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SWTA 王偉忠《一村喜事》辦桌七十場、兩千桌！羅美玲〈愛一直閃亮〉竟成婚禮指定曲 盧學叡、周定緯發新曲被虧「同志CP」那祈笑喊結婚變獨角戲.
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】
婚禮可以重來，但幸福永遠不嫌多。
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由王偉忠監製的沉浸式辦桌舞台劇《一村喜事：光陰的故事》，
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連續四年演出、已經嫁女兒近七十次的岑永康，堪稱演藝圈最資深「
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飾演村長夫人的羅美玲，每年最期待的就是劇中的歌曲安排。
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盧學叡第一次娶老婆就冒出「情敵」？
盧學叡、周定緯組團發片 那祈笑喊：我變獨角戲！
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今年首次加入《一村喜事》的盧學叡，去年還只是觀眾，
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除了劇情更新，今年《一村喜事》最大的亮點，
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《一村喜事》賣的不只是辦桌，而是一代人的青春。從眷村、
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售票請洽
時藝官網：https://www.mediasphere.
udn售票網：https://gsbravo.com/
演出地點：空軍三重一村
演出時間：2026年11月27日至12月20日，每週五、六、
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#王偉忠 #一村喜事
#羅美玲 #愛一直閃亮
#盧學叡 #周定緯
#那祈
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戲曲音樂,
SWTA 2026 親愛的月光國際聾人藝術節 臺日丹越四國頂尖團隊齊聚 「RGB－定義你的原色」跨國劇場與視覺敘
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當表演不再依賴聲音，該如何讀懂故事？獲選文化部推動國際節慶項目的「2026 親愛的月光國際聾人藝術節（Just Sense It Inclusive Deaf Arts Festival）」，將於 9 月 12 日至 20 日在臺北萬座曉劇場隆重登場。今年重磅邀請臺灣、日本、丹麥及越南四國頂尖藝術團隊，揉合戲劇、手語、肢體、擬真視覺敘事（Visual Vernacular, VV）、工作坊與國際論壇，打破語言與感官邊界。全系列節目及早鳥 PASS 現正開賣，優惠限時延長至 9 月 16 日。
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策展人潘思廷以「RGB－定義你的原色」為題，象徵聾聽社群與不同語言文化如光的三原色，交織出絢麗光譜。本屆藝術節擺脫傳統「無障礙服務」的單向定位，直接將聾人文化融入創作核心，探索手語肢體與視覺敘事的藝術潛力，引導觀眾重新定義「觀看」與「理解」。
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Gala A（日本 × 臺灣）：日本巡演逾 50 場的經典《終點站的軌跡》，回望世代記憶；臺灣林靖嵐作品《沈默的世界：渡口》，探討語言與權力邊界。Gala B（丹麥 × 臺灣）：丹麥 Teater5005《On the Edge》回應聾人邊緣化現象；臺灣潘思廷作品《Now Stop!》透過「大風吹」遊戲剖析家庭照護心理。「英特盛(GIS)新月獎」Showcase：呈現 3 部優選新銳作品，跨足科技藝術、越南聾人文化集體創作及 LGBTQ 變裝議題。
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日本 VV 大師那須映里首度親自來台主持大師班，示範無台詞、具電影鏡頭感的擬真視覺敘事。另有越南共融舞蹈、日本手語文本及臺灣動見体藝術總監符宏征的覺察表演等多元工作坊，無經驗者皆可參與。
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涵蓋國際串連、手語詩學與 DEAF GAIN 等議題；「月光圓桌公眾論壇」則以「看得見的母語」為題，聚焦臺灣手語（TSL）法制定位與教育保存。
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#親愛的月光 #國際聾人藝術節
#RGB
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SWTA 臺北市中山堂90周年紀念舞台劇全民大劇團《當時光起舞》曾之喬等了3年終於點頭 ！劇情竟與新書神巧合 聽聞方志友離婚「我就是祝福他們，既然做了新的決定，希望他們都可以很好。」
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今年11月，她將推出新書，寫下自己走過人生低潮、
「我第一次看完劇本，真的起雞皮疙瘩。」曾之喬說。她坦言，
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「他們一直邀、一直邀，我一直拒絕，不是沒有興趣，
直到今年，她終於答應。
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真正讓她心動的，不只是中山堂90周年的歷史意義，
她笑說，自己屬於高敏感人格，只要睡夢中突然出現巨大聲響，
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蔡燦得先答應再說 翻開劇本當場傻眼
如果曾之喬是感動接戲，那蔡燦得就是「衝動接戲」。她笑說，
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涂善存最怕跳舞 導演一句話還是逃不掉
年紀最輕的涂善存，最擔心的卻是舞蹈。
上一齣作品，他短短十幾秒舞蹈就練到快虛脫，
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湯志偉：「全民大劇團最會逼出演員另一個自己。」
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飾演父親的湯志偉反倒一派輕鬆。他笑說，自己其實有舞蹈底子，
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《當時光起舞》最大的主角，其實不是曾之喬，也不是湯志偉，
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臺北市文化局局長蔡詩萍表示，
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「戲裡最重要的，不是時空，而是親情。」也許，每個人心裡，
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曾之喬回應方志友離婚：「支持、尊重、祝福，
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曾之喬出席《當時光起舞》記者會時，被問及曾一起合作《四千金》
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#中山堂90周年 #全民大劇團
#當時光起舞
#曾之喬 #方志友
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SWTA 果陀音樂劇《Crash, Boom Boom Love!》楊奇煜重披偶像戰袍、賴雅妍挑戰女團唱跳 小樂吳思賢、周定緯與高胥崴跨世代同台飆戲
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】
本劇由梁志民執導、許弘蔚編劇暨作詞，
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曾以「Lollipop棒棒堂」
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演員賴雅妍此次在《Crash, Boom Boom Love!》中首度挑戰娛樂公司王牌經紀人「瑪淇（
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賴雅妍也分享，希望觀眾除了看見舞台上耀眼的明星，
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從唱跳歌手到站上音樂劇舞台，小樂吳思賢這次飾演 FUNKY NOiSY 的主唱「湯米」，詮釋一位從小接受偶像養成訓練、
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除了楊奇煜與小樂外，
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安勍從 16 歲起便在舞台上成長的她，
張宇勝詮釋充滿神祕感的音樂人，
黃盛煜深入探討團體互動，
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#果陀 #CrashBoomBoomLove
#楊奇煜 #賴雅妍 #小樂 #吳思賢
#周定緯 #高胥崴
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EDN 力晶藝文饗宴《蕭邦計畫》登場 日劇《101次求婚》主題曲再現《離別曲》與您重逢 由46位鋼琴家以琴聲勾勒浪漫主義巨匠生命長卷
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在古典音樂史上，若要找出一位將鋼琴化為詩歌的人，答案幾乎都會指向波蘭作曲家──弗雷德里克．蕭邦（Frédéric Chopin）。1810年出生於波蘭華沙近郊的蕭邦，自幼展現驚人的音樂天賦。少年時期便被譽為「華沙神童」，他的創作深受波蘭民族文化影響，同時兼具法國浪漫主義的優雅氣質。短短39年的生命，幾乎全部奉獻給鋼琴藝術，留下兩百餘首作品，至今仍是全球鋼琴家最重要的演奏曲目之一。1830年，20歲的蕭邦離開祖國波蘭，原本只是一次短期旅行。然而，波蘭爆發反抗俄羅斯統治的「十一月起義」，局勢劇變，使他再也無法返回故鄉。
