自由受限下的結果。在那樣的結構裡，個人意志被降至最低，生存才是第一優先。​而《陽光女子合唱團》的處境： 他們身處台灣，擁有完整的言論自由、人身安全與受法律保障的創作權。他們面對的是「金錢與誠信」的選邊站，而非「生存與毀滅」的掙扎。
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當你有權利說「不」卻選擇說「是」時，你就是在為那個體制的審查邏輯背書。
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​范冰冰是被體制「清算」，而《陽光女子合唱團》被質疑的是「套利」。如果創作者在台灣享受著民主氧氣，拿著公帑補助（1800萬），卻在進入對岸市場時，主動把那份氧氣「抽掉」來換取通行證，這就是一種高度自覺的背叛。這種「選擇權」讓他們的行為缺乏了悲劇英雄的無奈，反而多了一種商業投機的精明。​就是因為擁有選擇權，所以「態度」才變得如此昂貴。在中國，不表態可能需要極大的勇氣；但在台灣，不表態或為了利益而表態，則是一種對文化主權的棄守。「To be or not to be」，對范冰冰來說是命運的撥弄，對《陽光女子合唱團》的主創團隊來說，則是人格的自選題。
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​「平庸的惡」往往發生在擁有選擇權的人身上。
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「范冰冰不能說不，所以她的沉默是命運；而你們可以說不，所以你們的沉默，是立場。」
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范冰冰的第二幕是「被迫演出的劇本」，而《陽光女子合唱團》的第二幕，則是他們「親自撰寫的結局」。如果他們擁有選擇權，卻依然選擇了收割票房背後的價值妥協，那麼這場「好戲」就不再是藝術的探討，而是一場關於誠信破產的實況紀錄。
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這正是最諷刺的地方：
自由給了你拒絕的權利，而你卻用這份自由，去交換一個拒絕自由的入場券。
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「當人格與態度決定舞台，觀眾的眼睛，就是最後的法庭。」
而一旦被判定為不誠實，這個市場，不會再給第二次情感投資。
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自由並非僅僅是「可以做什麼」的權利，更是「拒絕做什麼」的尊嚴。 當《陽光女子合唱團》的主創團隊站在對岸影展的紅毯上時，那不再只是一場頒獎典禮，而是一場關於「台灣靈魂如何定價」的公開拍賣會。如果他們選擇了利益，那麼這部電影在台灣影史上的地位，將不再是「溫暖的共鳴」，而是一則「昂貴的警訊」。
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#陽光女子合唱團
 #范冰冰
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EDN 【特稿】電影《陽光女子合唱團》「當你利用自由作為創作的肥料時，你是否在賣座成功後，反手就掐斷了那口讓你呼吸的民主氧氣？」未來 還能還有機會參賽 代表台灣金馬獎的精神價值嗎？


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】如果一部電影，曾讓一個社會同時流淚，那它本該成為共同記憶；但如果同一部電影，隨後讓同一群人集體清醒，那它就不再只是作品，而是一場文化結構的顯影。《陽光女子合唱團》的命運，正是這樣一條急遽反轉的曲線：從7.5億票房的情緒共振，到1800萬補助引爆的價值質疑。這不是「炎上」，這是一場遲到但必然的系統性反應。
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從感動到質疑：不是輿論失控，而是信任破產。
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最表層的爭議，是名稱——「中國台灣」。但真正引爆的，不是語詞，而是語詞背後的結構性意義。
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當觀眾發現：
自己的情感投入，被轉化為跨市場談判的籌碼。本土補助，成為進入他國審查體系的前置成本。原本承載多元價值的敘事，被「可通關版本」替換那一刻，電影就不再是藝術，而是一種被設計過的資本路徑。這不是情緒過度，而是背信升級。
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過去輿論常卡在「創作者也要吃飯」的道德兩難，但如果風險（補助款）是公帑，那創作者就不僅僅是在做「私人商業決策」，而是揹負了公共契約。
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真正的人性裂痕：不但是「中國台灣」，更是「姊妹情」。
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輿論聚焦名稱，其實抓錯了主體。真正讓觀眾感到背叛的，是敘事核心的轉移——
「同性領養」被改寫為「姊妹情」。這不是刪減，這是價值降維。它意味著：原本屬於台灣社會的進步價值，被判定為「不可輸出」，創作者在進入另一市場前，主動進行文化自我審查。我們被消費的，不僅是口袋裡的票錢，還有我們引以為傲的生活方式。當演員投入靈魂演出一段進步價值（如同性領養），最後卻被剪輯成保守價值（姊妹情）時，這不僅是改劇本，更是對表演藝術家的人格羞辱。
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故事不再忠於現實，而是忠於審批邏輯。
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換句話說，這不是市場選擇內容，而是內容被市場重寫。而當文化需要先自我閹割才能流通，它就不再是文化，而是商品樣本。為了流通，創作者選擇了自我閹割，這對以「進步價值」自豪的台灣文化品牌是極大的內傷。
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1800萬的台灣國家影視政策補助，補助本身沒有問題，問題在於補助的結構設計。
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當我們把整起事件從情緒抽離，回到結構分析，就會發現一個清晰卻失衡的運作模型正在形成。首先，是創作風險的承擔。理論上，影視創作應由市場與投資者共同承擔不確定性，但在現行機制中，透過補助制度，風險被前置轉移至公帑，由整體社會先行吸收。這意味著，一部作品尚未經過市場檢驗，其潛在失敗成本已被公共資源消化，創作決策自然缺乏足夠的風險約束。
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其次，是市場驗證的來源。當作品上映，真正完成價值確認的，是台灣觀眾。票房不只是收入，更是一種信任與情感投資，觀眾以自身支持，讓作品從「被補助的內容」轉化為「被認可的文化產品」。這一階段，本質上是價值累積的核心。
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然而問題出現在第三個環節：商業回收。當作品建立口碑與市場基礎後，收益卻可能轉向更大規模的跨境市場，由私人資本進行主要收割，形成「在地承擔、外部變現」的結構落差。最後，是價值轉換的失控。為了進入特定市場，作品可能進行內容修改，甚至觸及核心價值的重寫。在缺乏制度約束下，文化意義被壓縮、調整，最終產生文化折價。創作者拿了基於「推廣台灣文化」而存在的補助款，就必須承擔保護該文化核心價值的義務。如果想純粹「吃飯」，就不該拿這筆帶有價值導向的稅金。
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當這四個環節連結起來，就形成一種結構性失衡：
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風險由社會承擔，
情感由觀眾投入，
利益由市場收割，
而價值則在流通中被改寫。
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「這不是商業選擇，這是對信任的消耗性套利。」
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這就是最典型的三件事同時發生：風險社會化、利益私人化、價值可交易化。當制度允許這種套利結構存在，個別事件就不再是例外，而是必然。
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這不是「政府給錢支持藝術」那麼簡單，這是一種不對稱的博弈：贏了： 創作者拿走票房與名聲。輸了： 社會承擔補助損失與文化挫折感。變現： 拿著台灣觀眾養出來的底氣去對岸交易，卻在交易時把這份底氣當成「負資產」割掉。
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最可笑的中國商業合作的荒謬，讓你可能連「利益」都拿不到，「票房看得到，吃不到。」
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如果故事停在「價值讓步換取利益」，已經夠現實。但現在連「利益」本身，都不確定。透過中國電影集團公司與華夏電影發行有限責任公司的壟斷體系，意味著：發行權不在創作者、文宣敘事不可控、收益分配存在高度不透明、這是一個極其不對稱的交易結構。簡單說，你為了進入市場付出價值，卻未必能取得對價。
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這不是商業擴張，而是風險外包給自己，控制權交給他人。
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政府單位提出的三點，本質上抓對方向：中國市場的文化控制風險、推動國際合資與多元市場、壯大本土市場。但問題實際上，仍然是「鼓勵」而非「約束」。在資本邏輯裡：鼓勵無法對抗套利、呼籲無法改變結構。如果制度沒有「反向激勵」，創作者仍會回到那條最短路徑：「台灣資金 → 台灣情緒 → 中國變現。」
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「這不是電影，而是文化產業合作經濟策略模型。」
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《陽光女子合唱團》的爭議，本質上揭露了一個產業公式：文化作品，被設計為跨市場套利工具。這個模型的危險在於，它會產生三種長期後果：
1. 創作動機扭曲：
作品不再問「我要說什麼」，而是「哪個版本能賣最多」。
2. 觀眾信任崩解：
當觀眾開始懷疑每一部片的「真實立場」，情感投資會全面收縮。
3. 文化主權流失：
價值不再內生，而是外部定價。
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如果一開始就說實話，上映前就公開「中國市場策略」：那這部片幾乎不可能達到7.5億。原因不是政治，而是信任經濟學：
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票房的本質，是情感的擴散函數。
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情感的前提，是認同。認同的核心，是誠實。一旦觀眾預期「這是一部會被改寫的作品」，首波動能就會直接斷裂。沒有首波，就沒有口碑；沒有口碑，就沒有奇蹟。這是一個極其高明的市場手段：如果創作者認為改寫版本是為了「市場生存」，那就請大方地在台灣上映前告訴觀眾。如果創作者不敢，那就證明了他們也知道這是一種「背叛」。
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今後及過往合約須追回，加註三條制度防火牆，這才是關鍵。如果這件事只停在情緒批判，下一部還會重演。真正需要的，是合約制度設計。這是目前法律與補助要點最難切入但最必要的點。這涉及對「文化主權」的具體定義。並且，這是一個非常「自由市場」的做法，讓資訊對稱，將選擇權還給消費者。如果消費者願意支持「特供版」，那是市場選擇；如果消費者覺得被欺騙，那是誠信問題。這種巧思規避了「政治審查」的指責，政府要轉而訴諸法律合約規範「消費者保護」。才能逼迫創作者必須在上映前就對自己的版本策略負責，讓「偷渡」變得不可能。
1. 補助附帶「價值一致性條款」--
禁止補助作品，於海外版本進行核心價值刪改。若發生，需比例返還補助或限制未來申請，還需懲罰性加倍賠償。因為補助支持的是「價值」，不是「版本」。
2. 建立「市場揭露義務」--
上映前須揭露，是否有特定市場版本策略
包含劇情修改、名稱調整、審查配合。
應該讓觀眾在進場前，就知道自己支持的是什麼。
3. 推動「非中國市場優先策略」--
強化與歐美、東南亞、串流平台合作。
補助與國際發行綁定，而非單一市場。
造成降低單一市場的議價權的利多條件。

文化，從來不是商業套利計畫目的。
而「能唱出台灣自由與靈魂的，不是市場最大的人，而是拒絕縮小靈魂的人。」

《陽光女子合唱團》留下的，不是一句台詞，而是一個警訊：
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「當文化可以被套利，它終將失去被相信的能力。」而一個失去信任的文化產業，再多補助、再大市場，都撐不起來。
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真正的競爭力，
從來不是「能不能進入中國」，
而是——
即使不進入，也依然成立。
那才叫文化自信。
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那才是自由市場，而不是被選擇的市場。
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真正的自由與靈魂，
不來自於「更大市場的產值數字」，
而來自於「不妥協能堅持的人性誠實」。
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「最貴的成本，不是審查，是失去觀眾」
--「這不是商業選擇，這是對信任的消耗性套利。」
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台灣影視產業長期以來的一種「虛假繁榮」：利用台灣的民主與自由作為敘事養分，卻在回收階段將這些養分視為可以隨時拋棄的贅肉。如果《陽光女子合唱團》是一個警訊，它提醒我們：
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文化軟實力不等於「票房數據」。政府補助不應成為「跨國套利」的墊腳石。
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「台灣生產情感，中國收割價值。」
而信任一旦崩解，重建的成本遠高於那1800萬。
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這不只是在談一部電影，是在談一個國家的文化自尊如何定價。「當一個產業需要對市場隱瞞真實，它就已經失去稱為文化的資格，只有對市場誠實，才有資格談文化自信。否則，那只是另一種包裝過的依附。」這不是政治審查，而是誠信原則。如果一部電影有「特供版」，那就該在上映前標明，這尊重了消費者的知情權。這將球丟回給了資本方：如果你覺得改寫是正確的商業決策，那你是否有勇氣在台灣市場公開這個決策？如果產值是建立在對價值的毀棄上，那麼這筆補助對國家文化而言，不僅是浪費，更是傷害。那個可以「在台灣拿補助講自由故事，去對岸跪著數鈔票」的模糊地帶已經消失。未來的創作者必須面對更真實的市場——一個對誠信有極高要求、對文化自尊有鮮明意識的成熟市場。台灣影視補助金不是「免費午餐」，而是「公共契約」。這點非常重要。創作者拿了推廣台灣價值的錢，就不能在海外版本中毀棄該價值。這為未來的法律訴訟或補助追回機制提供了堅實的論點基礎。
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電影《陽光女子合唱團》7.5 億票房背後的情感共鳴，是基於觀眾對「真實價值」的認同。如果這份認同是可以隨市場調整的「特供品」，那麼高票房就不是文化實力的體現，而是一次成功的情感詐騙。這讓後續的創作者必須思考：當這層信任薄膜破裂後，下一部片還能靠什麼動員觀眾？而且真正的自由市場，是建立在資訊透明與誠信交易之上。如果創作者隱瞞改寫版本的事實，那就是在干擾市場機制。將球丟回給資本方，要求他們「誠實」還原作品以對，這才是最有尊嚴的反擊。
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「當一個產業需要對市場隱瞞真實，它就已經失去稱為文化的資格。」--而能唱出台灣自由與靈魂的，不是市場最大的人，而是拒絕縮小靈魂的人。藉此，告訴所有創作者：民主與自由不是可以隨時棄置的工具，而是創作者賴以生存的氣管。 掐斷了它，或許能換來短暫的商業產值數字，但你將永遠失去成為代表自己「文化」的資格，只剩下某個「商品樣本」的空殼。
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文化倘若需要對自己的人民說謊，它就不再有資格代表那個社會。文藝作品若可以被修改，只是作品的「誠信」貞操一旦被出售，就無法再被相信你的牌坊，有多珍貴。
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未來，這部作品或許仍符合金馬獎的參賽規則，但當其核心價值在不同市場被重寫時，真正該問的，不是它能不能參賽，而是——它是否還值得被代表「台灣精神」。我們究竟是要打造一個影視的「產值大國」，還是要守護一個台灣精神的「價值大國」？如果為了進入一個拒絕真實的市場而選擇說謊，那麼這部電影就不再是台灣的陽光，而是一道投射在牆上的、隨人起舞的殘影。
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另外一個重點是演員，演出的表演者的權益。演員承擔「名譽風險」，卻沒有「版本控制權」。這才是制度漏洞。
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演員，是這條電影鏈上最無辜的存在。《陽光女子合唱團》7.5億票房背後，情感共鳴滿滿，但當核心劇情被改寫、價值被降維，責任落在誰身上？不是投資方，也不是製片，而是鏡頭前的人。風險全在他們，收益全在資本。未來的合約必須保障這種人格尊嚴。第一，版本知情與同意條款——每個跨市場版本、每次劇情調整，演員必須書面同意，未同意則可拒絕使用表演。第二，價值變更退出權——當劇情核心被改寫，如同性關係變姊妹情，演員可拒絕宣傳、拒補拍，甚至要求名字從片頭移除。第三，聲譽損害補償——若改寫導致輿論誤解，製片必須承擔財務與公開澄清責任。這三條條款，不是法律遊戲，而是演員人格態度的具體化。它把「背黑鍋」成本轉回資本方，讓觀眾知道他們支持的是原創故事還是調整版本。當演員說「我不同意這個版本」，這不是演戲，而是宣告：我的靈魂不可被任意交易。
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「如果演員無法決定作品版本，就不應承擔版本後果。」資本可以改劇本，演員只能改表情。如果你要改劇本劇情，就要承擔演員退出的代價。
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最重要的，是態度。未來的影視產業，如果沒有防火牆，資本可以改劇本、演員只能改表情；有了，它可能成為誠信市場的一部分。演員的人格與立場，才是文化自信的基石，也是自由市場最核心的守護。票房可以買到，但信任與靈魂，沒有交易價。
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EDN 世新大學與 LINE TV 構築原創直式劇《再不拍就來不及了！》開創微短劇藍海新策略：2. 手機的數量早已超過電視「直式劇的潛力不在於它的『短』，而是在於它的『近』。」


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當我們的手機數量正式超越了客廳那台曾代表「家庭核心」的電視，我們正共同參與著一場無聲的視線投票。橫與直，表面上是比例的選擇，骨子裡卻是兩種靈魂狀態的拉扯。當你習慣性地將手機橫置，那是一個莊重的視覺契約。橫向比例是為了模擬人類雙眼的地平線而生，它承載著百年電影工業的遺產。在那個視界裡，我們追求的是「景深」，是宏大的敘事，是與現實保持一段美學距離的觀察。選擇橫屏，意味著你願意交付出半小時甚至兩小時的生命，換取一場完整的、具備儀式感的逃避。那是對「劇場文明」的最後眷戀，在那裡，你是一個優雅的觀眾，靜聽遠方史詩的迴響。然而，直立的螢幕，卻是為了徹底征服人類的孤獨而演化。它不要求你轉動手腕，不要求你正襟危坐；它卑微且狂傲地貼合著你的掌心，成為身體的延伸。在直式劇或短影音的框架裡，背景被殘酷地虛化，「人」被推到了極致的近景。
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這是一種極致的個人主義敘事。畫面裡的角色不再是遠方的演員，而像是站在你面前、直視你靈魂的對話者。它的節奏是演算法的節奏，是快感噴發的節奏。在垂直的方寸間，人類不再需要「鋪陳」，我們只要「即時」。這是一場「指尖文明」的勝利，讓戲劇碎裂成指尖滑過的微光，與我們的生理律動完全合拍。未來的內容戰場，將屬於那些能精準切換這兩種靈魂頻率的創作者。
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這次世新大學與 LINE TV 的產學聯手，正是看穿了這場「視界主權」的移交。直式劇的潛力不在於它的「短」，而是在於它的「近」。未來的品牌優勢將建立在這種「私密性」上——誰能在那窄小的9比16的手機螢幕框架裡，塞進足以穿透人心、具備高級質感的敘事，誰就能在千億規模的微短劇浪潮中，握住演算法時代的文化話語權。台灣的內容產業，若能將傳統橫屏的精緻質感，成功嫁接到直屏的敏捷敘事中，那將形成一種極具殺傷力的品牌厚度。那不僅是拍影片，那是為現代人碎裂的靈魂，打造一座座可以隨身攜帶、隨時進入的微型神殿。真正的問題或許不在於我們選擇哪一種視角，而是在這場感官的洪流中，我們是否依然擁有一雙能辨識美與深度的眼睛？
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目前這種為手機而生的敘事語言，每一集兩分鐘的脈動，精準地計算著人類注意力的半衰期。戲劇不再是遙遠的夢境，而是與生理節律同步的、即時的文化脈衝。這股浪潮背後的數據冷峻而蒼涼。 2024年全球微短劇市場規模已展現驚人的爆發力，預計到2030年，這將演變成一個跨越國界、總額破千億美元的娛樂賽道。這不再只是藝術的產物，而是工業化後的內容工廠，特別是當 AI 生成技術介入後，影像文明正迎來第一次真正的「工業革命」。
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今日世新校園，群星與創意人匯聚。世新大學校長陳清河、副校長賴正能、LINE TV 董事長陳立人、營運長黃國瑜，以及劇組成員采子、董仔、涂善存、林瑄、小宮、黃禮豐、威廉（張兆葳）、梁怡茹，與導演張佑維（石頭）、邱孝尊（邱昊奇）、製作人詹家維共同見證了這場儀式。世新大學校長陳清河細細盯著片花的每一處節奏，眼中閃爍著欣慰。世新大學校長陳清河坦言，再次觀看這些畫面，內心滿溢著驕傲與感激。他強調，世新長年以傳播教學為本，在董事會全力支持下，校方不惜重金挹注專業設備與場地，更同步更新師資組成。世新大學校長陳清河堅定表示，學校的目標是帶著學生直接「下場拍」，而非空談理論，要讓訓練成果直接端到市場接受檢驗。他為這場產學聯姻留下了深刻的註腳，認為校園就是片場，課程就是產業。
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與校長並肩而立的 LINE TV 董事長陳立人，同樣難掩激賞。這已是雙方二度結盟，LINE TV 董事長陳立人觀察到，這次合作將世新師生的能量推向了本土大型 OTT 平台的前線。他分析，平台不只提供首頁曝光的行銷資源，更重要的是將後台大數據回饋給教學團隊。LINE TV 董事長陳立人認為，世新是傳播人才的搖籃，而 LINE TV 則是內容實踐的舞台，雙方在「內容」與「人才」的交會點上，正持續延伸這段難能可貴的緣分。
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《再不拍就來不及了！》的誕生，源自2025年初世新大學新聞傳播學院開設的系列課程。學生們在製作人詹家維的引領下，將創意構思、前期整合到後期行銷，於一個學期內淬煉成實戰成果。這部以校園生活與「世鑫獎」為背景的作品，透過涂善存與謝采紋（采子）的演繹，描繪了青春的誤解、競爭與背叛。當劇中主角張奕辰感嘆這部片講的就是我們自己時，那不僅是戲劇台詞，更是創作者對當代生存狀態的赤裸告白。這場革命的深度，亦體現在幕後班底的專業高度。由「這群人TGOP」成員張佑維（石頭）與邱孝尊（邱昊奇）共同執導，帶領新聞系學生林曦與梁怡茹等人在真實片場中尋找說故事的熱情。緊接著，世新大學已啟動下一階段的五部直式微短劇專案，由助理教授級專業技術人員陳怡妤統籌。題材鎖定女性復仇、反 PUA 戀愛、階級逆襲、穿越喜劇與 AI 戀愛，這些作品將挑戰完播率與話題延展性，正式宣示直式影像的主權。
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台灣站在一個微妙且優越的交叉點。我們擁有得天獨厚的文化混血基因，既深諳華語市場的情感脈絡，又流動著國際化的敘事血液。當其他地區的短劇仍深陷於品質粗糙的流量泥淖時，台灣的機會在於那份不肯妥協的質感。如果台灣能建立起完整的短劇產業鏈，從製作基地、IP 孵化工廠到內容電商的虛實整合，未來十年這將是一片產值上看五百億台幣的藍海。這不只是拍幾部短劇，而是要將台灣打造成亞洲直屏內容時代的創意中心。
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這是一個最壞的時代，也是一個最好的時代。當傳統影視堡壘在串流浪潮下顯得笨重，世新大學與 LINE TV 聯手打造的培訓基地，正像一具精密的導航儀。這種品牌優勢的深度凝鍊，預言了未來影視產業的權力核心將不再僅限於昂貴的大銀幕，而是在那些能與人類孤獨感產生共鳴的窄小方寸間。直式劇最終會超越單純的娛樂，成為演算法時代的文化基礎設施。我們真正該憂慮的，並非內容的短小，而是靈魂是否在追逐流量的過程中變得稀薄。世新大學正用一種優雅且具備穿透力的姿態宣告，當影像的框架改變，靈魂的深度依然能被完整留存。
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目前這是一場發生在指尖與瞳孔間的暴亂，規模宏大且無聲無息。當我們還在爭論電影院的爆米花香氣是否凋零時，一種被稱為「微短劇」的垂直物種，正以一種近乎野蠻的姿態，在全球娛樂版圖上插下旗幟。最先覺醒的是中國，2024年，那個產值已橫掃約 2,200 億元台幣的龐大市場，年成長率竟高達百分之35，其勢頭之猛，讓傳統院線顯得像是一座沉重且反應遲緩的古老鐘樓。更令全球影視權力核心感到驚懼的是：這絕非曇花一現。預測到2030年，僅中國市場便將跨越 6,600 億元台幣的門檻；而那片剔除中國以外的全球領土，產值也正向 3,000 億元台幣逼近。這是一條全新的全球賽道，連一向傲慢的好萊塢也開始低頭，俯身研究這方寸間的敘事法。這是一場關於「效率」的殘酷革命。傳統劇集耗時數年的精心雕琢，在微短劇面前顯得過於奢侈。短短數天的拍攝，不到十分之一的成本，卻能換取令演算法瘋狂、黏著度極高的眼球經濟。它成本低廉、週期短捷、回收暴力，正以一種碎片化的魅力，重構人類消費孤獨的方式。
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這不再僅是內容的生產，這是一次資本與心理學的精準聯姻。在垂直的視界裡，傳統影視正看著權力緩緩流向那隻緊握手機的手。而這世界並不缺少故事，缺的是能讓故事在最對的時間、最對的螢幕上，與另一顆靈魂相遇的溫暖。在垂直的手機螢幕裡，我們依然可以看見地平線般的遼闊。
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EDN 世新大學與 LINE TV 構築原創直式劇《再不拍就來不及了！》開創微短劇藍海新策略：1. 采子：「如果有機會說出口的話，我認為要把握愛。」涂善存拍校園劇一天刮三次鬍子 期待有刮鬍刀代言機會