.從此，華沙成為記憶中的名字。
流亡，成為蕭邦後半生的命運。
對許多台灣聽眾而言，這份流離與思念，或許並不陌生。
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1831年抵達巴黎後，他逐漸進入歐洲藝術圈核心，與作家、畫家、音樂家往來密切。巴黎帶給他名聲與舞台，卻無法填補對故土的思念。那種身處繁華之中卻始終懷抱鄉愁的情感，深深滲入他的創作之中。作於1832至1833年間的《E大調練習曲，作品10第3號》，正誕生於這段時期。
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後世更熟悉它的另一個名字──《離別曲》。
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作品開頭的旋律溫柔而深情，如同遠望故鄉的目光。蕭邦曾形容其中主題是自己最喜愛的旋律之一。表面上這是一首練習曲，但音樂早已超越技巧訓練的範疇，成為一封寫給故鄉的情書，一段寫給青春歲月的回憶。許多人第一次認識這首作品，來自1991年的日本經典電視劇《101次求婚》。劇中多次引用《離別曲》作為重要配樂，讓這首原本屬於十九世紀的鋼琴作品，穿越時空進入亞洲觀眾的集體記憶。當武田鐵矢飾演的達郎，在愛情與人生挫折中不斷堅持時，《離別曲》總在關鍵時刻響起。音符中的思念、遺憾、等待與希望，與劇情形成深刻共鳴，也讓無數觀眾透過日劇重新認識蕭邦。
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《離別曲》之所以動人，並非因為描述告別。
真正觸動人心的，是它描寫了離別之後依然無法割捨的情感。
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2026年8月13日晚間，《力晶2026藝文饗宴－蕭邦計畫：從華沙到巴黎（1831－1837）》將帶領觀眾走進蕭邦生命最重要的轉折年代。這段歲月裡，他離開故鄉、定居巴黎、建立聲譽，也將最深沉的思念化為音樂。當《離別曲》的旋律再次響起，我們聽見的或許不只是蕭邦。
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而是每個人生命中，那些回不去卻始終珍藏於心的地方。
1831年抵達巴黎後，他逐漸進入歐洲藝術圈核心，與作家、畫家、音樂家往來密切。巴黎帶給他名聲與舞台，卻無法填補對故土的思念。那種身處繁華之中卻始終懷抱鄉愁的情感，深深滲入他的創作之中。作於1832至1833年間的《E大調練習曲，作品10第3號》，正誕生於這段時期。
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後世更熟悉它的另一個名字──《離別曲》。
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作品開頭的旋律溫柔而深情，如同遠望故鄉的目光。蕭邦曾形容其中主題是自己最喜愛的旋律之一。表面上這是一首練習曲，但音樂早已超越技巧訓練的範疇，成為一封寫給故鄉的情書，一段寫給青春歲月的回憶。許多人第一次認識這首作品，來自1991年的日本經典電視劇《101次求婚》。劇中多次引用《離別曲》作為重要配樂，讓這首原本屬於十九世紀的鋼琴作品，穿越時空進入亞洲觀眾的集體記憶。當武田鐵矢飾演的達郎，在愛情與人生挫折中不斷堅持時，《離別曲》總在關鍵時刻響起。音符中的思念、遺憾、等待與希望，與劇情形成深刻共鳴，也讓無數觀眾透過日劇重新認識蕭邦。
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《離別曲》之所以動人，並非因為描述告別。
真正觸動人心的，是它描寫了離別之後依然無法割捨的情感。
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2026年8月13日晚間，《力晶2026藝文饗宴－蕭邦計畫：從華沙到巴黎（1831－1837）》將帶領觀眾走進蕭邦生命最重要的轉折年代。這段歲月裡，他離開故鄉、定居巴黎、建立聲譽，也將最深沉的思念化為音樂。當《離別曲》的旋律再次響起，我們聽見的或許不只是蕭邦。
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而是每個人生命中，那些回不去卻始終珍藏於心的地方。
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這首《離別曲》放在「從華沙到巴黎（1831–1837）」場次中特別具有象徵意義，因為它正誕生於蕭邦初抵巴黎後的流亡歲月。從歷史脈絡來看，它幾乎可視為蕭邦「離開波蘭、走向世界」的人生縮影，也是理解其浪漫主義精神最具代表性的作品之一。
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這次由新象藝術策劃、力晶文化基金會支持的「鋼琴大師巡禮系列」，歷經十二年耕耘，已成為台灣古典音樂教育的重要平台。今年邁入第九屆，以《蕭邦計畫──跟著音符走過蕭邦的一生》為主題，透過一系列音樂會，引領觀眾循著作品軌跡，走進這位浪漫派鋼琴詩人的生命世界。本屆系列音樂會將於8月12日起展開，連續四天於國家兩廳院演奏廳舉行四場鋼琴獨奏會，並於8月24日及25日在國家音樂廳推出兩場鋼琴協奏曲音樂會。參與演出的鋼琴家橫跨台灣各地，年紀最小僅11歲，共計46位音樂家投入演出，創下歷屆「鋼琴計畫」參演人數新高。
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這項計畫源自2014年。新象藝術總監樊曼儂，以及鋼琴家伉儷魏樂富、葉綠娜，以音樂教育為核心理念，共同創立「鋼琴計畫」。三位音樂教育工作者秉持「十年樹木，百年樹人」的精神，希望透過系統化策展與演出機會，為台灣培育更多優秀鋼琴人才。過去十二年間，「鋼琴計畫」持續聚焦於古典音樂史上的重要作曲家。從2014年「貝多芬35首鋼琴奏鳴曲全集──絕對青春．痴狂貝多芬」，到2017年「布拉姆斯逝世120週年紀念」，2019年「向巴赫致敬」，2020年「向巴赫致敬鋼琴協奏曲之夜」，完成對經典作曲家的深度梳理。
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之後陸續推出2021年貝多芬與孟德爾頌協奏曲系列、2022年「李斯特鋼琴藝節」，以及2024年「舒曼視界浪漫饗宴」，逐步建構出台灣少見的大型鋼琴教育與演出體系。多年累積下來，參與演出的鋼琴家年齡從10歲到72歲，皆來自國內外頂尖音樂學府。許多年輕演奏者藉由這個舞台累積實戰經驗，之後赴海外深造，成長為活躍於國際樂壇與教育領域的重要人才。今年的蕭邦計畫，除了呈現蕭邦作品全貌，也擴大青年音樂家的參與機會。主辦單位於年初在王道銀行音樂廳舉行公開甄選，向具備成熟演奏能力與舞台經驗的鋼琴家公開徵選，希望讓更多優秀人才被看見。為了讓音樂走出音樂廳，系列活動同步規劃「力晶美學藝堂」。其中包含七場演前導聆，由音樂學博士、樂評人焦元溥主講，帶領大眾理解蕭邦的人生歷程與創作背景。另將於7月10日在臺大醫院舉辦公益音樂會，讓藝術與社會關懷產生更多連結。
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本次獨奏系列以時間為經、作品為緯，循序描繪蕭邦生命不同階段。8月12日的《童年．少年》聚焦1817年至1831年間的創作；8月13日《從華沙到巴黎》回望1831年至1837年的轉折歲月；8月14日《巴黎．馬約卡．諾漢》呈現1837年至1839年的創作高峰；8月15日《巴黎到諾漢》則帶領觀眾走進1840年至1849年的生命晚期。這樣的安排，使音樂會不只是曲目的演出，更像是一部以琴鍵書寫的傳記。觀眾聆聽的不只是旋律，還包括蕭邦的青春、流亡、愛情、病痛與創作意志。
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從教育扎根到人才培育，從藝術策展到文化推廣，力晶藝文饗宴《蕭邦計畫》所呈現的價值，正在累積成一項具有長期影響力的文化品牌。當台灣持續尋找自身文化定位，這類深耕多年的藝術計畫，也逐漸展現出獨特優勢。它培養的不只是演奏人才，更是理解經典、傳承美學與建立文化自信的新世代力量。音樂無法改變世界的速度，卻能改變人們看待世界的深度。而真正能穿越時間的，從來不是掌聲，而是願意持續播種的人。
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回顧歷史，有時會開一個殘酷的玩笑。它奪走一個人的故鄉，卻讓他成為一個民族永恆的象徵。當台灣聽眾聆聽蕭邦時，站在大國交會的十字路口，思考文化如何延續，也曾面對身份與記憶的追問。
.
波蘭人透過蕭邦記住自己。
台灣也正在尋找屬於自己的文化語言。
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回頭看歐洲歷史，曾經統治波蘭的帝國多已成為歷史名詞；然而兩百年後，蕭邦的音樂仍在世界各地演奏。這是一件耐人尋味的事。政治影響一個世代。經濟改變數十年。文化卻可能穿越數個世紀。2026年8月13日，《力晶藝文饗宴－蕭邦計畫：從華沙到巴黎（1831－1837）》選擇聚焦這段歲月，某種程度上，也是在重新閱讀一位藝術家如何把流亡化為創作，把思念化為永恆。
波蘭人透過蕭邦記住自己。
台灣也正在尋找屬於自己的文化語言。
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回頭看歐洲歷史，曾經統治波蘭的帝國多已成為歷史名詞；然而兩百年後，蕭邦的音樂仍在世界各地演奏。這是一件耐人尋味的事。政治影響一個世代。經濟改變數十年。文化卻可能穿越數個世紀。2026年8月13日，《力晶藝文饗宴－蕭邦計畫：從華沙到巴黎（1831－1837）》選擇聚焦這段歲月，某種程度上，也是在重新閱讀一位藝術家如何把流亡化為創作，把思念化為永恆。
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.力晶藝文饗宴《蕭邦計畫》演出的不只是蕭邦的人生。也是每個時代都必須回答的問題：
當故鄉離我們越來越遠，
我們該用什麼方式記住自己。.
我們該用什麼方式記住自己。.
蕭邦的一生提醒世人：
真正偉大的文明，
真正偉大的文明，
從來不是因為征服了多少土地。
而是在失去一切之後，
而是在失去一切之後，
依然能讓自己的聲音被世界聽見。
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當《離別曲》最後一個音符落下，人們懷念的從來不只是華沙。
而是每個人心中，那個始終想守護的故鄉。
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當《離別曲》最後一個音符落下，人們懷念的從來不只是華沙。
而是每個人心中，那個始終想守護的故鄉。
(照片: 部分照片翻攝網路).
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#蕭邦計畫 #101次求婚
#蕭邦 #離別曲
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EDN 首爾《TOUCH FIVE》重新定義感官主權享受 沉浸式人體藝術的慾望與藝術交錯 互動熱血汗琉
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在那座被現代焦慮與鋼鐵森林包圍的城市裡，我們總在尋找一種宣洩，一種能直抵心靈深處、與原始律動共振的契機。來自首爾弘大、專為女性視角凝鍊而成的沉浸式人體藝術巨作《TOUCH FIVE》，已悄然跨越海峽，選定台北 Legacy Max 作為其展演靈魂的道場。這不單是一場視覺的盛宴，更是一次打破視網膜邊界的感官革命。當傳統劇場的第四面牆被徹底粉碎，觀眾席不再是靜止的孤島，而是一片充滿張力的海洋。演員穿梭於人群的每一次呼吸、每一吋肌肉的震顫，都近在咫尺。在 Legacy Max 寬闊的空間內，視覺延伸的維度被發揮到極限，巨大的 LED 螢幕如同一面精密的顯微鏡，捕捉著表演者身上每一條細緻的肌理與表情的微小起伏。
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透過空間立體化的巧妙配置，場內的每一個角落都幻化為情感的發源地。現場的節奏不再只是聽覺的震盪，而是轉化為一種能夠被觸摸到的存在。為了迎接台灣的觀眾，製作團隊特別針對台北場場景進行了深度優化，設計了專屬的互動環節，將現場的灼熱感拉升至前所未有的高度。這不僅是韓國駐演文化的精華輸出，更是一場關於身體美學與情感共鳴的跨國交流，在細膩與力道的碰撞中，帶領台北走進韓式表演藝術的進化版境域。對於這場跨越國境的文化獻禮，《TOUCH FIVE》製作團隊透露：「為了回饋台灣觀眾，特別追加了全新設計的橋段與場景，並大幅強化了互動元素。」這番承諾無疑為這場演出注入了更深層的藝術靈魂。主辦單位則強調，這是一場藝術與感官交流的深度對談，期待讓台灣觀眾在 Legacy Max 體悟到最極致的韓式演出能量。這種對美的極致追求，正是當代都會文化中最稀缺的生命力。
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展望未來，這種將人體藝術與數位科技高度縫合的表演形式，將成為文創產業的新標竿。這類品牌不僅擁有強大的吸粉能力，更精準地切中了現代人對「真實體感」的渴望，展現出不可估量的跨界溢價空間。在科技冷漠的時代，這種充滿溫度的感官衝擊，正是品牌長青的優勢。
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當身體成為敘事的載體，每一次指尖的舞動，都在乾涸的城市靈魂中點燃一團不滅的星火。
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#TOUCH_FIVE
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EDN 莫札特270週年 指揮蓋瑞·葛雷登領軍台北愛樂《莫札特的結婚禮物-C小調彌撒》賴珏妤、鄭海芸、宮天平與李增銘聲樂家 以愛與信仰化聲音為力量
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在音樂史的長河中，有些作品誕生於私人情感，卻最終成為人類共同的精神遺產。為紀念沃爾夫岡·阿馬德烏斯·莫札特誕生270週年，台北愛樂室內合唱團策劃《莫札特的結婚禮物-C小調彌撒》音樂會，將於4月27日晚間在台北國家音樂廳登場。這場演出不只是一次經典再現，更像一封跨越兩個多世紀的情書，重新被打開、被傾聽。此次演出由瑞典指揮蓋瑞·葛雷登客席領軍。他現任斯德哥爾摩大教堂與聖雅各教堂音樂總監，在北歐合唱界地位舉足輕重，亦為斯德哥爾摩音樂高中室內合唱團創辦人。長年活躍於國際舞台，他帶領聖雅各室內合唱團屢獲歐洲重要合唱賽事首獎與大獎，其中包括象徵合唱最高榮譽的歐洲合唱大獎賽總冠軍。其藝術成就與國際聲望，為本場音樂會奠定高度。舞台上，聲音的重量來自集體，也來自個體。女高音賴珏妤、次女高音鄭海芸、男高音宮天平與男低音李增銘共同擔任獨唱，與台北愛樂青年管弦樂團攜手演出。四位聲樂家長期活躍於歌劇與神劇舞台，將在細膩與宏闊之間鋪陳層次，使作品的情感輪廓更加立體。
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關於《C小調彌撒》，蓋瑞·葛雷登曾說明：「這首彌撒中,合唱的樂章是回顧巴洛克,如巴赫與韓德爾的賦格;獨唱的樂章則展現了華麗的歌劇風格。我們就像走進一座大教堂,在一個拱門下的小禮拜堂待了一會兒,然後走到下一個房間,每個空間都有不同的特色。」這段描述，讓音樂不再只是聲響，而是一種可被行走、被感知的空間結構。他同時提到另一個細節：「她必定是位偉大的歌手。」這句話指向莫札特的未婚妻康絲坦茲。那些為她量身書寫的詠嘆調，既是愛的證明，也是對聲音極限的探索。於是，作品本身成為情感與技藝交織的結晶，在歷史中留下溫度。
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指揮葛雷登受訪表示，關於這場音樂會，我們將其命名為《莫札特的結婚禮物》，因為這與莫札特的婚姻有某種關聯。至於這部作品與婚姻之間的連結，我不確定這是否只是我個人的感受，但這部音樂中充滿了愛與熱情，特別是在他為妻子所寫的詠嘆調裡更是如此。談到這裡，我會有些感動。因為這些樂章不只是作曲家在精進技藝的過程，它更像是上帝的聲音。我深信，這是一種透過這些樂章轉化而成的愛，特別是在獨唱段落之中。
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尤其是女高音的部分，
時間彷彿靜止。
對我而言，
那是一種呼吸，
是一種上帝的臨在，
那就是愛，
那就是婚姻。
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你確實可以辨識出哪些段落是他寫給妻子的禮物，是的，確實如此。同時，他也懷抱著雄心。特別是在獨唱樂章中，呈現出與合唱樂章不同的面貌。合唱部分帶有研究性質，也回望了巴赫與韓德爾等偉大作品，例如《b小調彌撒》或受難曲。他將這些元素融會其中，而且不只是模仿，而是以極高的完成度呈現。然而在詠嘆調裡，則展現出一種新的天才特質，一種嶄新的表達方式。整體而言，這部作品具有雙重面向，兩種截然不同的表達形式同時存在於其中。
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從制度與文化的角度來看，這場音樂會也映照出台灣合唱能量的長期累積。台北愛樂室內合唱團自1993年由藝術總監杜黑教授自百餘人中選出三十餘位團員成立，逐步走向國際舞台。足跡遍及歐洲、亞洲、美洲與澳洲，並多次受邀於重要音樂節演出。這不只是藝術表現的擴張，更是一種文化語言的輸出。時間軸延伸至今年5月，該團將受邀參與韓國慶南國際合唱音樂節，與來自美國、日本、印尼、菲律賓及韓國的頂尖團隊同台。演出之外，還包含講座、大師班與論壇。這種跨國交流，逐步建立台灣在精緻合唱領域的辨識度，也讓文化影響力以更柔性的方式擴散。
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回到4月27日的舞台，本場音樂會同時安排余濟倫老師導聆講座，持票觀眾可免費參與。這樣的設計，使聆聽不再停留於感受，也延伸至理解，讓作品的歷史脈絡與音樂語言被重新解碼。當世界級指揮、成熟的聲樂家與青年樂團的能量在同一場域交會，這場演出已超越單一節目本身。它指向一種可能：台灣可以成為文化詮釋與再生的節點，讓經典不只是被保存，而是持續被轉譯、被更新。
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未來的文化競爭，不再只是資源與規模，而在於誰能重新定義「價值」。當音樂成為跨越語言與國界的媒介，這類高品質製作將逐步累積品牌信任，轉化為長期的文化資本。台北愛樂所展現的，正是一種穩定而持續的輸出能力，讓藝術不只是表演，更是策略。
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真正動人的聲音，從來不屬於時代，而是讓時代願意停下來傾聽。
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台北愛樂《莫札特的結婚禮物-C小調彌撒》
4月27日(四)晚間7點45分
台北國家音樂廳
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#莫札特270週年
#蓋瑞葛雷
#莫札特的結婚禮物 #C小調彌撒
#賴珏妤 #鄭海芸 #宮天平 #李增銘
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EDN 潘帕斯草原的狂響：「Malevo 魔力瘋」用腳步震碎平庸的當代美學
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當多數表演藝術逐漸走向精緻化與數位影像的虛擬包裝，有一群男人選擇回歸最原始的身軀，用肌肉的顫動、呼吸的急促以及皮靴踏擊土地的聲浪，向世界宣告一種近乎野性的生命主權。這便是「魔力瘋 Malevo」，一支將阿根廷草原的靈魂揉進當代打擊樂舞的男神團隊。他們即將在2026年6月跨海而來，於臺北表演藝術中心的大劇院，掀起一場關於速度、力量與節奏的紅色旋風。魔力瘋 Malevo 的發跡史，本身就是一段關於節奏如何征服文明世界的傳奇。2016年，他們在「達人秀America’s Got Talent」的舞台上，將肉身轉化為最精密的節奏樂器。那種從最原始的掌聲與踏步開始，逐層堆疊至感官極限的爆發力，瞬間點燃了全球觀眾的血液。在舞台上，這群「用腳震動全場的男人們」不僅是在跳舞，他們更是在模擬一場暴雨、一陣馬蹄。整齊劃一的踩地聲與擊鼓聲交織，加上小提琴與手風琴的現場拉奏，構築出一種具有強大侵略性的聲場。當年的演現場，觀眾與評審的情緒隨之高漲、沸騰，尤其是女性觀眾，在那種純粹的陽剛動能面前，無不感到感官的全面臣服。