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】這是一場關於視角的革命，也是一場關於時間的奪還戰。當大眾的視線從寬廣的橫向銀幕，縮減至掌心方寸間的九比十六垂直視界，影像的敘事語法正經歷一場無聲卻劇烈的演變。我們身處在一個滑動螢幕已成為生理直覺的時代，當影像不再是遠方的神話，而是掌心間跳動的脈搏，影視產業的權力核心正悄然移轉。世新大學攜手 LINE TV 與好咖文創，正式發表原創直式劇《再不拍就來不及了！》。這部作品的誕生，不僅僅是為台灣影視產業與高教體系劃開一道通往未來的光譜，更是在「再不拍就來不及」的警示聲中，試圖抓緊靈魂碎片的實踐。世新大學校長陳清河、副校長賴正能、LINE TV董事長陳立人、營運長黃國瑜及劇組采子、董仔、涂善存、林瑄、小宮、黃禮豐、威廉（張兆葳）、梁怡茹及導演張佑維（石頭）、邱孝尊（邱昊奇）、製作人詹家維等現身記者會。
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這部以校園生活與「世鑫獎」為背景的作品，採集每集約兩分鐘的微短篇幅，精準對接五G世代的碎片化收視習慣，讓學生寫的故事、討論出的角色，真正成為觀眾滑進來看的日常。這部作品並非橫空出世的宣傳片，而是源自二○二五年初，世新大學新聞傳播學院所構築的一系列嚴謹課程。從創意構思、前期整合到後期行銷，學生們在教授與製作人詹家維的帶領下，將課堂轉化為實戰現場。卡司陣容更具巧思，由校友涂善存領銜，與謝采紋（采子）共同演繹一段關於誤解、競爭與背叛的青春記事。當劇中主角張奕辰站上頒獎台感嘆：「這部片講的就是我們自己」，那不僅是戲劇台詞，更是世新師生對影像創作最赤裸的告白。
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在那個9比16的手機畫面狹長視界裡，演員的每一次呼吸都無所遁形。采子這次經歷了與過往完全不同的轉身，她坦言在演繹情緒轉折巨大的戲份時，導演邱孝尊具備一種如同催眠師般的魔力。邱導不只是講戲，他會走到演員身邊，邀請他們一起呼吸、進入冥想，在那些靜止的片刻裡，輕輕拍著肩膀說：「要相信一個愛情很困難的男人。」那一刻，采子的人生經歷與角色的潘朵拉盒子被一同開啟，她以一種近乎透明的真誠，在劇組裡流下了真實的情緒。談及片名，采子的語氣裡多了一份滄桑。「就是在我在準備再不拍就來不及的時候，剛好遇到了我16年的狗狗過世，那他在我一開始來的時候，我完全沒辦法跟任何人說話，但是我又同時需要做好我該做的工作，所以我覺得如果要說再不拍就來不及了，也教會我一件事就是剛好遇到這件事件，我覺得對於身邊所有的人所有的緣分、所有的虧欠，如果有機會說出口的話，我認為要把握愛，也是因為一個人最重要的、最重要的，就是時間。我覺得對我的狀態來說，其實就是再不拍就來不及了，因為我覺得好像剛過30歲之後，會覺得自己變得更勇敢一點，因為以前就是可能都是在鏡頭表演上面，那這一兩年開始想，就是包含這一次參與直式劇，然後六月要演舞臺劇，其實這些東西可能如果是提早個三、五年，我會不太敢去做？但是我覺得現在來看就是覺得時代經過這麼快，我也要逼自己勇敢一點去做一些不同的嘗試。」
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今日在世新大學智能攝製基地現場，采子還演唱主題曲「我覺得這裡音場特別好，我今天很早就來彩排了，我真的覺得一個校園有這樣子的一個場地。」面對過往感情事件，「我覺得不管是那個時候，一直到現在，其實我一直有在做反思。那就是也很謝謝石頭導演跟好奇導演可以讓我今天有這個機會來更進入演員的身分，那我也會用作品跟大家對話。我覺得對於現在的我來說，我更專注於我在當下，我更專注於我需要做好什麼那，我也接受所有大家的看法跟指教。」她坦承目前單身，卻對凍卵有著極為堅定的立場。她表示，「因為我覺得女生在二十六歲到三十五歲之前，動卵是一個我覺得很需要做的事情，它不只是在在保護我們，它也是在保護未來的自己，所以我認為每個女生都可以正視一下這個問題，我覺得它是一個非常勇敢的決定。」在變幻莫測的未來面前，為自己留下一道光的決定。
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而男主角涂善存則在成熟與青春間幽默地拉鋸。他笑稱自己是班傑明的奇幻男神，二十歲時就長得像現在這般著急。為了演好大學生，他必須一天刮三次鬍子，試圖抹去歲月的痕跡，也期待有刮鬍刀代言機會。然而，當他得知總監制是昔日的恩師賴副校長時，一種使命感油然而生。三十歲後的他，變得更勇敢，不再懼怕舞臺劇或直式劇的挑戰。他深知影視圈永遠需要新鮮的血液，而他正試圖將這份能力轉化為傳承，讓學生們看見一種專業的態度。
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在今日的簽署儀式上，世新大學校長陳清河細細盯著片花的每一處節奏，眼中閃爍著欣慰。世新大學校長陳清河表示，現場再一次看完片花，第一個感受是既驕傲又感謝。他提到世新以傳播起家，近年在董事會支持下，不只在器材、設備與專業空間上大幅投資，課程與師資也同步更新。世新大學校長陳清河以「校園就是片場、課程就是產業」作結，期許世新成為直式劇與微短劇創作的長期孵化基地。LINE TV 董事長陳立人則感到興奮，這已是雙方二度簽署產學合作計畫。LINE TV 董事長陳立人表示，學生作品可以直接在本土大型 OTT 平台上線，平台一方面透過首頁曝光與行銷資源把作品推給更多觀眾，另一方面也會回收後台數據與觀眾回饋，成為學生成長的養分。他形容世新是重要的傳播人才搖籃，雙方在內容與人才的交會點上高度連結。
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導演邱孝尊將其定義為一齣充滿賀爾蒙與魅力噴發的娛樂片，它精準捕捉了 5G 時代下，人們在手機螢幕前那種「現在不看就過期」的焦慮。這群創作者的優勢，在於他們成功打破了自媒體與專業影視的界線。采子、涂善存，以及那些在網路上活絡的新世代，正在定義一種新的敘事主權。世新大學這座人才培訓基地的品牌核心，不再是傳統的長篇大論，而是那種能迅速穿透人心、在兩分鐘內完成靈魂對話的爆發力。這是一場關於速度的競賽，也是一場關於誰能更溫柔地留住時間的革命。這世界並不缺少故事，缺的是能讓故事在最對的時間、最對的螢幕上，與另一顆靈魂相遇的溫暖。
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微短劇的未來不再是點綴，它是品牌在碎片化時代裡，唯一能握住的永恆槓桿。這場「再不拍就來不及」的派對裡，他們已經拿起機器，按下了開始鍵。

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EDN《陽光女子合唱團》總票房正式突破7億 台灣影史首部全台賣破7億的台片！果真應驗流傳名言陳意涵「意涵意涵破億不難」




【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】四天連假，戲院燈光未歇。
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《陽光女子合唱團》以三千七百萬元的成績，將總票房推上七億台幣門檻。數字固然耀眼，卻更像一種回聲，回應著觀眾在黑暗中凝神的情感與掌聲。從上映以來，這部作品在城市與鄉鎮之間流轉，將音符與土地連在一起，最終成為市場與口碑共同推動的現象。記者會現場，導演林孝謙、編劇呂安弦與演員陳意涵、鍾欣凌、安心亞、苗可麗、孫淑媚、鄭志偉、何曼希、羅晨恩齊聚慶賀。演員群早前感謝影迷支持，並溫馨合唱同名主題曲。那份合唱的默契，與票房數字形成對照，像是一場從片場延伸到觀眾席的共同完成。
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陳意涵「意涵意涵破億不難」在此刻再度被提起，彷彿為票房走勢提前寫下注腳。當數字突破門檻，這句輕鬆的語感也化為真實成績，成為影迷津津樂道的見證。陳意涵之前在現場表示，很開心可以跟導演和編劇再次合作，也感受到彼此的默契，相信大家也感受到誠意和用心，大家對團隊的回饋是最好的鼓勵。
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導演林孝謙則提到，非常開心《陽光女子合唱團》也將往七億邁進，相信是這個故事跟這塊土地有很深的連結和期待，也希望有讓大家得到溫暖。當作品與土地產生情感對應，票房成長便不再只是商業數據，而是一種文化共振。影片的腳步並未停留在本地市場。新加坡與馬來西亞已上映，紐西蘭、澳洲即將接棒。三月初除香港外，美國、加拿大也安排放映，韓國、日本正在洽談中。從華語市場走向更寬廣的觀眾群，這條路徑清晰可見。它不急躁，卻有節奏。
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令人動容的一幕來自奶奶翁倩玉。她透過導演轉達，雖然昏倒但是很安全，並希望把導演要包給她的紅包捐給視力有障礙的小朋友們，幫助他們可以早日恢復他們的視力。同時淑芳阿姨也提醒導演，希望大家可以做點好事，一起捐一輛救護車去幫助社會。這些話語，將一場票房慶祝延伸為善意的行動提案。舞台之外，仍有更寬廣的世界等待關懷。
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七億的意義，在於證明市場對情感敘事的回應。更深一層，是品牌價值的累積。當作品建立起信任感與公共形象，下一步便是跨地域的文化輸出。從東南亞到北美市場，這部電影已具備進入不同語境的基礎。它有清晰的故事主軸，有群像演出的張力，也有社會關懷的延伸。這些元素結合，將使其成為可長期經營的文化品牌。
影視產業競爭激烈，題材汰換迅速。真正能留下來的，往往是與人心相連的作品。《陽光女子合唱團》在七億之後，面對的是更大的市場考驗與文化期待。若能持續維持創作誠意與國際布局的節奏，未來的影響力將超越單一票房紀錄。
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一部電影若能讓觀眾在散場後仍記得旋律，那已是成功。若旋律同時喚起善意與行動，價值便更為長遠。
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光會消散，溫暖會留下。
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#陽光女子合唱團
 #7億 
 #陳意涵 #意涵意涵破億不難
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EDN「配樂，讓影像說出未完成的情緒。」-- 由《陽光女子合唱團》談影像與情緒差值。




【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當電影真正的敘事，是發生在觀眾的潛意識裡。我們常以為電影，但真正讓觀眾在黑暗中沉默、在散場後無法抽離的，往往不是畫面，而是那段旋律。影像負責陳述事件，配樂負責完成情緒。電影的高明與否，不在於故事是否複雜，而在於它是否懂得——讓音樂說出畫面尚未說完的話。電影的「情緒差值」概念（畫面平靜 vs. 音樂暗示危機）是專業配樂的核心，如同接近電影配樂理論中的 contrapuntal scoring（對位配樂概念）。這種「非同步性」正是電影美學的高級體現用「畫面完成一半，音樂完成另一半」來形容敘事，極具說服力。
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影像的遊戲規則限制，「理性可以被看見，情緒不行。」鏡頭可以呈現行為、空間與光線。角色可以用對白解釋動機。但人類最深層的心理狀態——遲疑、壓抑、預感、命運感——無法被完整拍攝。這正是配樂存在的理由。在倩女幽魂中，寧采臣與聶小倩的愛情並沒有大量對白鋪陳。真正建立情感重量的，是弦樂延音與空靈笛聲。畫面克制。音樂洩露。觀眾感受到的悲劇預感，並非來自劇情推進，而來自旋律提前揭示的命運陰影。這種處理方式非常東方。它相信情緒不必被說破，而應被喚醒。
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配樂如何操控心理時間，其實電影是一種時間的藝術。剪輯可以加快敘事節奏，但真正改變「心理時間」的，是音樂。在電影「天能」中，時間逆轉的結構極度複雜。導演Christopher Nolan並未讓角色長篇解釋，而是讓低頻音牆與重拍節奏形成持續壓迫。觀眾即使尚未完全理解劇情，身體已經進入緊張狀態。音樂改變呼吸頻率。呼吸改變感受。感受先於理解。這就是配樂的力量。它不透過理性說服，而透過神經系統直接進入潛意識。
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《陽光女子合唱團》，當情緒被唱出來，藉歌曲與觀眾心靈對話。相較於奇幻與科幻題材，《陽光女子合唱團》顯得溫柔許多。但其敘事策略同樣精準。片頭慢板弦樂拉長校園鏡頭停留時間，角色尚未開口，孤獨與期待已經被暗示。排練段落加速，剪輯與拍點同步，群像動態自然形成張力。在衝突場景中，對白依然節制。真正完成情緒的是演唱。演唱是一種集體潛意識。個體說不出口的話，被群體聲音合唱包覆。畫面呈現站位與指揮手勢，音樂則說出信任、嫉妒、恐懼與團結。這是一種極成熟的處理方式——不讓角色哭給你看，而讓旋律替她說故事。
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若從文明視角觀察，東西方對時間的理解差異，也反映在配樂策略上。東方電影傾向延長情緒餘韻。慢板、留白、延音、時間像水流。西方電影傾向壓縮與強化節奏。重拍、結構動機、節奏對齊剪輯、時間像機械。前者讓觀眾進入情緒深處。後者讓觀眾被推動前行。東方傾向「情緒延展」，西方傾向「結構推進」。但兩者本質相同——音樂決定觀眾如何「感覺時間」。而時間的感受，正是電影最深層的敘事。
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配樂不是裝飾，而是第二條敘事線。成熟的電影配樂有一個原則：畫面完成一半，音樂完成另一半。若畫面已經強烈悲傷，音樂再強調悲傷，只是重複。真正高明的處理，是創造「情緒差值」。例如：畫面平靜，音樂暗示危機。畫面激烈，音樂冷靜克制。畫面克制，音樂情緒洩洪。這種落差，形成張力。張力，才會留下記憶。
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我們總在旋律裡記住電影的一切，多年之後，人們未必記得對白，卻能哼出主題曲。那不是巧合。因為旋律比畫面更容易進入長期記憶區域。音樂沒有語言障礙，也沒有理性審查。它直接與情緒系統對話。當影像結束，旋律仍在腦海延續。那段未完成的情緒，沒有真正散場。「聽覺有時比視覺更早發育且更難被大腦過濾」的生理特性，這樣更強化「音樂直接進入心靈」的影響力。聽覺在胎兒時期即已發育，視覺需要更多認知處理，音樂繞過語言區，直接進入情緒處理區，影響才會如此深刻感人。
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一個時代如何為自己的情緒配樂，也是一種文明狀態。若社會只剩畫面與口號，而沒有情緒轉譯能力，它的敘事將變得粗糙。電影之所以重要，不只是娛樂。它教會我們如何處理未完成的情緒。如何讓壓抑被聽見。如何讓沉默被理解。如何讓悲傷不必直白。配樂，是情緒的翻譯器。也是潛意識的敘事者。
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影像給我們故事。
音樂給我們靈魂。
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當畫面停止，旋律仍在延續。那一段沒有說完的情緒，正是電影最深的力量。配樂之所以重要，不是因為它動聽。而是因為它讓影像，完成了自己。最好的配樂不是「背景」，而是「潛台詞」。 它填補了銀幕上的空白，讓觀眾在寂靜中聽見角色的心跳。
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#陽光女子合唱團
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EDN 2026 第34屆「台北國際書展」九把刀《功夫》分享會 -- 玖壹壹（春風、健志、洋蔥）、戴立忍、劉冠廷電影幕後秘辛及劉維泰導演解讀分析

【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】我們活在一個數據決定一切、邏輯扼殺想像的平庸時代。當當代的電影創作者忙著計算影評人的口味、揣摩國際影展的風向時，有一個人，卻決定帶著幾億台幣的預算，跳回那個充滿布袋戲回音、五元一包科學麵的九〇年代。那是九把刀。而他的《功夫》，不是一場復刻，而是一場對「台灣文化認同」的暴力認領。在台北書展的分享會上，他像是一個剛剛從戰場歸來的將軍，臉上帶著某種疲憊卻自溺的笑意。他談的不是攝影美學，而是如何「不科學」地對抗這個世界的理所當然。這是一場近乎「導演創作解剖課」的自白，揭示了在理想與現實的殘酷夾縫中，影像如何突破文字的邊界。

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​「最大的心魔，是那些看過小說的讀者。」這句話，說得優雅，卻也透著一種創作者的悲涼。九把刀深知，文字的想像空間是無限的，但影像的鏡頭卻是具象的死胡同。讀者腦海中的阿義與淵仔，可能是金庸筆下的翩翩少年，也可能是古龍筆下的落拓浪子。當他試圖將這些黑白文字轉譯成彩色畫面時，他面對的是幾十萬種版本的期待。於是他選擇了「背叛」。他直言，真正的忠實不是逐條執行，而是對靈魂的共振。

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​在分享會中最令人發噱、也最耐人尋味的片段，莫過於那尊「大佛」。在特效團隊的眼中，世界是有公式的。根據物理比例，大佛在某些遠景中應該縮小到看不見。但九把刀拍桌子了，他用一種近乎荒謬的口吻宣告了他的美學獨裁：「我們拍電影的不是科學家，是藝術家。大佛有時候可以很大，有時候可以很小，那是畫面決定的。」這是一句多麼美妙的諷刺。在科學的世界裡，一加一等於二；但在藝術的世界裡，恐懼可以讓一粒沙變成泰山，憤怒可以讓一尊佛像頂天立地。這不僅是視覺的選擇，更是情緒的擴張。他拒絕了物理的平庸，選擇了藝術的跋扈。

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​如果說大佛是美學的偏執，那麼選角就是一場對「台式平民文化」的深情回收。長期以來，我們的武俠夢是被港片、被邵氏、被張徹與胡金銓定義的。但在九把刀的眼裡，台灣人的武俠記憶，其實藏在那些被影評人戲稱為「俗氣」的本土劇與布袋戲裡。他把「玖壹壹」請進了劇組。這不是流量的權宜之計，這是一場精密的文化實驗。春風演黑白郎君，健志與洋蔥演黃飛虎、黃飛龍。這個組合聽起來像是一個冷笑話，但背後的邏輯卻無比嚴肅。

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​春風的「苦行僧」精神： 他沒有選擇最帥的李小龍，而是選擇了必須把自己關在厚重戲服與特化妝裡的黑白郎君。為什麼？因為那是他童年真正愛過的角色。那句「別人的失敗就是我的快樂」，在春風的口中，不再是惡搞，而是一種靈魂深處的共鳴。 玖壹壹集體行動的義氣： 這種帶點江湖氣息的團體感，完美契合了《功夫》裡那種笨拙卻純粹的師徒情誼。九把刀甚至故意保留了那種「呆板」的演法。那些不斷重複自己名字的台詞，那種不追求演技「安全解」的選擇，本質上是對九〇年代電視文化的致敬。他要把那些曾經被我們笑過、以為「不夠高級」的文化碎片撿回來，在大銀幕上重新貼金。這不是致敬，這是認領。這是告訴觀眾：這就是我們長大的方式，我們不需要假裝自己是看著莎士比亞長大的。

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如果說玖壹壹代表的是台灣流行文化的混血與狂歡，那麼戴立忍（大寶）飾演的「黃駿」，則是這部電影裡最沉重、也最真實的底色。在原著小說中，黃駿是淵仔與阿義的師父，是那個點燃熱血之火的引路人。但在電影的大銀幕上，九把刀與戴立忍共同完成了一次對「宗師形象」的暴力拆解。他不是那種仙風道骨、衣袂飄飄的俠客，他白髮凌亂、衣衫襤褸，與其說是絕世高手，倒不如說更像是一個剛從中壢火車站走出來的流浪漢。這就是九把刀的「藝術家選擇」：武俠不該是懸浮的，它必須長在塵土裡。分享會中，九把刀揭露了一段關於「拒絕」的往事。戴立忍在當兵時曾是跆拳道教練，這份硬底子的功夫，讓他坐在導演面前時，自信地提出「不用替身」的要求。換作任何一個追求新聞噱頭的導演，這絕對是最好的宣傳點：「金馬影帝親自上陣，拳拳到肉！」

​但九把刀拒絕了。他的拒絕，優雅且充滿了諷刺的清醒。「電影的第一原則：不能為了演員的一個帥氣，讓整個劇組停擺一週。」

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​在原著小說中，藍金是一個功能性的棋子-- 他冷血、扁平，存在的唯一目的就是為了襯托主角的成長。但影像創作最迷人的地方就在於，演員的生命力有時會粗暴地改寫劇本。劉冠廷，這個當代台灣影壇最不可預測的靈魂，賦予了藍金一種「不甘心」的氣息。那不是單純的惡，而是一個被壓抑、被忽略的邊緣人，對命運發出的最後一聲怒吼。當全劇組開始為這個反派著迷時，九把刀面臨了一個導演的終極考驗：要按圖索驥，還是順勢而為？他選擇了後者。他改了劇本，讓藍金不只是被擊倒，而是真正走到武學的巔峰。這是一種溫柔的諷刺——原來真正的「功夫」，往往藏在那些不被看好的靈魂裡。當演員的生命力超越了原著，九把刀展現了一種罕見的謙卑，他放下了創作者的執念，讓角色自己去尋找結局。

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​為了追尋心中那個五百年前的武術世界，九把刀做出了一個極度不符合經濟效益的決定：在大棚裡搭景。在這個CG可以解決一切的年代，他卻選擇在中壢的攝影棚裡，像個老手工藝匠一樣，一磚一瓦地重現那些假山假水。他追求的是一種「棚拍的戲劇感」，一種像《天涯明月刀》那樣「觀眾從來不會質疑的假」。這種「假」，其實是一種極致的「真」。它喚醒了我們對老派武俠片的集體鄉愁——那種在煙霧與燈光中建構出來的幻夢，遠比冷冰冰的綠幕合成來得有溫度。同時，他也對性別意識進行了遲來的補償。原本柔弱的花貓兒，在電影中學會了戰鬥。這不是為了政治正確，而是一種對時代脈動的自覺。「女生怎麼可以永遠只是被保護？」這句問話，其實也是九把刀對當年寫小說的自己，進行的一場跨時空反思。

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​分享會的最後，九把刀留下了一句讓人心碎卻也充滿力量的話：「能夠完成功夫的導演，可能不是台灣最厲害的導演，但最想完成的導演，那就是我。」這句話，聽起來像是某種敗戰宣言，但本質上，它是最狂傲的勝利信號。在創作的路上，技術可以精進，預算可以累積，但那份「非如此不可」的執念，卻是無價的。

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​《功夫》這部電影，註定不會是一部完美的、滴水不漏的教科書作品。它會有缺陷，會有不科學的比例，會有讓影評人困惑的「台式俗氣」。但它擁有最珍貴的東西：它有根。它是一趟關於台灣人如何記得自己的旅程。它回收了那些被棄若敝屣的文化碎片，將它們拼湊成一幅屬於這個島嶼的英雄史詩。這不是復刻港片，這是認領台灣。而這件事本身，就已經非常「功夫」了。

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導演劉維泰解讀九把刀電影功夫，他表示九把刀沒有把電影拍成粉絲服務的原著重製，而是以「導演視角」重新整理九把刀宇宙的敘事邏輯，嘗試讓高度文學性的世界觀，轉譯為可被影像承載的敘事結構。

這是一種取捨，而非妥協。劉維泰理解「電影不是小說的延伸，而是另一種語言」。因此他在改編過程中，大幅刪減前史、壓縮人物線，甚至顛覆部分原作設定，目的不是背叛原著，而是避免讓電影在結構上因為忠誠而窒息。這種決斷力，對任何導演而言都極其殘酷，因為它意味著：一定會有人失望。但導演的責任，從來不是取悅所有人。在技術層面，《功夫》確實展現近年國片罕見的視效規模，但真正困難的，反而是人物密度與情感層次的調度。多線敘事、角色動機、節奏控制，全都建立在剪輯與表演的精準平衡上。戴立忍等演員的存在，並非明星加持，而是結構支撐；他們撐住了電影在奇幻與現實之間的重。九把刀並未將電影拍成單純的「爽片」，而是在商業框架內，保留了作品一貫的青春倫理：對正義的執念、對世界的對抗、以及那種近乎天真的相信 -- 相信努力有意義，相信選擇會留下痕跡。《功夫》的真正價值，不只在於它能否票房成功，而在於它證明了一件事：台灣電影若要走向下一個階段，勢必要有人承擔「把故事拍大」的風險。