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Malevo 的核心魅力，源自於對阿根廷傳統的高超轉譯。舞者們腳踩特製馬靴，以極高頻率且精準的舞步，重現潘帕斯草原上馬蹄奔馳的剛勁有力。最令觀眾屏息的，莫過於他們將牛仔放牧時所使用的套索（boleadoras）融入編舞。那甩動之間劃出的力量軌跡，配合澎湃激昂的鼓聲與精心設計的燈光，讓整場演出在原始野性與現代劇場張力之間，達到了一種近乎完美的平衡。近年來，這股魔力已席捲全球。從日本環球影城長達一年的駐演，到成為2025香港藝術節的重頭戲，Malevo 證明了節奏是不需要翻譯的共通語。當十餘名舞者在舞台上同時發力，低頻震動會沿著建築結構傳遞，這種「被節奏擊中」的生理反應，是任何數位串流或高畫質影片都無法模擬的現場震撼。
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台北六月的感官盛宴：節奏沸騰的力量
此次由新象．環境文創主辦的來台演出，將完整呈現全球巡演精華，讓台灣觀眾親身體驗那種「身體被節奏包圍」的極致經驗。主辦單位表示：影片可以看到動作，但只有在現場，你才會理解什麼叫做節奏沸騰的力量。這不僅是一次藝術的輸出，更是一次文化的對撞。在臺北表演藝術中心的現代空間裡，這群男神將用最古老的套索與最現代的編排，重新定義什麼叫做「現場感」。
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Malevo 展現了一種極具穿透力的「男性品牌美學」。在當前文化市場普遍追求中性、纖細或去性別化的趨勢下，Malevo 反其道而行，將「強烈肢體動能」與「傳統民俗符號」結合，建立了一個極具辨識度的文化IP。這種品牌的優勢在於它的不可替代性——你無法透過虛擬科技來複製那種皮靴踏在木質地板上帶來的靈魂震顫。從未來性來看，Malevo 的潛力在於它成功跨越了「傳統藝術」與「大眾娛樂」的邊界。它既擁有能登上藝術節的技術深度，也具備了像搖滾樂團般收割大眾流量的感官刺激。這種「高級感的感官娛樂」，將使他們在未來的全球巡演市場中，持續保有如阿根廷太陽般的炙熱地位。
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當靴尖落下的那一刻，我們聽見的不是鼓點，而是人類心跳在鋼鐵都市中不甘平庸的最後吶喊。
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魔力瘋 Malevo －阿根廷男神擊樂舞團
演出時間： * 2026年6月5日（五）19:30
2026年6月6日（六）14:30
2026年6月7日（日）14:30
演出地點： 臺北表演藝術中心 大劇院
主辦單位： 新象．環境 文創
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#Malevo #魔力瘋
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EDN 2026 「寶藏巖光節」微光之城活動 台北市副市長林奕華宣告啟幕 隱於山城的時光裂縫 在廢墟與科技間找尋心靈出口「光不只是為了照明，而是為了讓台北市文化的影子顯得更有深度。」
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】今晚這處曾被遺忘在公館一角的違章聚落，再次以藝術之名活了過來。本屆「寶藏巖光節」以「微光之城（Colors of a Hidden Mountain）」為引路標誌，將整座山城化作實驗室。策展核心環繞著「門」這個既封閉又開放的概念，十四組藝術團隊在此埋下光影與聲響的伏筆，讓觀者在每一次轉身與推門之間，與這片土地的歷史痕跡撞個滿懷。展期從 3 月 21 日橫跨至 5 月 3 日，光節將「門」隱喻為一種維度的跨越。藝術家們並未試圖抹除寶藏巖原有的斑駁，反而順著磚牆的裂隙，讓光線如水流般滲透。當夜幕垂降，灰白水泥與青苔綠影在燈光揉合下，交織出流動的視覺層次。今晚貴賓雲集台北市副市長林奕華、文化局長蔡詩萍、故宮博物院院長蕭宗煌、國立台北科技大學、互動設計系曹筱玥及數位跨界藝術家黃心健等等長官貴賓，現場還有當地水源里長林全義號召里民一起共同歡慶。
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「黑川互動媒體藝術」創辦人胡縉祥，憑藉其在科技藝術領域的多年淬鍊，此次將目光鎖定在人與科技、網絡空間的幽微連結。胡縉祥認為，新媒體不應只是冰冷的技術堆疊，而應是回應場域歷史的感官載體。他在山城中所形塑的沉浸式體驗，讓科技感知與老建築的紋理產生了極具張力的對話。另一位藝術家周柏慶，則選擇在「綠野地」構築一處感知場域。周柏慶主張聲音不只是旋律，而是一種物理現象與時間殘留的痕跡。他透過動力裝置，將震動與光影轉化為近乎有機體的生命感，試圖引發觀者內心的集體情緒。
光節的觸角並未止步於此。美國藝術家派崔克．D．威爾森（Patrick D. Wilson）結合 3D 建模與攝影田野調查，在邊境小屋與蓄水池等特殊空間，對都市擴張的力量提出批判性的未來主義觀察。此外，邱俊維、郭展良、陳昱榮等藝術家，亦分別在山城平台與防空洞廣場，利用細微聲響與雕塑質地，重新定義日常中被忽視的空間碎片。值得關注的是，本屆光節更延伸至衛星展區「蟾蜍山煥民新村」。藝術家藍郁棠以行動為媒介，關注社會脈絡中的意義賦予；賴科維則透過大量身體勞動與翻模材質，討論體制與價值的邊界；謝其軒則發揮建築邏輯，在暗影之中建構出讓人身歷其境的感知黑洞。
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為了深化藝術與大眾的關聯，藝術村教育推廣組特別攜手臺北市中正區公所，推出「情境式導覽」與多場實作工作坊。透過夜間行走，讓歷史不再是冰冷的教科書，而是觸手可及的生活溫潤。開幕儀式的重頭戲，落在晚間 19:00 的「綠野地」。跨域音樂團體「PARTS LAB」以爵士即興揉合電子節拍，樂音順著巷弄曲折攀升，引導觀眾自入口處逐步深入山城心臟。這場被稱為「人流上山」的動態節奏，象徵著聚落的集體覺醒，為 2026 年的春季注入一股前衛且優雅的生命力。
「黑川互動媒體藝術」創辦人胡縉祥，憑藉其在科技藝術領域的多年淬鍊，此次將目光鎖定在人與科技、網絡空間的幽微連結。胡縉祥認為，新媒體不應只是冰冷的技術堆疊，而應是回應場域歷史的感官載體。他在山城中所形塑的沉浸式體驗，讓科技感知與老建築的紋理產生了極具張力的對話。另一位藝術家周柏慶，則選擇在「綠野地」構築一處感知場域。周柏慶主張聲音不只是旋律，而是一種物理現象與時間殘留的痕跡。他透過動力裝置，將震動與光影轉化為近乎有機體的生命感，試圖引發觀者內心的集體情緒。
光節的觸角並未止步於此。美國藝術家派崔克．D．威爾森（Patrick D. Wilson）結合 3D 建模與攝影田野調查，在邊境小屋與蓄水池等特殊空間，對都市擴張的力量提出批判性的未來主義觀察。此外，邱俊維、郭展良、陳昱榮等藝術家，亦分別在山城平台與防空洞廣場，利用細微聲響與雕塑質地，重新定義日常中被忽視的空間碎片。值得關注的是，本屆光節更延伸至衛星展區「蟾蜍山煥民新村」。藝術家藍郁棠以行動為媒介，關注社會脈絡中的意義賦予；賴科維則透過大量身體勞動與翻模材質，討論體制與價值的邊界；謝其軒則發揮建築邏輯，在暗影之中建構出讓人身歷其境的感知黑洞。
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為了深化藝術與大眾的關聯，藝術村教育推廣組特別攜手臺北市中正區公所，推出「情境式導覽」與多場實作工作坊。透過夜間行走，讓歷史不再是冰冷的教科書，而是觸手可及的生活溫潤。開幕儀式的重頭戲，落在晚間 19:00 的「綠野地」。跨域音樂團體「PARTS LAB」以爵士即興揉合電子節拍，樂音順著巷弄曲折攀升，引導觀眾自入口處逐步深入山城心臟。這場被稱為「人流上山」的動態節奏，象徵著聚落的集體覺醒，為 2026 年的春季注入一股前衛且優雅的生命力。
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地方創生不應只是冷冰冰的數據產值，而是一場關於「歸屬感」的文藝復興。真正的創生，是從土地的褶皺裡翻找被遺忘的 DNA，將老舊的建築、消逝的手藝與在地的情感，重新熬製成具備現代語彙的感性品牌。文化是地方最深厚的護城河。當我們不再追求複製城市的繁華，轉而挖掘山城聚落或沒落小鎮的獨特性時，那種「不可替代性」便產生了。透過藝術家的介入與跨界協作，原本凋零的廢墟能化作實驗室，讓科技與傳統在光影間對話，引導離鄉的青年看見故鄉另一種優雅的生存姿態。這是一場溫柔的革命，目標是讓地方長出自己的骨幹與血肉。
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在台北市公館這座山城裡，當一盞燈在老巷弄點亮，不只是照路，更是點燃了集體的記憶與未來的想望，還有讓文化的影子顯得更有深度。。
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寶藏巖「微光之城」展現了極其強大的品牌潛能。它成功將「廢墟美學」轉化為「高階感官消費」，讓原本邊緣化的歷史空間，躍升為具備國際競爭力的藝文IP。未來，這種結合科技敘事與在地勞動的模式，將成為城市行銷中不可替代的優勢。這裡不提供速食般的娛樂，它提供的是一種「思考的奢侈」。在快速迭代的AI時代，人們愈發渴望真實的觸感與帶有瑕疵的溫度。寶藏巖透過藝術家的手，將這份殘缺轉化為一種典雅且深邃的品牌魅力，讓每一位上山的過客，都能在光影裂縫中找回與土地的連結。
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寶藏巖「微光之城」展現了極其強大的品牌潛能。它成功將「廢墟美學」轉化為「高階感官消費」，讓原本邊緣化的歷史空間，躍升為具備國際競爭力的藝文IP。未來，這種結合科技敘事與在地勞動的模式，將成為城市行銷中不可替代的優勢。這裡不提供速食般的娛樂，它提供的是一種「思考的奢侈」。在快速迭代的AI時代，人們愈發渴望真實的觸感與帶有瑕疵的溫度。寶藏巖透過藝術家的手，將這份殘缺轉化為一種典雅且深邃的品牌魅力，讓每一位上山的過客，都能在光影裂縫中找回與土地的連結。
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戲曲音樂,
EDN 「Tonight the Winner is 娜汀 席雅拉（Nadine Sierra）」她的親切高貴已獲得我們心中的第一名 Welcome to Taiwan 新象藝術圓山大飯店歡迎晚宴側記
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】有些畫面，本身就帶著一種戲劇感。圓山大飯店鮮紅的階梯，像歌劇院裡尚未拉開的帷幕。階梯向上延展，光線柔軟而溫暖，彷彿在等待某個聲音——那種能讓整個空間忽然安靜下來的聲音。於是，她站在階梯中央。
她穿著一襲米色長裙。那種顏色，不張揚，不喧嘩，卻恰好讓人把目光停在身形與氣質上。歌劇世界常常充滿誇張——巨大的舞台、宏偉的樂團、動輒震動天花板的高音。但她在這張照片裡，卻像把歌劇縮小成一個優雅的瞬間。不是端莊地站，而是帶著一點俏皮的平衡感：單腳微抬，像舞者，也像剛剛結束一段高音的歌者。兩隻手輕輕比出小小的手勢，既不是勝利，也不是炫耀，更像是一句輕聲說出的：「音樂，其實可以很可愛。」
圓山大飯店背景是一面雕刻精細的浮雕牆。歷史人物、宴席、器物、層層堆疊的文化符號，看起來像一整段文明的敘事。而她站在前面，忽然讓人有種奇妙的錯覺——彷彿幾百年的歷史，正安靜地聽一位現代女高音準備開口。
這其實很有意思。
歌劇，原本是歐洲宮廷的藝術；而這面浮雕，顯然帶著東方文化的敘事感。兩種文明在這張照片裡沒有衝突，反而像是彼此禮貌地點了點頭：「你好，我是歷史。」「你好，我是聲音。」
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最迷人的，其實是她臉上的笑。
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不是舞台上那種帶著戲劇張力的笑，而是一種非常自然、甚至有點像旅人心情的笑。好像在說：世界很大，歌劇院很多，但每一個城市都有自己的節奏。
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如果說高音是一種力量，那這張照片呈現的，反而是一種輕盈。
圓山大飯店背景是一面雕刻精細的浮雕牆。歷史人物、宴席、器物、層層堆疊的文化符號，看起來像一整段文明的敘事。而她站在前面，忽然讓人有種奇妙的錯覺——彷彿幾百年的歷史，正安靜地聽一位現代女高音準備開口。
這其實很有意思。
歌劇，原本是歐洲宮廷的藝術；而這面浮雕，顯然帶著東方文化的敘事感。兩種文明在這張照片裡沒有衝突，反而像是彼此禮貌地點了點頭：「你好，我是歷史。」「你好，我是聲音。」
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最迷人的，其實是她臉上的笑。
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不是舞台上那種帶著戲劇張力的笑，而是一種非常自然、甚至有點像旅人心情的笑。好像在說：世界很大，歌劇院很多，但每一個城市都有自己的節奏。
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如果說高音是一種力量，那這張照片呈現的，反而是一種輕盈。
但她還沒開唱。
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她沒有站在聚光燈下唱《茶花女》的死亡咏嘆調，也沒有站在歌劇院中央挑戰那個令人屏息的高音C。她只是站在階梯上，單腳微抬，像一個剛剛發現世界很好玩的女孩。而這也許正是歌劇最動人的地方。
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真正偉大的聲音，往往不需要證明自己。它可以在舞台上震撼千人，也可以在一張照片裡，只留下輕輕的一個姿勢。
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紅色階梯、米色長裙、歷史浮雕、還有一個帶著笑的女高音。整個畫面像一句很短的樂句。
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但你知道，
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她沒有站在聚光燈下唱《茶花女》的死亡咏嘆調，也沒有站在歌劇院中央挑戰那個令人屏息的高音C。她只是站在階梯上，單腳微抬，像一個剛剛發現世界很好玩的女孩。而這也許正是歌劇最動人的地方。
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真正偉大的聲音，往往不需要證明自己。它可以在舞台上震撼千人，也可以在一張照片裡，只留下輕輕的一個姿勢。
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紅色階梯、米色長裙、歷史浮雕、還有一個帶著笑的女高音。整個畫面像一句很短的樂句。
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但你知道，
那個真正漂亮的高音——
就是今晚，
就是今晚，
03/09，
在國家音樂廳，
即將開始。
PS:
感謝中崙市場旺旺滷味黃小姐提供台灣傳統美食點心，讓娜汀 席雅拉（Nadine Sierra）喜好美食的她，有機會好好地品嘗。
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影片:
Nadine Sierra Puccini.O mio babbino caro
普契尼《親愛的爸爸》1918年歌劇《賈尼·斯基基》詠嘆調
優美的曲調，常被誤認為是嚴肅悲劇或抒情聖歌，並廣泛出現於電影、廣告及各種音樂會中。
Le concert de Paris 14 Juillet 2017
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Nadine Sierra Gounod's "Amour, ranime mon courage" + Roméo et Juliette
古諾：《羅密歐與茱麗葉》詠嘆調 "愛情，請重燃我的勇氣"
這段詠嘆調常被稱為「毒藥詠嘆調」（Poison Aria），描繪了茱麗葉在決定喝下假死藥之前的恐懼、堅定與對羅密歐的愛。
Oct 27, 2023 in Bilbao, Spain with the ABAO Bilbao Opera
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力晶世紀美聲系列-首席女高音娜汀．席雅拉與NSO
Powerchip Bel Canto Series- Nadine Sierra & NSO
時間：2026/3/9 (一) 19:30
主辦：環境有限公司 (02) 2577-2568
https://www.opentix.life/event/1995802766933159937?srsltid=AfmBOopME9RA6iNAi3IKA7EyxKBdduurY5sIgrdS2DDWKpsPua19Po3O
Powerchip Bel Canto Series- Nadine Sierra & NSO
時間：2026/3/9 (一) 19:30
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女高音｜ 娜汀・席雅拉 Nadine Sierra, soprano
演出曲目 Programme
普契尼：《瑪儂．雷斯考》間奏曲
Giacomo Puccini：Intermezzo from Manon Lescaut
古諾：《羅密歐與茱麗葉》〈我願活在夢中〉
Gounod: Je veux vivre from Romeo et Juliette
浦契尼：《燕子》〈多蕾塔之夢〉
Giacomo Puccini: Chi il bel sogno from Rondine
夏畢耶｜《路易絲》〈自那一日以來〉
Gustave Charpentier: "Depuis le jour" from Louise
威爾第：《茶花女》序曲
Giuseppe Verdi: La Traviata – Prelude
威爾第：《茶花女》詠嘆調組曲
Verdi: La Traviata
– 〈多奇異啊〉E strano
– 〈啊，也許是他〉 Ah, forse e lui
– 〈永遠自由 〉Sempre libera degg'io folleggiare
---- 中場休息 ----
羅西尼：《威廉．泰爾》序曲
Rossini: William Tell Overture
董尼才第：《唐・帕斯夸萊》〈那眼神、那微笑〉
Donizetti: Don Pasquale – Quel guardo il cavliere...Son achi'o
貝里尼：《夢遊女》〈親愛的夥伴們〉
Bellini: La Sonnambula - Care compagne
馬斯康尼：《鄉村騎士》間奏曲
Pietro Mascagni: Intermezzo from Cavalleria Rusticana
董尼才第：《拉美莫爾的露琪亞》〈寂靜中曾經統治一切〉
Donizetti: Lucia di Lamermoor – Regnava nel silenzio
貝里尼：《諾瑪》〈聖潔的女神〉
Bellini: Norma – Casta Diva
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力晶美學藝堂
演前導聆
講題 ｜《從美聲到戲劇：談21世紀浪漫歌劇女主角的誕生》
主講 ｜林仁斌 (台灣蹦藝術協會理事長)
時間 ｜ 2026年3月9日(一) 18:30-19:15
地點 ｜ 國家音樂廳一樓大廳
(演出日18:20 信義路側地面層售票口側一號門與信義路側坡道入口四號門開放入場)