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#台北國際書展

  #九把刀 #功夫

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  #戴立忍 #劉冠廷 

  #劉維泰

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EDN 導演奚岳隆驚悚新作《無形》鳳小岳、葉芷妤打造本土隱形人世界 比美希區考克心理驚悚劇


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】年度驚悚話題電影《無形》（Phantom）正在全力拍攝中，導演奚岳隆與主演葉芷妤、鳳小岳於今（30日）出席媒體見面會，分享拍攝現場點滴與創作理念。這次作品是兩位主演首次挑戰驚悚類型，葉芷妤坦言對「無形的東西」心生敬畏，但拍攝過程順利，鳳小岳則自認最怕的其實是黑暗，並幽默表示：「現場最怪的大概就是我跟隱形人吧！」《無形》由發起日影視 D-Day Pictures 製作，奚岳隆曾執導《女鬼橋》系列，累積票房與口碑。電影集結 Netflix 原創影集《瘋狂獨角獸》主演葉芷妤，以及金鐘獎迷你劇集影帝鳳小岳首次合作，以道教神秘學為靈感，打造嶄新的隱形人世界觀。劇情描述葉芷妤飾演的社工林又默，在一次家訪後意外牽動一連串神秘事件，與鳳小岳飾演的物理教授孫銘攜手追查，逐步揭露結合禁術實驗與詭異儀式的隱秘計畫。那股「看不見的力量」正悄然滲入現實，威脅日常生活的安全與秩序。
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導演奚岳隆指出，《無形》的創作起點源於對台灣社會與現代生活狀態的觀察，他在劇本階段邀請韓國創意製作人宋真先擔任編劇顧問，透過跨國討論，「讓故事在保留文化特色的同時，也更符合國際觀眾的觀影感受。」目前，《無形》已售出七個東南亞國家的戲院版權，在海外發行洽談中也獲得正面回饋。奚岳隆感動表示：「跨國合作不是為了『變國際』，而是讓這個很本土的故事，用更好的方式被世界理解。」美國導演希區考克被譽為「驚悚大師」，其電影風格以心理緊張與懸疑氛圍著稱，而非單純依靠血腥或暴力。他擅長將恐懼植入觀眾內心，透過角色的焦慮、偏執或恐懼感，引導觀眾產生心理共鳴。希區考克的作品常將驚悚事件置於日常場景，例如火車、浴室或家庭環境，使恐懼似乎隨時可能降臨，增加代入感。他善用鏡頭語言與視覺符號，高角度、斜角構圖與陰影處理皆用以強化緊張氣氛，而敘事中巧妙的誤導與轉折，讓觀眾對真相產生不確定感。此外，黑色幽默與對人性的深刻觀察，是其作品的特色，角色的偏執、嫉妒或道德掙扎往往與恐懼交織，使故事層次豐富。希區考克風格的核心，在於將恐怖化作心理體驗，讓觀眾感受到的不僅是視覺震撼，更是內心深處的懸疑與緊張。導演奚岳隆談起創作理念時提到，「希區考克是我的偶像」，他表示從心理與精神層面切入，對於恐懼的呈現一直是他電影的重要思考方向。奚岳隆說，近期台灣影視恐怖題材過度氾濫，他希望透過心理層面的設計，帶給觀眾全新的觀影體驗，因此在《無形》中融入「影行人」元素，打造前所未有的隱形人題材。
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他進一步說明，這次電影在表現上減少過度依賴特效的力量，而是增加心理與精神層面的張力，希望觀眾能從角色的視角快速感受到恐懼。他指出，「觀眾能夠進入角色的心理，體驗到不同層次的恐懼。」奚岳隆認為這種方式讓恐怖不僅是外在刺激，而是內心感受的延伸，「或許我一天只能摸到戲劇心理的邊邊，但這就是我想帶給觀眾的深度體驗。」這段訪談展現了奚岳隆對心理恐怖與劇場感的思考，他強調，真正的恐怖來自觀眾內心的感知，而非單純依靠視覺特效。這也反映在《無形》的拍攝策略上，從故事鋪陳、角色心理到影像風格，整部作品都試圖以細膩的心理設計引導觀眾，營造一種身歷其境的緊張氛圍。
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此次選角同樣大膽，奚岳隆選擇第一次主演驚悚片的葉芷妤與鳳小岳，他坦言：「說沒壓力是騙人的，恐怖片對節奏、情緒控制要求極高，一點失誤就會影響整體效果。」然而，兩位演員未被類型定型，反而帶來新鮮感，「他們不是用既定套路演恐怖片，而是用角色本身的情感去面對恐懼。」奚岳隆更讚鳳小岳是「少數會讓我心動的男人」，每次觀看他的表演都覺得一定要合作。鳳小岳則分享片中駕駛導演愛車的經驗，正是他兒時夢想的車款，雖小心翼翼避免刮撞，但直呼：「讓我圓夢了。」拍攝將近一個月，奚岳隆對鳳小岳細膩掌控情緒的表現讚譽有加，許多微妙情緒藏在眼神、呼吸與停頓間。葉芷妤的爆發力同樣令人驚喜，「她能在關鍵場次精準掌握高強度情緒，投入而不失控制，完全不保留，這需要很大的勇氣與信任。」電影場景遍及雙北市、金瓜石、基隆等地，葉芷妤對陰陽海印象深刻：「風景非常漂亮，會讓人不自覺靜下來。」她也透露最愛的在地美食是蛋餅，簡單卻讓她每次吃都滿足，期待殺青後能踩點美食。
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鳳小岳則從小熱愛《鬼店》、《大法師》等經典驚悚片，這次參與演出及劇本後期創作，特別享受與「隱形人」的對打戲，需要充分發揮想像力，他迫不及待想看成品。鳳小岳稱讚葉芷妤專業且敬業，而葉芷妤也從他身上找到安心感：「他是一位非常專業、也很親切的演員，我們在拍攝前後都會討論劇本與角色想法，他引導對戲很自然，整個表演過程很流暢。」葉芷妤受訪時坦言，她對鬼怪題材非常敏感，拍攝現場雖充滿驚悚氣氛，但她隨身總會攜帶泰國護身符，以求安心與保佑。讓她在面對未知與恐懼時，仍能保持專注與穩定的情緒投入角色。
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《無形》由發起日影視股份有限公司製作，MOKSTER FILMS、台灣大哥大股份有限公司、影一製作所股份有限公司、聚星文創娛樂事業股份有限公司、盧米埃國際股份有限公司、夢想創造股份有限公司、相聚國際股份有限公司、華映國際文創股份有限公司、秀泰影城及八大電視股份有限公司共同出品，主要演員包括葉芷妤、鳳小岳、呂雪鳳、金雲、Darren邱凱偉、蔣偉文、黃信赫等，全新隱形人恐怖驚悚電影備受期待。從台灣文化深度出發，《無形》不只是一次電影拍攝，更是對本土故事的國際表達。奚岳隆用在地觀察結合跨國創意，賦予電影文化內涵與全球視角；主演葉芷妤與鳳小岳以真實情感面對恐懼，帶來新鮮表現與角色魅力。這部電影展示了台灣影視在驚悚類型的潛力與影響力，也為本土故事走向世界提供範本。
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最後，《無形》提醒觀眾：恐懼可以是看不見的力量，但每一次面對，都能照亮故事與人心最深的地方。
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EDN 迪士尼主題空間進駐中華電信門市 陳永樂 : 「藉由這次與中華電信的合作，台灣的粉絲們可以用更輕鬆的方式暢享迪士尼世界級的故事與優質的亞太內容，盡在Disney+。」


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】即日起，北高兩地的中華電信門市化身為迪士尼主題空間，邀請粉絲走進沉浸式拍照區，感受米奇、艾莎、安娜與布魯托等經典角色的歡樂氛圍。活動同時推出Disney+指定方案，訂閱用戶即可參與抽獎，包括飛往美國洛杉磯的迪士尼專屬行程及多項周邊好禮。Disney+作為華特迪士尼旗下旗艦串流服務，涵蓋迪士尼、皮克斯、漫威、星際大戰、國家地理與Hulu等六大品牌，提供經典故事與原創作品，並持續在亞太地區製作日劇、韓劇及日本動漫等原創內容，迄今已上線超過155部作品。

迪士尼IP的光環不是單純的娛樂話題，它是一種跨世代、跨媒介的文化符號。對中華電信而言，這不只是串流影片的內容供給，而是一場完整的行銷整合秀：線上OTT平台、5G高速網路、家庭寬頻，和線下的主題門市、拍照體驗與抽獎活動，形成一個「多點觸達、多層互動」的消費者生態。這種整合的魔力在於，它讓品牌不只是賣服務，而是在消費者日常中創造情境：孩子在主題門市與米奇合影，父母透過Hami Video享受迪士尼原創內容，家庭共時共享的快樂體驗，直接把品牌黏著度與好感度注入生活場景。再加上迪士尼IP自帶的全球話題性和信任感，原本抽象的「家庭娛樂方案」瞬間有了故事性、情感價值和文化厚度。

從策略高度看，這是典型的「資源聯結型行銷」：中華電信提供技術、網路與通路，迪士尼提供內容與粉絲資本，兩者疊加後產生的效果遠超單純折扣或宣傳能達到的範圍。它同時完成品牌年輕化、家庭市場深化，以及線上線下互動的多重目標。換句話說，這是一種「科技+內容+體驗」的整合行銷公式，每一個接觸點都在加深消費者對品牌的感受，而IP本身的文化價值，使整個行銷策略不只是促銷，而是生活方式的植入。這就是迪士尼與中華電信合作的真正優勢，也是家庭娛樂市場競爭中，難以被簡單模仿的護城河。

華特迪士尼公司台灣及香港副總裁暨董事總經理陳永樂表示：「Disney+ 是精采故事之所在。過去幾年來，我們已在亞太地區建立深厚的粉絲基礎與活躍社群，而台灣是迪士尼的核心市場之一。從迪士尼的經典品牌與角色故事，到獲獎無數的全球娛樂內容與亞太原創作品，我們致力於提供粉絲所喜愛的各式娛樂饗宴。藉由這次與中華電信的合作，台灣的粉絲們可以用更輕鬆的方式暢享迪士尼世界級的故事與優質的亞太內容，盡在Disney+。」北高兩地的主題門市也成為家庭打卡熱點。台北南區服務中心外設置《動物方城市+》大型布景，店內有米奇、艾莎與安娜沉浸式拍照區；高雄服務中心則以米奇與布魯托布景迎接粉絲，店內布置充滿迪士尼元素，打造歡樂氛圍。活動期間申辦指定方案，即可參與抽獎，享受多重迪士尼好禮。

為讓客戶能夠親自體驗迪士尼魅力，即日起於指定實體門市申辦Disney+指定方案可加碼獲得中華電信獨家圖樣的Disney磁吸手機支架，精選 20 款經典 IP 圖樣隨機贈送，帶來驚喜體驗(數量有限，送完為止)；至3/31前於中華電信全通路申辦，皆可參加「中華電信 | Disney+ 豪禮總動員—獨家旅行好禮登錄抽」活動，並於4/22前至活動網頁完成抽獎序號登錄，皆有機會免費飛美國洛杉磯享三天迪士尼專屬寵粉行程、免費飛日本東京暢遊迪士尼樂園，以及獲得迪士尼旅行用品大禮包。(以官網訊息為正)

此次聯手不只是娛樂合作，更象徵家庭市場與影視平台的深度整合。未來，中華電信與迪士尼將持續創新，用科技與內容的力量，為台灣觀眾提供更多元的娛樂體驗，讓每一次觀看都成為家庭共享的美好時光。

#迪士尼 #Disney
 #陳永樂

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EDN 漫畫家賴有賢熱血推薦「ONE PIECE EMOTION 航海王動畫25週年紀念特展」 25年動畫情感在科教館集體甦醒




【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】走進國立臺灣科學教育館，第一時間攫住目光的，並非聲光或音效，而是一股突如其來、直擊記憶深處的情緒重量。大廳上空，高懸的超巨型「五檔魯夫」彷彿將時間整個撐開，讓人瞬間回到那個為友情、為夢想、為一場場熱血對決而心跳加速的年代。「ONE PIECE EMOTION 航海王動畫25週年紀念特展」也在這樣毫不保留的姿態中，正式於臺北揭幕。這場首次移展海外、落腳臺灣的動畫特展，自1月10日至4月6日於國立臺灣科學教育館展出，由時藝多媒體引進，新世博國際與MOMO親子台共同主辦，中國信託商業銀行與JINS擔任共同贊助夥伴。為期三個月的展期，並非單純的回顧展覽，而是一次將跨世代情感、創作技術與文化記憶完整鋪陳的集體經驗。
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自1999年首播以來，「航海王」電視動畫已持續超過25年。這部由日本東映動畫製作、改編自尾田榮一郎同名漫畫的作品，長年以熱血、友情與冒險為核心，陪伴無數觀眾成長。從東方藍啟航，踏入偉大的航道，走向新世界與新四皇的舞台，動畫本身早已超越娛樂作品的範疇，成為全球動畫史上極具代表性的文化座標。本次特展以四大主題區鋪陳敘事結構，包含「航海王電視動畫25週年區」、「和之國篇區」、「蛋頭篇區」及「新四皇區」，並延伸出十一項亮點內容。展場中，觀眾透過經典動畫畫面重返那些關於相遇、別離與戰鬥的關鍵時刻，也能近距離欣賞動畫師留下的大量畫稿、分鏡腳本與上色分色標示稿，感受影像誕生之前的專注與耗時。展覽同時限定播映長達2分30秒的魯夫對決海道最終激戰影片，將情緒推至高點。科技互動同樣成為展覽的一大亮點。新型和平主義者熾天使「S-蛇」於現場現身，結合AR互動實境體驗，讓角色不再只是畫面中的存在，而成為可被靠近、被凝視的動畫象徵。展覽尾聲，新四皇角色紅髮傑克、黑鬍子與巴其接續登場，搭配獨家影片，為25年的動畫情感畫下氣勢磅礡的段落。
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臺灣漫畫家賴有賢亦親臨展場，對此次展覽留下深刻印象。他提到，一踏入士林科教館，目光立刻被大廳上空的超巨型五檔魯夫牢牢吸引，那種尺度與氣勢帶來的視覺衝擊，幾乎無法忽視。進入展場後，熟悉的角色一字排開，彷彿從漫畫中走出，等待觀眾合影留念，那份興奮感，近似於面對偶像時的心情。賴有賢也特別留意到展覽中大量呈現動畫製作過程的細節，包括畫稿、分鏡腳本與分色標示稿，讓他回想起早年在宏廣卡通工作的經驗，產生強烈的即視感。他進一步回顧尾田榮一郎自1997年開始連載「航海王」以來，長期高強度創作的狀態，幾乎以燃燒生命的方式投入漫畫世界，這份專注與堅持，讓身為創作者的他格外感同身受。賴有賢也提及自己於1995年開始連載《小和尚》的時期，正值同樣全力投入創作的年代，對那段熱血歲月有著深刻共鳴。
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在個人記憶層面，他亦回想起1998年於韓國參與漫畫家活動時，與童年偶像、《好小子》作者千葉徹彌初次相見的經歷。多年後再度造訪千葉徹彌位於日本的住家兼工作室，並獲得親筆簽名畫作，這些片段，與航海王25年的創作歷程交織，成為一名漫畫家對創作生命的真誠致敬。談及本次展覽最打動他的篇章，賴有賢直指「和之國篇」，五檔魯夫的形象在其中展現出極高完成度，也再次點燃創作者與觀眾心中的熱血能量。他認為，無論是漫畫迷或動畫迷，都能在展覽中找到屬於自己的情感入口。
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目前職棒紀錄片《冠軍之路》所掀起的，不只是票房與話題，而是一種少見的文化高度 -- 它讓臺灣棒球以極其自信的姿態，被世界看見。當運動被好好說成一個故事，勝負就不再只是比分，而是信念、紀律與集體意志的總和。從行銷與文化傳播的角度來看，運動漫畫或許正是承載這種精神的理想媒介。以《好小子》為例，漫畫家千葉徹彌將日本劍道轉化為節奏明快、情感濃烈的敘事，讀者在不知不覺中理解劍道的精神核心，也對這項運動產生長久而深刻的情感連結。漫畫並未說教，卻完成了最有效的文化教育。賴有賢長期對體育題材與熱血敘事抱持高度興趣，其創作特質兼具現實感與情感密度，若能結合臺灣體育運動的真實故事，轉化為漫畫敘事，將為運動行銷開啟另一條路徑。這不只是宣傳，而是一種將運動精神植入日常閱讀、進入世代記憶的文化工程。當運動不再只存在於賽場，而能走進書頁與想像力之中，臺灣體育的影響力，才真正有機會被延續與放大。
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當動畫走過二十五年，「ONE PIECE EMOTION 航海王動畫25週年紀念特展」所沉澱的，早已超越影像本身與角色魅力，而是一整個世代在成長過程中反覆驗證的價值選擇與勇氣累積。這場特展的意義，不止於回望，更在於確認臺北已站上全球動畫文化版圖中一個清楚、穩定且具辨識度的位置。從文化產業的角度觀察，漫畫文創行銷正是一種耐心而長效的敘事工程，尤其是體育漫畫，往往能跨越數十年，持續為一項運動保溫、擴散，甚至形塑集體想像。它不急於證明什麼，卻在反覆閱讀與代際傳承中，慢慢累積認同感與情感黏著度。日本的經驗早已證明，當運動精神被轉化為角色命運與故事節奏，影響力便不再受限於賽季與成績。
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臺灣並非沒有條件。從棒球、籃球到各項基層運動，現實中早已累積大量值得被書寫的素材。差別只在於，是否願意以長線視角投入創作與培養，讓運動不只存在於新聞版面與比賽結果，而能進入漫畫、影像與文化記憶之中。當動畫與漫畫證明了時間本身可以成為最強的行銷工具，臺灣體育，其實也正站在同樣的起跑線上。這不是遙遠的想像，而是一個值得被期待、也值得被認真對待的文化機會。
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有些漫畫永遠不會老，只是在你對的時間，重新把你的童心喚醒。
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賴有賢，台灣知名的漫畫家，出生於新竹縣竹東鎮，以幽默搞笑且結合中國古典文學背景的創作風格著稱。他是1990年代台灣最暢銷的漫畫家之一，其作品推估累積銷量達數百萬本，並曾獲得金鼎獎、亞洲漫畫高峰會議「最佳進步獎」等多項肯定。 畢業於大華工專電子科，後取得明新科技大學服務管理研究所碩士。退伍後曾於宏廣卡通公司擔任構圖師，奠定繪圖基礎。1992年正式進軍漫畫界，同時在尖端與東立兩大出版社連載作品，創下當時新人罕見的紀錄。並且曾擔任台北市漫畫從業人員職業工會第三屆及第七屆理事長，致力於推動台灣漫畫節及角色IP化。2026年現況： 截至2026年，賴有賢仍活躍於漫畫界，持續關注台灣漫畫IP發展，並在社群平台上分享創作點滴。 他的代表作品，涵蓋長篇冒險與幽默四格漫畫：《真命天子》： 1992年起於《龍少年》連載十年，曾改編為電玩遊戲。《小和尚》： 1995年起同步在亞洲多國連載，單行本授權至法國、荷蘭等歐洲國家，寫下當時台灣週刊連載最長紀錄。
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中國信託商業銀行於成立60週年之際參與本次展覽贊助。中國信託商業銀行表示，藝術與文化是形塑城市樣貌與人文底蘊的重要基礎，也是提升全民生活品質與精神涵養的關鍵力量。秉持We are family的品牌精神，中國信託長期投入藝文推廣，此次支持「航海王動畫25週年紀念特展」，期盼透過跨世代共鳴的文化內容，串聯不同年齡層的共同記憶，讓藝術成為家庭與世代之間的情感橋樑，並持續實踐文化永續發展。同樣參與贊助的JINS，來臺展店已邁入第十年。JINS秉持「Magnify Life 探索未知，看見未來」的品牌理念，選擇支持理念相近的本次展覽，期望在快速變動的時代，為大眾注入冒險與改變的勇氣。JINS亦規劃邀請特殊境遇孩子觀展的公益活動，陪伴孩子尋找內心珍貴的「大秘寶」。配合展覽期間，自1月10日至4月30日止，憑本展電子或紙本票根，至JINS台北、新北地區門市配鏡可現折新臺幣300元。為回饋觀眾，展覽期間凡於出口櫃臺加入「時藝會員」或填寫問卷，即可獲得限量「航海王膠卷透卡」一張，兩款隨機發送，數量有限。
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ONE PIECE EMOTION 航海王動畫25週年紀念特展
展覽地點：國立臺灣科學教育館 7樓南側特展室
展覽日期：2026/1/10（六）-2026/4/6（一）除夕休館、週一不休館
營業時間：10:00-18:00（17:30停止售票及入場）
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#賴有賢
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 #航海王
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EDN《冠軍之路》票房勇破4500萬 前總統蔡英文與立委蘇巧慧見證奇蹟 「我相信，未來的臺灣，會讓世界看到一個更堅定、更傑出、也更被記住的臺灣。」


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】2026年開年最熱血的紀錄片《冠軍之路》（HERO！HITO！）在上映短短兩週內，票房突破4500萬，躍升為臺灣紀錄片影史第三高。由威剛科技與中華職棒共同出品，影片呈現2013年至2024年間中華隊從近乎落敗到奪冠的全過程，展現臺灣棒球的韌性與堅毅，也在世界棒球經典賽即將來臨前，成為全臺凝聚士氣的重要力量。前總統蔡英文透過小英之友會包場觀影，她表示，當年決賽因人在國外，無法即時與全民一同守在電視前或親赴東京現場，這部紀錄片讓她以及當時錯過比賽的人，能再次感受那份屬於臺灣的榮耀。蔡英文提及外國播報員以英文描述比賽的觀察：「這場比賽，讓世界理解什麼是臺灣」，她認為這份奪冠的感動將成為好幾個世代臺灣人的共同記憶。她感性地指出，即便臺灣內部偶有紛擾，也可能遭遇挫折，但透過一關一關的挑戰，我們展現了韌性與不服輸的精神。她同時透過《冠軍之路》對未來寄予期許，「我相信，未來的臺灣，會讓世界看到一個更堅定、更傑出、也更被記住的臺灣。」

運動部部長、同時是奧運羽球金牌得主的李洋，與立法委員蘇巧慧一同出席映後活動，他表示，作為運動員觀影，對選手面對壓力與期待的心理狀態特別感同身受，也對球員在困境中專注比賽的精神深感動容。導演龍男・以撒克・凡亞思說明，《冠軍之路》記錄了臺灣成人棒球的第一個冠軍歷程，也是臺灣棒球最重要的時刻之一。開拍之初，紀錄片並不被看好，這份挑戰讓他感受到肩上責任之重，更想呈現球員在輿論與壓力下，仍專注揮棒投球、最終奪冠的真實歷程。影片完整展現從2013年經典賽的遺憾，到2024年世界棒球12強賽的奪冠翻身，以及球員在海外刻苦練習的日常，展現熱血、堅持與自我超越的意義。中華職棒會長蔡其昌與明星球員黃子鵬現身映後，分享球迷情感與選手心理。蔡其昌指出，球迷對棒球的熱愛深沉，因此在失利時容易感到挫敗，而影片從2013年的緊張對決開始，逐步鋪陳中華隊追求冠軍的歷程，呈現球員從經歷到教練角色的世代傳承。黃子鵬則回憶國際賽經驗，坦言球員在場上並非想像中堅強，會受到輿論與期待影響，而球迷的支持成為穩定心態的力量。他感性表示，「冠軍是一個附加價值，重點是比賽過程中的氛圍會記一輩子」，引起現場觀眾動容。

週末映後活動更添熱血氣氛，中華隊應援團長Travis崔維斯、York及啦啦隊秀秀子現身帶動全場應援，喊出「We are！Team Taiwan！」口號，球迷齊聲高唱「臺灣尚勇」，並以汽笛與喇叭助陣，彷彿置身球場看台，為球員加油打氣。隨著討論度持續升高，全臺各地的包場活動不斷展開。花蓮門諾醫院特別邀請光復鄉棒球隊選手一同觀影，將中華隊「不放棄」的精神傳遞給新一代小球員。導演龍男・以撒克・凡亞思與監製張永昌親自到場，分享創作歷程，鼓勵小球員在重建球場的過程中持續熱愛棒球。《冠軍之路》不只是棒球比賽的紀錄，它將榮耀、努力、團結與逆境中的堅持濃縮成一個世代的共同記憶。透過影片，觀眾不僅重溫歷史時刻，也感受到臺灣精神的力量。從球員個人的心理突破，到球迷集體的熱情互動，每一段影像都成為激勵人心的符號，提醒所有人，在挑戰與不確定中，仍能守住信念，努力跨越每一關。