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#娜汀席雅拉 #NadineSierra
#中崙市場 #旺旺滷味
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EDN 力晶世紀美聲系列－首席女高音娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）靠聆聽 Whitney Houston〈I Wanna Dance with Somebody〉讓自己放鬆演出
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在一個聲音被演算法切割、流量壓縮的時代，真正純粹的聲音愈顯稀有。2026年，當代歌劇界最耀眼的女高音之一——娜汀．席雅拉（Nadine Sierra），將首度踏上臺灣舞臺。這不只是一場演出，更是一場關於「美聲文明仍然存在」的宣告。她將與國家交響樂團攜手，在力晶文化基金會的支持下，呈現屬於Bel Canto精神的盛宴。27歲登上Metropolitan Opera舞臺，隨後橫跨巴黎歌劇院、斯卡拉歌劇院、皇家歌劇院與維也納國家歌劇院完成首演，這不只是成功，而是一種現象——「Sierra現象」。她的Bel Canto詮釋，從羅西尼、貝里尼到威爾第、浦契尼，每一次角色轉換都在提醒世界：真正的美聲，不是炫技，而是技術與靈魂的合一。在臺灣，這場演出尤為重要。長期被國際巡演邊緣化的市場，首次成為世界頂級歌劇女高音的舞臺。企業文化資本與藝術文明在此交匯：半導體支撐經濟，而藝術支撐文明的高度。Bel Canto不只是唱法，它是一種呼吸、情緒與結構的文明訓練。在AI可模擬聲音的時代，人聲的脆弱、風險與即興，使其仍不可替代。當第一個音符在臺灣空間中展開，不只是音樂會開始，更是文明仍在呼吸的證明。
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如果你問一位站在世界五大歌劇殿堂舞臺中央的女高音，當代最困難的是什麼？她沒有說高音。沒有說技巧。也沒有說競爭。娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）談的是速度。娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）坦率回憶，在過去的音樂產業中，性別意識極為強烈。女性若想生存，就必須比男性更堅強。那不只是專業能力的問題，而是一種結構性的自我保護。在一個高度權威、階層分明、男性主導的藝術場域裡，女性歌手往往必須展現超乎尋常的自律與韌性，才能站穩腳步。
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尤其是「懷孕」這件事。過去，女歌手一旦懷孕，往往被質疑專業度與投入程度。生小孩幾乎意味著職涯風險。身體成為被審視的對象，母職與藝術被迫對立。但她說，現在不同了。當代環境更開放，取得資源更容易，交通更便捷，資訊流動更快速。懷孕期間繼續演出的女性歌手不再是新聞焦點，也較少受到批判。她甚至形容——現在的生活，其實「比較容易」。因為在許多人抱怨世代艱難的同時，她指出一個事實：某些結構性的壓迫，確實正在鬆動。但她沒有因此浪漫化這個時代。
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當被問及「現在有什麼困難」時，娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）的回答更值得深思。現在一切都變得更容易接觸，也因此變得更快。今天晚上的演出，當晚影片可能就被上傳至 YouTube。隔天早晨，評論已經滿天飛。曝光增加，壓力也同步擴張。這是一個「即時評價」的時代。在過去，一場演出或許透過專業樂評、報章評論，幾天後才見報。現在，社群媒體使所有人都成為評論者。而且不只是舞臺上的表現。每位藝術家都必須經營社群媒體。
發什麼？說什麼？上傳什麼？每一句話、每一張照片，都可能被過度解讀。公眾的敏感度前所未有地提高。只要不夠完美，就可能被放大檢視。這不是敵意，而是數位結構本身的特性。觀眾不是敵人，他們只是人。但當技術讓評價速度遠快於理解速度時，藝術家所承受的，是長時間的高張力曝光。
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現代航空縮短了距離。今天在紐約唱，幾天後可能已在維也納。Wiener Staatsoper的舞臺與Metropolitan Opera之間，只剩航班時間。但觀眾的期待，卻未曾下降。
他們希望歌手永遠保持巔峰狀態。永遠新鮮。永遠準確。永遠完美。然而，歌手終究是人。聲帶會疲勞，情緒會波動，身體會有時差。只要稍有失誤，就可能面對批評。這種「永恆完美」的期待，本身就是當代文化的一種幻覺。
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娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）她如何平衡？她的答案極其簡單，卻非常智慧。當頻繁旅行、城市間奔波時，她會給自己整整24小時的完全安靜。不唱歌。不說話。
聽起來近乎極端，但那是一種刻意的抽離。從A地到B地，只專注於抵達。進入飯店或 Airbnb，休息、睡覺，讓心智降速。
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那一天，是她的「休止符」。
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這與她對「正常生活」的理解呼應——
正常生活，就像音樂裡的休止符。不是空白，而是必要的呼吸。
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她說，自己盡量過「正常生活」。健身、散步、喝咖啡、吃早午餐。例如某次在維也納演出前一天，陽光明媚，她與男友去健行、看風景、喝咖啡、吃蛋糕。傍晚再去劇院準備。那是一個再平常不過的日子。這句話看似輕描淡寫，卻蘊含著對藝術家身份的重新定義——她不只是歌手，她也是人。在一個高度市場化、即時化的文化環境裡，藝術家最容易被塑造成「永遠在線」的專業角色。但她刻意維持生活的厚度。因為一旦生活只剩舞臺，舞臺反而會失去生命力。
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娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）另一個很特別放鬆的方法是，聽Whitney Houston的歌曲。Bel Canto象徵控制與線條；Whitney象徵情緒與流行的自由。特別是Whitney Houston的〈I Will Always Love You〉與〈I Wanna Dance with Somebody (Who Loves Me)〉，甚至跳舞。這不是跨界，而是一種心理調節。當唱法完全相反時，聲音反而更自由。當人不再把自己視為「必須完美的專業象徵」，反而更接近藝術的本質。
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娜汀．席雅拉（Nadine Sierra）知道這個時代比過去友善，她也知道這個時代比過去更快，她沒有抱怨，也沒有神話。她只是為自己設計了節奏，在高度曝光與無止境期待之中，為自己保留休止符；在巔峰舞臺與全球飛行之間，為自己保留普通的一天；在Bel Canto的精準工藝裡，為自己保留流行音樂的童年記憶。
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最高等級的藝術家，不是因為永遠完美而偉大。而是因為在完美壓力之中，仍然記得——自己首先是一個人。
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力晶世紀美聲系列－首席女高音席雅拉與NSO
𝑃𝑜𝑤𝑒𝑟𝑐ℎ𝑖𝑝 𝐵𝑒𝑙 𝐶𝑎𝑛𝑡𝑜 𝑆𝑒𝑟𝑖𝑒𝑠 - 𝑁𝑎𝑑𝑖𝑛𝑒 𝑆𝑖𝑒𝑟𝑟𝑎 & 𝑁𝑆𝑂
時間｜ 2026年3月9日（週一）19:30
地點｜ 臺北國家音樂廳
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#娜汀席雅拉 #NadineSierra
#WhitneyHouston
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EDN 新象藝術《春嬉 I II III 》三場音樂會 長笛家葛哥里．伊采森（Gergely Ittzés）、洛依克．許奈德（Loïc Schneider )及吹笛人室內樂團 讓聲音重新定義流動與想像 春天在長笛之中醒來
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】春天向來不是靜止的季節。它帶著回溫的空氣、尚未定型的光線，以及萬物甦醒時特有的不安分。世界的節奏也開始鬆動，聲音隨之甦醒。當心中升起一段旋律，長笛以最接近呼吸的方式，成為音樂最自然的同伴。《春嬉 I II III 系列音樂會：BLOOMING SONATA》正是在這樣的時間節點展開，以三場長笛音樂會，鋪陳出一條從個人聲音、雙重對話到集體合奏的清晰軸線，讓聆聽成為一種被重新打開的感官經驗。整個系列以「流動、重啟、轉化」為核心結構。從獨奏者的聲音密度，到雙長笛的思辨張力，再到室內樂團的集體呼吸，三場音樂會彼此呼應，各自成立，也相互推進，構成完整的春季聲音敘事。
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4月6日於國家演奏廳登場的《春嬉 I－伊采森長笛演奏會》，由長笛家葛哥里．伊采森（Gergely Ittzés）與朵拉．薩博（Dóra Szabó）攜手鋼琴家游適伃（Yu Shih-Yu）演出。伊采森身兼演奏者、作曲家與研究者，長年探索長笛聲學邊界，對多音、雙聲部等延伸技巧的研究，已成為當代長笛界的重要參考。音樂會自巴赫《F大調三重奏鳴曲 BWV 1028》（伊采森改編）展開，在清楚的對位結構中建立聆聽座標，隨後銜接杜乃伊《帕薩卡利亞》與萊伊塔《兩首小品》，展現中歐音樂內斂而嚴謹的形式思維。帕格尼尼與多普勒的二重奏作品，則讓舞台染上浪漫時代的技巧光澤與互動張力。下半場回到伊采森的創作核心。《七則公案》以雙長笛構成聲音辯證，《長笛探險》五首小品將延伸技巧轉化為可被直覺感知的音樂語言，《多普勒效應》則讓聲音在空間中產生位移，使距離與方向成為可被聽見的元素。伊采森全程使用 Sankyo 14K 金長笛，音色細節在廳堂中清晰展開。
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4月9日《春嬉 II－許奈德長笛演奏會》同樣於國家演奏廳舉行。睽違七年再度來台的洛依克．許奈德（Loïc Schneider），與長笛家郭于瑄（Yu-Hsuan Kuo）、鋼琴家徐嘉琪（Chia-Chi Hsu）合作，聚焦20世紀初至中葉的法國、比利時與美國作品。許奈德早年就讀史特拉斯堡音樂學院，後進入巴黎國立高等音樂院，師承 Sophie Cherrier。2005年以最高榮譽第一名畢業後，陸續獲得朗帕爾特別獎、北京尼可萊國際長笛大賽首獎、尼斯拉里歐大賽首獎、慕尼黑 ARD 國際音樂大賽首獎與觀眾獎，奠定其國際地位。本場曲目在象徵主義、室內樂結構與獨奏語彙之間游移，三位演奏者於獨奏、二重奏與鋼琴合作中，建立層次分明的聲音對話，讓長笛在不同文化語境下的表情自然浮現。
春嬉 III：合奏成為流動的管弦想像
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4月11日《春嬉 III－許奈德與吹笛人長笛音樂會》，由洛依克．許奈德與吹笛人室內樂團共同演出。長笛在此不再只是旋律角色，而是轉化為可自由變形的聲音群體，分擔色彩、節奏、敘事與戲劇功能。曲目橫跨浪漫派、印象派、20世紀與當代語彙。林姆斯基—高沙可夫、穆索斯基、拉赫曼尼諾夫的作品經過長笛合奏轉寫，保留敘事骨架，同時讓旋律與和聲以更透明的方式被重新照亮。義大利歌劇幻想曲與當代長笛合奏作品，時而歌唱，時而群舞，聲音在秩序與趣味之間取得平衡。吹笛人室內樂團是一支以長笛為核心編制的專業室內樂團，致力於拓展長笛合奏的聲音層次與表現可能。團員來自不同世代與演奏背景，透過長期的合奏訓練與曲目研究，建立高度整合的聲音默契，形塑清晰而富層次的集體音色。樂團演出強調聲音角色的轉換與整體呼吸的協調，各聲部依據作品結構在旋律、節奏與音色之間流動，使長笛合奏呈現近似管弦樂的色彩變化，同時保有室內樂的透明質地與細膩表情。曲目涵蓋古典改編、浪漫派、印象派、20世紀現代作品與當代創作，並持續透過轉寫與合作，累積具辨識度的合奏曲庫。吹笛人室內樂團亦重視國際交流與跨文化合作，透過與不同音樂家的共同演出，拓展演奏語彙與美學視野。樂團相信，長笛合奏是一種建立於集體專注與精密聆聽之上的聲音藝術，讓熟悉的音色在不斷變化中，展現新的音樂想像。
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《春嬉 I II III》不只是三場音樂會的並列，而是一套具備清楚策展思維的聲音設計。它讓長笛從獨奏的精密思考，走向合奏的集體想像，展現當代古典音樂在台灣舞台上的成熟度與企圖心。當藝術能以這樣的結構被理解、被期待，品牌便開始累積信任與辨識度。真正的潛力，往往誕生於這種長期而耐心的聲音經營之中。
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當聲音被允許自由流動，聆聽便成為一種更新世界的方式。
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Sonata · Gergely Ittzés · József GÁBOR · Edison Denisov
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ensemble d-cadences - B. Godard - flûte solo : Loïc Schneider 2018
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Itaru Sakai酒井格：Good Morning for Flute Quartet《早安》給長笛四重奏
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EDN 如果兒童劇團《2026 地球任務》首演啟動 彭啓明化身總司令：「看到孩子們的創意，讓我們對未來更有信心，並且『土方之亂』相關處理設施，將在農曆年前全面到位，請社會大眾放心。」
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】環境教育，長期被誤會成口號、教材，或白皮書裡看似正確卻無人負責的一頁理想。但在《2026 地球任務－我們都是守護地球的超人》首演現場，它被重新放回一個最根本、也最殘酷的位置-- 孩子的眼睛，正直視著大人的責任。今日，環境部年度繪本親子舞臺劇於臺北表演藝術中心藍盒子劇場首演，現場座無虛席。環境部長彭啓明沒有只站在台下致詞，而是走上舞臺，化身劇中「總司令」，向全場孩子發出召集令，徵求「守護地球的超人」。這個畫面，本身就是一種政治宣告。一位環境部長，選擇用舞臺劇，而非簡報、公文與法條，來談氣候、資源與未來。：
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彭啓明表示，本次巡演由如果兒童劇團擔綱演出，規劃 12 場大型巡演、40 場入校演出，讓環境教育不再集中於都會或政策場域，而是真正走進各縣市、走進校園。他也同步向孩子們發布「地球超人任務」，邀請他們透過手繪、照片或文字，分享日常中守護地球的行動-- 隨手關燈、不浪費食物、自備環保杯。這不是競賽，而是一種文明的基礎訓練。首演現場，彭啓明親自選出三位孩子贈送禮物。他說了一句溫柔卻極具重量的話：「守護地球不是少數人的責任。看到孩子們的創意與參與，讓我們對未來更有信心。」
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彭啓明坦言，擔任環境部長後，才真正看清台灣長年被掩蓋的結構性問題：數十年來，公共與私人建設所產生的大量土石，沒有制度性的合法去處，最終演變為非法棄置、國土破碎。近期浮上檯面的「土方之亂」建築剩餘土石亂象，不是突發事故，而是長期選擇視而不見的總帳結算。他直言，現在面對的是一段不可避免的『陣痛期』。環境部選擇把問題攤在陽光下，而不是再留給下一代承擔。彭啓明指出，『民建剩餘土石方與非法棄置』的亂象，屬於過去式。國土永續與環境正義，現在才真正開始。目前已規劃出可徹底解決的完整方案，相關處理設施將在農曆年前全面到位，請社會大眾放心。」相關處理設施與完整方案已規劃完成，將於農曆年前全面到位。國土永續與環境正義，現在才真正開始。然而，制度的代價，從來不只存在於簡報裡。
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當國土署明知新制可能導致公共工程流標、學校操場與醫院道路延宕，卻未設任何補償或過渡機制？流標、延誤、成本暴漲，法律責任多半停留在發包機關與廠商之間；國土署並非契約一方，賠償義務有限。換句話說 --「 一立方土」飛出去，責任先被制度卸載。如果主管機關明知制度會造成學校無法完工、醫院道路遲延，卻未提出任何緩衝方案，雖沒違法，因為「制度性不作為」本身，就是政治責任。於是，土方價格一路從千元漲到一千八、兩千、甚至三千。房價、公共工程、醫療設施與道路完工時間，全數被牽動。這不是某個單位的錯，而是制度漏洞下的全民成本。
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因此「一立方土＝一張選票。」私人建案的土，國土署無感；成本上升，建商自行吸收，民意不沸騰。公共工程則不同 -- 學校、醫院、捷運，一旦延宕，民怨立刻成形，選票即刻反映。同樣是泥土，私案是成本，公案是政治分數。泥土本無罪，但每一立方土背後，承載的是成本、責任，選舉縣市長與議員即將來臨，政治後果即將承擔。
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這次《2026 地球任務》不只是一齣親子舞臺劇，它改編自臺中市、新竹市、新竹縣與南投縣的優良環境教育繪本，將快時尚浪費、氣候暖化、蜜蜂消失等高度複雜的議題，轉化為孩子能理解的冒險故事。彭啓明說得很直接：只要孩子懂環境教育，我們的地球就還有救。這不是樂觀，而是世代正義的最低底線。因為環境教育的本質，從來不是教孩子拯救世界 --而是逼迫大人，終於願意為世界負責。
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劇團將自3月起巡迴全臺11縣市，下一場演出將於3月28日在苗栗縣中正堂登場。各場次將於演出前2週開放網路免費索票（每人限4張），為方便民眾掌握最新場次與索票時機，建議民眾加入環境部官方 LINE＠帳號。加入後除可查詢最新環保政策、活動資訊與客製化推播外，還能享有不定期好康抽獎、累積互動經驗值蒐集「環境小夥伴圖鑑」等多項會員專屬福利，歡迎民眾即刻加入體驗（連結：https://line.me/R/ti/p/@eso0708o）。
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#如果兒童劇團 #地球任務
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EDN 台北市長蔣萬安揭幕《松菸夜光花園》讓光影開始說台北人的故事 與蔡詩萍、翁素蕙、沈方正等眾貴賓分享 台北浪漫夜色新景點
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】「夜色，不只是燈光。 而松菸，即將成為臺北夜間文明的新語法。」城市真正的競爭力，從來不在白天。而在夜裡，才看得出一座城市是否有靈魂。2026年開春，松山文創園區悄悄完成了一次轉身 -- 它不再只是白日的展覽空間，而是被正式推上「臺北夜間文化新地標」的位置。這不是一句口號，而是一個城市治理選擇的結果。臺北市積極推動夜間經濟，卻沒有落入廉價的燈會與消費狂歡，而是選擇讓 文化成為夜晚的主角。松菸，這座有 87 年歷史的工業遺址，被重新賦予一種不喧嘩、卻極具深度的夜間語言。今夜出席貴賓：台北市長蔣萬安、 台北市議員秦慧珠 、台北市文化局長蔡詩萍、台北市文化基金會董事翁素蕙、老爺酒店執行長沈方正 等等。