這部紀錄片的影響不止於票房與口碑，它透過視覺與故事，將臺灣棒球文化、運動精神與團隊價值推向更廣的社會共鳴。未來，《冠軍之路》有望成為教育、體育與文化領域的重要教材，激勵更多年輕世代理解，勝利的意義不只是結果，而是過程中堅持與熱愛的力量。最終，《冠軍之路》讓人明白：冠軍的光芒固然耀眼，但真正能穿透人心的是那份不屈不撓的精神，與一次次在場上與生活中勇敢面對的自己。

#冠軍之路
 #蔡英文 #蘇巧慧

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EDN《愛的戀習生》泰國男團 PROXIE 成員 Gorn、許紫柔、于常祐、ANITA、 (BabyMint 成員) 粼粼、ROBERT 為電影揭開序幕「真正困難的從來不是『愛上誰』，而是『如何在不傷害他人』。」




【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】本片集結來自不同文化背景與世代語彙的演員陣容，形構出一場跨地域、跨身份的情感對話。主演之一為泰國新生代男團 PROXIE 成員 Gorn。作為東南亞偶像文化中迅速崛起的代表人物，他的出現本身即是一種象徵 --影視不再只是本地市場的敘事工具，而是亞洲內部彼此理解與想像的橋梁。《愛的戀習生》標誌著他從舞台走向影像的關鍵一步，也讓偶像的光環首次接受x鏡頭長時間凝視的考驗。
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與 Gorn 對戲的，是一群台灣年輕世代演員。許紫柔以一種近乎素顏的表演方式，讓角色回到生活本身。她所呈現的，不是戲劇化的愛情高潮，而是那些在選擇之前、猶豫之中的情緒空白。于常祐則延續其一貫節制而精準的表演路線，在群像敘事中穩定地撐起情感結構，提醒觀眾：成熟有時並非喧嘩，而是知道何時收聲。
ANITA 為作品注入另一種節奏感。她的存在，讓青春不只是柔軟與不安，也包含衝撞與試探。來自女子團體 BabyMint 的粼粼，則展現偶像跨界演出的另一種可能性--不是刻意擺脫舞台身分，而是將那份與觀眾建立情感連結的能力，轉化為影像中的真誠。她的角色不需要用力證明自己，卻自然地站在故事之中。
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ROBERT 的加入，則為整體敘事拉出更寬的年齡與情感光譜。他所代表的，不只是角色本身，而是一種觀看青春的距離感，使電影在世代之間產生折射，而非對立。
《愛的戀習生》並不急著給答案。它關心的是，在一個情感高度流動、關係不斷被重新定義的時代，人是否還願意為「學會愛」這件事付出時間。這部電影選擇讓角色犯錯、停頓、回頭，因為成長從來不是直線，而愛，更不是。
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《愛的戀習生》故事以多線敘事推進，每一段關係都像一場未完成的實習 -- 沒有標準答案，只有不斷修正的過程。愛情在這裡不是浪漫保證，而是一連串選擇後留下的後果；不是激情瞬間，而是日常中一次次的理解與失誤。當友情與愛情交錯、理想與現實拉扯，角色們逐漸意識到，真正困難的從來不是「愛上誰」，而是「如何在不傷害他人，也不迷失自己的情況下去愛」。
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《愛的戀習生》以青春為表層，談的卻是成長必經的誠實課題 -- 在一個情感快速流動的年代，學會愛，或許才是最艱難的成人儀式。
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EDN《百萬人推理》即將上線 鄭伊健、婁峻碩、李霈瑜、王柏傑、李李仁、曾文翰（阿翰）揭開網紅世代的真相試煉


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當犯罪不再只發生在街角，而是先於網路被預言、被圍觀、被推播，真相便成了一場全民參與的測試。Netflix 跨世代推理偵查影集《百萬人推理》正式定檔 2026年2月12日全球獨家上線，以網紅生態、匿名預言與連環命案為引信，開啟年初最具話題性的懸疑敘事。《百萬人推理》由蘇文聖（蘇三毛）身兼編劇與導演打造，集結監製陳志炫、吳孟謙與製作人張雅婷，並邀來鄭伊健、婁峻碩、李霈瑜、王柏傑、李李仁、陳姸霏、項婕如、蔡凡熙、詹懷雲、楊懿軒、曾文翰（阿翰）、洪千淑（千千）等跨世代卡司。作品以推理為骨，網路為血，描寫當聲量成為權力，預言成為流量時，正義該如何被辨認。

前導海報中，飾演獨行破案警探陳家任的鄭伊健，站在直播畫面之中，身旁環繞著戴著詭異面具的預言者「巴巴女巫」。留言區的風向如暗潮湧動，象徵著輿論已成為案件的一部分。前導預告則以一場在警局門口的槍擊示威揭開序幕，百萬網紅魏炎（蔡凡熙 飾）舉槍對峙，最終遭陳家任反制。事件被剪輯、轉發、解讀，迅速引爆網路公審，也將這位資深刑警推向輿論風暴中心。

科技犯罪偵查隊女警李欣屏（李霈瑜 飾）從數據與直覺中察覺異樣，發現這不是單一事件，而是一連串針對網紅的死亡預告。所有線索都指向一位匿名預言家「巴巴女巫」，她從未露臉，卻對天災人禍的預測屢屢命中。隨著第四起命案被預言，網路聲量迅速破百萬，推理不再專屬警方，而是被全民接手。在這樣的時代氛圍中，陳家任選擇與百萬流量網紅林廷佑「柚子」（婁峻碩 飾）合作，借助網路號召力追查真相。經驗與流量、直覺與演算法，在辦案過程中不斷磨合，也逐步揭開柚子不為人知的過去。推理的核心，開始從「誰是兇手」轉向「誰在定義真相」。

久違回歸台劇的鄭伊健，在劇中展現沉穩而銳利的警探形象，結合精準槍法與高難度動作場面，讓角色保有經典硬派氣質。他表示，自己早在接觸劇本時便注意到作品曾入選金馬創投，對於懸疑推理結合當代網路生態的設定產生高度興趣，也期待觀眾以不同視角觀看，體會層次各異的觀感。飾演網紅柚子的婁峻碩，則將創作者的自我投射推至極限，放大角色中最鋒利、最惹人注目的面向。他坦言，若沒有成為歌手或演員，自己也可能站在鏡頭另一端成為影音創作者。首次與鄭伊健合作，讓他在表演之外，也看見兩個世代在創作熱情上的共通點。李霈瑜詮釋的李欣屏，則在菜鳥警察的熱血與資深刑警的直覺之間，形成推理節奏的重要支點。

《百萬人推理》不只描寫犯罪，更描寫被觀看的壓力。短影音、直播、公審、肉搜，構成案件推進的另一條暗線。製作團隊將網路創作者的焦慮與掙扎寫入情節，使每一集不只是追兇，也是一場對當代社會的側寫。當百萬人同時參與推理，真相是否會更接近事實，或只是更靠近聲量？《百萬人推理》拋出的不是答案，而是一面鏡子。當推理被點擊放大，真相，才真正開始承受考驗。

#百萬人推理 ;
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EDN 威剛科技與中華職棒共同出品的棒球紀錄片《冠軍之路》喚醒青春與熱血 漫畫家賴有賢：「當棒球化為運動漫畫的熱血旋律，只要一顆球，重新召喚一個全民新世代。」




【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】元旦檔期，一部原本被歸類為「紀錄片」的作品，卻以近乎商業大片的姿態，全面改寫市場預期。由威剛科技與中華職棒共同出品的棒球紀錄片《冠軍之路》（HERO！HITO！），上映首週即突破新臺幣2569萬元票房，場場滿座，甚至出現一票難求的盛況，讓全台戲院一度承壓。這不只是數字的勝利，而是一場集體情感的回流。這股熱度，也越過國界。美國大聯盟知名主播 Jon Morosi 主動在個人社群平台分享票房表現，將臺灣棒球的集體記憶，推送進國際視野。週末期間，中華職棒會長蔡其昌，與監製張永昌、黃瓀潢、導演龍男・以撒克・凡亞思，連同多位球員與啦啦隊成員，密集現身戲院，與觀眾近距離互動，讓放映現場成為另一種「主場」。

《冠軍之路》的野心，從製作規模便已寫明。團隊訪談超過七十位關鍵人物，在一個月內完成三十七位選手與教練的深度訪問，拍攝橫跨臺灣、日本與美國。受訪者包含古巴隊、讀賣巨人隊球員馬丁尼茲，日本隊讀賣巨人隊戶鄉翔征、日本樂天金鷲辰己涼介，以及赴美拍攝的美國隊球員萊恩沃德。團隊在亞利桑那州停留九天進行拍攝，隨後轉往仙台、大阪、岡山與東京，累積近三百小時影像素材，只為讓臺灣棒球的拼圖更完整。電影上映後，銀幕內外的故事持續延伸。中華隊球員林家正於三日驚喜現身戲院，與觀眾合影、簽名，引爆社群大量分享。陳冠宇在映後活動中，回顧比賽當下的高度專注狀態，分享自己直到擊掌時，才意識到場上捕手已更換為戴培峰的趣事，讓現場氣氛鬆動，也讓觀眾看見勝負背後的真實溫度。南部放映場次中，蔡其昌與球員潘傑楷、陳柏清分赴戲院亮相。潘傑楷回憶賽事時，提及當時外界的質疑聲浪，以及球場內隊友之間的相互信任，與全臺球迷同步加油的情緒匯流，成為支撐球隊走向佳績的重要力量。啦啦隊成員峮峮也現身影廳，與蔡其昌於入口發放特製衛生紙，細節之中，延續電影的情感設計。

漫畫家賴有賢在觀賞《冠軍之路》後，將視角自然延伸至亞洲運動敘事的長時段脈絡。他指出，日本之所以能夠持續孕育具世代影響力的運動漫畫，並非偶然，而是一條橫跨數十年的文化累積路徑。自六○年代《巨人之星》奠定熱血運動敘事的原型，七○年代《好小子》、《小拳王》深化個人意志與身體極限的想像，八○年代《足球小將翼》將運動推向全球化視野，九○年代《灌籃高手》完成角色魅力與專業技術的高度融合，直至二○一二年起連載八年的《排球少年》，以節奏、群像與青春心理再度刷新類型高度。這些作品長期受到歡迎，關鍵不在題材本身，而在於它們始終理解運動如何成為情感與人格生成的容器。

回看台灣的運動漫畫發展，賴有賢認為雖然作品數量有限，卻並非全然空白。林政德的《Young Gun》至今仍被視為重要記憶，但其敘事重心更接近青春校園的成長軌跡，而非單純的棒球競技書寫；唐靉的《滾球王》則成功捕捉運動本身的節奏與精神，成為少數被普遍認可的運動漫畫代表。這樣的差異，也反映出台灣創作環境長期在運動專業性與敘事市場之間的拉鋸。

談及運動與社會的連結，賴有賢指出，棒球始終是台灣最具集體情感基礎的運動項目，籃球深受年輕世代青睞，而羽毛球、桌球則跨越年齡界線，成為全民日常的一部分。近年來，除了職棒與職籃兩大聯盟，職業排球的成立，也顯示社會對運動的關注正逐步轉化為制度與產業。這樣的土壤，對創作者而言，既是挑戰，也是機會。

賴有賢自身的生命經驗，亦與運動緊密相連。童年時期對棒球的熱愛，成年後在宏廣時期參與漫畫家棒球隊的經歷，直到如今投入羽毛球運動，讓他對棒球、籃球與羽球題材始終保有高度興趣。這種長期身體參與，成為他理解運動敘事的核心資本。在他看來，運動漫畫之所以歷久不衰，正因為其中濃縮了汗水、淚水、友情、努力、勝負與成長，這些元素並非被排列，而是在比賽與訓練的過程中自然生成。他特別推崇井上雄彥的《灌籃高手》，認為其人物性格的立體塑造，以及對籃球規則與動作的高度精準，使作品在情感與專業之間取得罕見平衡。

對於有志投入運動漫畫創作的人，賴有賢的判斷相當直接。創作者必須真正喜愛這項運動，並親身參與其中，才能描繪出細節與心理轉折的真實重量。缺乏上場經驗的創作，終究無法抵達感動人心的深度。也正因如此，他對未來以運動為核心的原創 IP，仍抱持審慎而長遠的期待。當運動被誠實書寫，它就不只是比賽，而是一種可以被世代接力的信念。

這部作品的影響力，並未停留在票房榜。穿著 Team Taiwan 帽Ｔ進戲院的觀眾，從球迷擴散至不同世代與族群。校園端更出現自發性行動，教師包場帶領學生觀影，將影片納入寒假教材。首週末即有近二十場包場，邀請國中小青少棒隊、社區球隊共同觀賞。台南全美戲院更邀請三級棒球校隊進場，並將當日票房全數捐贈給台灣棒球發展基金，讓觀影行為本身，成為支持體系的一環。《冠軍之路》最終留下的，並非單一賽事的回顧，而是一種重新凝聚的觀看位置。當影像替臺灣棒球寫下一封長信，觀眾在黑暗中重溫關鍵瞬間，早已知道結局，情緒仍反覆湧現。這份共感，正是紀錄片能穿透市場分類的原因。
一顆球飛出的弧線，終究會落地；但被喚醒的信念，正在繼續傳遞。

#威剛科技 #中華職棒
 #冠軍之路 #賴有賢
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EDN AI演算法的完美縫線：兩樁世紀懸案「黑色大理花」與「黃道十二宮」被合併整合可能的新敘事 但真相真的因此升級了嗎?


【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當人工智慧被請上歷史舞台，人類對真相的焦慮，也正式外包給運算能力。近日，英國《每日郵報》拋出一枚高爆話題：一名獨立調查顧問宣稱，透過 AI、新解密的人口普查資料與密碼學分析，兩起美國最著名的世紀懸案 --「黑色大理花」與「黃道十二宮」 -- 其實指向同一名兇手。消息一出，美國聯邦調查局與加州多個警政單位隨即表態「關注」，案件再度被推回聚光燈下。這場橫跨半世紀的「重組式破案」，出自「美國懸案顧問公司」共同創辦人亞歷克斯．巴伯之手。多年來，警方、學者與無數業餘偵探在這兩起案件中反覆碰壁，DNA 鑑定止步於技術年代，密碼學專家也未能替黃道十二宮留下的符碼畫下句點。巴伯的判斷很直接：問題不在證據不夠，而在資料從未被放在同一張桌上。
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他的核心論點，落在一九七○年黃道十二宮寄出的「Z13 密碼」。巴伯認為，信件中早已暗示真名，只是人類長期未能解讀。他借助 AI 分析，結合新近釋出的人口普查紀錄與古典密碼學，得到的名字，與黑色大理花案的關鍵嫌疑人完全重疊——馬文．馬戈利斯，後改名馬文．梅里爾。官方檔案顯示，馬戈利斯一九二五年生於芝加哥，一九四三年加入美國海軍，於第一海軍陸戰師擔任醫護兵，接受過外科處置與射擊訓練。二戰期間，他參與沖繩戰役，曾被困洞穴並自行逃生，退伍時以五成精神殘疾評估離開軍中。戰後，他遷居洛杉磯，就讀南加州大學醫學院，並因與伊麗莎白．蕭特的短暫關係，在命案後被警方列為監控對象，一九四九年的洛杉磯大陪審團文件中，他名列二十二名嫌疑人之一。
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巴伯進一步整理多項間接線索，試圖將兩案縫合，包括其醫學背景與肢解手法的高度精準、與軍事密碼破解的接觸經驗，以及一把據稱自二戰帶回的軍用刺刀，與黃道十二宮其中一次攻擊所使用的武器相符。此外，梅里爾晚年留下的一幅素描，畫中標示「Elizabeth」，並疑似藏有「ZoDiac」字樣，被視為一項耐人尋味的個人遺留。這套說法，讓原本分屬不同年代、不同敘事體系的兩樁命案，在資料層面被重新拼接。然而，專家也冷靜提醒，目前仍缺乏可被法庭採信的新 DNA 樣本與鑑識等級物證，整體推論仍停留在模式與機率的計算。執法單位已與巴伯多次會面，後續評估仍在進行。
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黑色大理花自一九四七年以來，早已成為媒體與暴力美學交織的象徵；黃道十二宮則用密碼與書信，示範了恐懼如何在公共語言中自我繁殖。如今，AI 讓兩道陰影在資料庫中重疊，也同時測試社會面對「完整故事」時，是否仍保留對證據的耐性。或許真正的問題不在於兇手是否合而為一，而在於：當答案變得太流暢，我們是否還記得，真相從來不追求好看。演算法能算出故事，人類仍得為判斷負責。
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AI 的出現，確實讓許多塵封案件重新被打開，但被打開的，多半是敘事的門，不是司法的門。資料可以被重組，人生可以被回溯，動機甚至能被寫得滴水不漏，卻仍然無法替消失的證據復活，也不能替法律承擔定罪的重量。接下來的年代，我們會看到更多「幾乎可以確定是誰」、卻永遠停在「無法正式成立」的灰色結論。真相被推近了半步，正義卻沒有同步前行。於是，一個新的不平衡誕生：名譽先行受審，判決卻永遠缺席。
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這不是科技的陰謀，而是人性的捷徑。我們太渴望句點，以至於忘了歷史從來不保證結局。AI 能算出最合理的故事，但它不需要為錯誤付出代價；需要承擔的，始終是相信它的人。
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最後只能提醒自己--
在演算法給出答案的年代，
保持懷疑，
本身就是一種責任。
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(照片: 翻攝網路)
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#黑色大理花 #黃道十二宮

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EDN 李安新書經典再版《十年一覺電影夢：李安傳》：從南台灣小鎮到世界影壇的夢想軌跡「拍電影就是要好玩，不要把它搞得不好玩。」




【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】李安，這位總是帶著靦腆笑容的導演，這次以珍藏版《十年一覺電影夢：李安傳》讓我們得以貼近他的電影世界，也貼近那個他心底最純粹的自己。書名不只是浪漫的文字遊戲，它映照的是李安生命前十年的真實流動：從一個南台灣孩子的電影夢，到《臥虎藏龍》席捲全球影壇的驚豔。

八○年代的台灣新電影，是一段充滿理想與掙扎的歲月。侯孝賢、楊德昌、蔡明亮的電影有如島嶼上的明燈，照亮人心，也照見制度與市場的險阻。國片票房持續下滑，得獎作品上映困難重重，政府補助成了唯一氣息。唯有李安，像一股悄然而至的暖流，穿越了這片狹小的舞台。從《推手》《喜宴》《飲食男女》的初試啼聲，到《理性與感性》《冰風暴》《與魔鬼共騎》的國際市場布局，再到《臥虎藏龍》的全球盛宴，每一步都是他對電影本質的探索與自我挑戰的結果。

書中透露，向來話不多的李安，為這本傳記破天荒地接受了三次長訪談，其中一次甚至三天緊隨作者張靚蓓的日常行程。他談的不只是電影，而是生活、思索、掙扎與心底的幻想：「拍電影是個很真切的體驗，裡面有著我許多的掙扎，而且我是帶著許多人和我一起掙扎的。它是我與幻想扭鬥、企圖將它顯像過程中的一抹留痕。」

這本書不只是電影史的回顧，它更是一種文化自覺的呈現：李安如何在全球影壇尋找自身位置，又如何讓台灣的故事被世界看見。他的電影像是青冥劍劃破長空，也像玉嬌龍在心底起舞，是對藝術與生命的雙重探索。

李安所說的「掙扎」與「與幻想扭鬥」的體驗，往往體現在他電影中對人性複雜面的細膩描寫：角色的內心衝突、文化身份的撕扯、情感倫理的矛盾，這些都是他電影的核心張力。以下舉幾個經典例子：

1. 《推手》（1991）——傳統與現代的價值掙扎：影片描寫一位退休中國太極師傅在台灣現代家庭生活中感到格格不入。父子觀念差異、文化衝突，以及老人想要保持尊嚴但又被現實牽制的心理，都是「人性掙扎」的呈現。李安透過細膩的家庭情境，把文化、代際與自我價值的拉扯拍得真切自然。
2. 《喜宴》（1993）——身份認同與社會期望：男主角為了隱瞞同性戀身份，與父母安排一場假婚禮。這種「內心真實與外在期待的掙扎」貫穿整部電影。李安把家庭倫理、傳統禮法與個人情感的矛盾，化作幽默又帶著酸楚的戲劇張力，讓人既笑又心疼。
3. 《飲食男女》（1994）——親情、愛情與自我孤獨：影片中的父親與三個女兒，各自面臨愛情、婚姻與生活選擇的困境。家庭成員之間的矛盾、無法言說的渴望、對傳統習俗的束縛，都呈現出人性的掙扎。李安用餐桌作為象徵空間，把家庭情感的壓力與微妙關係拍得清晰可感。
4. 《理性與感性》（1995）——理智與情感的兩難：這部改編自簡·奧斯汀小說的電影，描寫兩姐妹在愛情與社會階級間的掙扎。理性與感性的抉擇、個人欲望與社會期待之間的拉扯，都是李安善於捕捉的人性矛盾。
5. 《臥虎藏龍》（2000）——自由、情感與道德的衝突：影片中的俠女俞秀蓮和羅小虎，各自背負情感壓抑與武林規矩的束縛。愛與責任、自由與義務的衝突，是李安對人性掙扎最具象徵性的呈現。他讓武俠動作不只是打鬥，而是心靈掙扎的延伸。
6.《色，戒》（2007）是李安電影中對「人性掙扎」描寫最直接、最極致的例子之一，其核心掙扎集中在情感、身份與道德的三重矛盾：1. 愛與任務的掙扎（情感 vs 職責）女主角王佳芝原本是抗日地下組織的一員，她被安排接近並刺殺敵方高官易先生。她的任務要求她壓抑個人情感，以理智完成政治使命。然而，王佳芝與易先生之間逐漸產生真實的情感，讓她在忠誠與愛慾間陷入撕裂。這種掙扎展示了李安電影中典型的內心矛盾：理智與情感的拉扯，任務與愛慾的衝突。2. 欲望與倫理的掙扎（肉體 vs 道德）王佳芝在與易先生的親密關係中，不只是情感波動，更涉及肉體欲望的表達。李安以細膩鏡頭呈現這種道德與欲望的對抗——每一次接觸都是心理與生理的掙扎，角色在權力、誘惑與良知之間拉扯。這也是李安所說「與幻想扭鬥、企圖將它顯像」的真實體現。3. 自我認同與生存策略的掙扎（自我 vs 外在）王佳芝在政治任務、愛情情感與自我認知之間，始終無法完全找到平衡。她的行動不僅影響自己，也影響周遭人命運。李安用鏡頭捕捉她微妙表情、沉默的矛盾和心理細節，凸顯人在極端情境下的掙扎與無奈。《色，戒》可以說是李安「人性掙扎」的巔峰呈現：愛、慾、忠、恨、恐懼、道德、使命在角色身上同時碰撞，每個選擇都帶來心理撕裂。李安不只是拍性愛或歷史，他是在透過影像，記錄人性最難以言喻、最微妙的掙扎——正是他所說的「帶著許多人和我一起掙扎的真切體驗」。

李安電影中的「人性掙扎」，多半源自三種核心張力：1. 自我 vs 社會：個人欲望、情感或理想與家庭、文化、制度間的拉扯。2. 理智 vs 情感：角色在愛、義務、責任之間的抉擇。3. 傳統 vs 現代 / 自由 vs 規範：文化、世代或社會規範對個人的束縛。這些掙扎讓李安的電影不只是故事，而是「心理與倫理的微型戰場」，也是他「與幻想扭鬥、顯像留痕」的真切寫照。

李安在2025年獲頒美國導演工會（DGA）終身成就獎，成為該獎88年來第37位得主，也是他繼2021年英國電影學院終身成就獎後的第二座終身成就獎。這份榮譽，是對他跨越文化、語言、制度，讓電影成為普世語言的肯定。李安導演現場表示，你們老是講「試這個、試那個」，又說我「出去遊玩為什麼每次都要去同一個地方」。我當然要去不同的地方玩嘛。拍電影也是一樣，要忠實，但也要敢玩。其實，你上一部電影賣座，那你就一定要去做一些更有標識、更出格的東西。權勢不能不用，當然要揮霍一下；真的闖了禍，就回來乖一點，價錢乖一點、題材乖一點。有賣座，就要去試 -- 不是應該這樣嗎？呵呵。拍電影真的是很好玩。只是現在有時候我覺得，他們把電影拍得不太好玩了。重複來公司教人、叫觀眾填那些表，讓你怎麼樣、怎麼樣，真的不好玩，很煩。拍電影就是要好玩，不要把它搞得不好玩。

《十年一覺電影夢》讓我們看到，真正的電影家，不只是拍電影的人，而是生活與夢想的觀察者、反思者、以及對人性保有極致敏感的人。李安以最單純的心、最真摯的方式，將十年的追夢歲月化為永恆，也提醒我們：純真年代並非消逝，而是生命無窮動力的源頭。

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