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台北市長蔣萬安指出，隨著遠東 Garden City 商場、洲際酒店相繼落成，再加上《松菸夜光花園》的光影展演，臺北文化體育園區正被串聯為一個文化、藝術、觀光、餐飲、零售與影視娛樂共構的全天候生活圈。這意味著：臺北的夜，不再只是延長營業時間，而是進入了新的文明階段，松菸將夜晚交給藝術與光影。他致詞表示，「我一直在思考，松山文創園區接下來，還能做出什麼樣的突破與改變。過去三年，松菸已經成為國內外旅客造訪臺北的重要觀光景點，連續三年名列全臺北市前三名；而在去年，更創下歷史新高，突破一千萬人次來到松山文創園區。這是一個非常值得大家給自己掌聲鼓勵的成績。這也證明，松菸確實越來越吸引人。
這裡有非常豐沛的文創能量，也有年輕世代所帶來的活力。同時，我們也搭配周邊重大建設的逐步到位，包括大巨蛋啟用後所帶動的人潮，今年也將迎來洲際酒店、秀泰影城等設施，讓這一帶吸引越來越多充滿活力的年輕朋友前來。因此，今天我們特別打造了「巴洛克夜光花園」。在這裡，不只是看到光影投射在建築結構之上，呈現出截然不同的風情與魅力；我們也與日本策展團隊合作，規劃了沉浸式、互動式的光影展區。我聽說其中有一件作品，是蒲公英的互動裝置，只要輕輕吹一口氣，蒲公英的絨毛就會飄向日本落地、開花。光是想像，就覺得非常浪漫。我自己都已經迫不及待，想帶我家的「老闆」-- 也就是我太太，一起來體驗。今天的天氣非常好，夜間光影投射特別迷人，真的很適合情侶一同前來，也非常適合全家大小、攜家帶眷，一起走進巴洛克夜光花園。另一方面，搭配周邊的大巨蛋，以及今天現場也有許多女性創業者代表的參與，我們希望不只是讓臺北市民能夠欣賞這麼美麗的夜間空間，也希望吸引更多國際觀光客指名造訪臺北，親身感受這裡獨有的魅力，以及夜間光影展演所營造出的精彩氛圍。所以，從今天開始，一直到接下來的五個月，我們誠摯邀請所有好朋友，呼朋引伴，一起來到松山文創園區，體驗這座城市最動人的夜色。」
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《松菸夜光花園》 The LUMINOUS GARDEN藝術展，不是單一展覽，而是一場城市夜間敘事的實驗。由松山文創園區主辦、FREES 策展執行，攜手日本 NAKED, INC. 團隊與 康士坦的變化球，打造戶外沉浸式光影體驗，讓歷史、自然與當代創作在夜色中重新對話。從松菸大道入口開始，《浮光·脈動》以「呼吸」作為視覺語言。環狀分布、高低錯落的光影結構，模擬生命自土地破土而出的節奏--不是炫技，而是一種耐心。水池、花圃與光圈之間，光影緩慢流動，讓人意識到：城市，也需要呼吸。平台上矗立的《蒲公英 DANDELION》，來自 NAKED, INC. 的 DANDELION PROJECT。
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當台北市長蔣萬安輕吹蒲公英，台北的心願即被送往東京等世界各地展區。這不是浪漫，而是一種溫柔的全球連結 -- 來自松菸的微光，選擇向世界擴散。製菸工廠立面化為《夜光劇場》，近六分鐘的《FUSION》，由松菸與河流意象引路，串起工業歷史、鐵道記憶與當代流行文化。配樂由「甜約翰」與「Mean Us」主唱兼鍵盤手 MANDARK 操刀，旋律克制卻深刻，像是在提醒觀眾：歷史不需要被放大音量，它會自己說話。康士坦的變化球打造的《眠月線》，為松菸專屬的光影敘事，這是一段被允許慢下來的內在旅程。
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夜晚，可以決定一座城市的層次與高度。
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真正被點亮的，不只是夜色。當多數城市還在把夜經濟等同於消費，臺北選擇了一條更困難、也更長遠的路 -- 讓文化成為夜晚的主體。而松菸，正好站在這條路的中央。
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《松菸夜光花園》自 1 月 31 日至 6 月 30 日，每晚 18:00–22:00，每 30 分鐘循環展演。
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#蔣萬安 #松菸夜光花園
#蔡詩萍 #翁素惠 #沈方正
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EDN 從音樂家到音樂創業家：KALOS 打造新世代古典音樂的職涯生態 .
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在香港的一隅，有一群青年音樂家正在悄悄改寫自己的命運。他們不再僅是握著樂器、追求技藝完美的學生，而是肩負著「藝術與職涯並行」的新角色。在這股轉變的背後，是一個名為 KALOS 的音樂家社群平台，成立於 2021 年，由音樂教育與創意產業領袖區藹芝（Irene Au）創辦，總部設於香港，並與當地院校及海外不同的藝術文化機構緊密連結。
KALOS 的使命不只是傳授演奏技巧，更是要建構一個完整的音樂職涯生態。這是一個為新一代音樂家量身打造的「藝術＋商業＋社群」平台，旨在讓他們在真實的職業環境中展示才華、累積經驗、建立網絡，並將藝術價值轉化為可持續的事業。這裡有培訓課程，也有舞台；有社群互動，也有職涯支援；更重要的是，KALOS 在不斷變化的音樂產業中，為青年音樂家提供了一種全新的自我定位方式：你不只是音樂家，你同時也是創業者。
平台核心的理念，是一條名為 LSC（Learn·Showcase·Connect）的路徑—— 學習、展示、連結。這套框架不只是簡單的培訓計畫，而是一種職涯哲學。透過 Learn，音樂家獲得的不僅是演奏技巧，還有商業能力：藝術企劃、財務素養、專案管理、行銷策略與收入多元化等。每位參與者都將建立自己的「藝術職涯規劃」，這份動態文件隨著他們成長而不斷更新，將藝術願景與商業策略對齊，讓每一次表演、每一次合作、每一份提案，都能清楚展現其價值。
Showcase 則是將學習轉化為實踐的平台。KALOS 提供免費表演機會（甚至是演出邀請），從舞台到數位故事敘事，每一次呈現都是一次專業履歷的累積。去年，KALOS 在香港中文大學知識轉移計劃基金贊助，由 OutcomesLab 主辦的「樂地 GroundMusic」活動中，負責策劃、招募、培訓、宣傳與展演，並協助音樂家強化個人履歷與宣傳能力，讓他們在六個月的沉浸式計畫中完成從理念到實踐的全程體驗。
Connect 是 KALOS 的另一核心使命：將本地的音樂家與全球產業網絡連結。平台邀請國際音樂家、教育者及業界專業人士擔任導師，建立跨國舞台、巡演、合作製作的實際機會。青年音樂家透過這些交流，不僅拓展視野，也累積實務經驗，逐步在全球音樂市場上找到自己的定位。
為了幫助年輕音樂家掌握LSC的實際應用和操作，KALOS 將於2026年推出 KALOS Boot Camp 訓練營。這些為期一天到一星期的訓練營不僅是技術提升的工作坊，更是職涯塑形的加速器。學員將透過專家手把手指導、實作演出與個性化輔導，將清晰掌握藝術定位、創意策略與自我表達方式。
此外，KALOS 每月舉辦網路研討會，主題涵蓋演出技巧、創意產業與多元收入策略。創辦人區藹芝及其他業界專家將親自分享如何透過演出以外的收入渠道，如創意項目、個人專長及新市場機會，建立可持續職涯。研討會同時提供英語與粵語場次，參加者可即時提問互動，汲取實戰智慧。
平台的核心團隊由創辦人兼執行長區藹芝領軍。她從事創意文化管理及教育工作接近三十年，主辦及策劃的節目不計其數：演出、工作坊、大師班、比賽、交流、遊學⋯⋯其中最具挑戰的要算是在香港開設維也納兒童合唱團首個海外分部。此外，她還創辦了「維港音樂節」（Hong Kong Vienna Music Festival），上演馬勒第八交響曲、貝多芬鋼琴奏鳴曲馬拉松、暑期音樂學院、社區音樂會等節目。她憑藉對文化推廣的傑出貢獻，獲頒奧地利騎士勳章。如今，她帶領 KALOS 將音樂家職涯視為一個完整生態：教育、表演、創業、社群緊密交織，讓藝術家在持續學習與實踐中找到自信與定位。
KALOS 之所以與眾不同，是它從根本上重新定義了「音樂家」的意義。它不是單純的教育機構，也非單一的表演平台，而是一個從技藝到職涯、從本地到國際、從藝術到商業的完整生態系統。在這裡，音樂家不只是演奏者，更是策劃者、創業者與社群的引領者。KALOS 相信，每一位青年音樂家的潛能，都值得被整合、被培育，並最終，在世界舞台上發光。
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EDN 山海塾《影見－水鏡之彼方》在時代裂縫九年之後中重返臺灣 再度凝視 蟬丸（SEMIMARU）：「藝術並非固定的形式，而是隨著世界變動而不斷調整回應方式的存在。」
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】九年，足以讓世界翻轉數次，也足以讓一件舞作從當代之作，沉澱為時代的回聲。2026 年，山海塾第六度訪臺，帶來《影見－水鏡之彼方》，這不只是一場久別重逢的演出，更是一次面向歷史、死亡與未來的集體凝視。這件作品，是日本舞踏巨擘、山海塾創辦人暨藝術總監天兒牛大（1949–2024）傾注一生美學修為所完成的代表作。自千禧年於巴黎市立劇院首演以來，《影見－水鏡之彼方》以其高度凝鍊的靈性語彙，在國際舞壇留下難以抹去的印記。一小時三十分鐘的完整演出，無中場休息，觀眾被邀請進入一個無法逃離的觀看狀態，在光影交錯、鏡面反射的舞台中，直面人類存在最深層的問題。
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山海塾成立於 1975 年，由天兒牛大一手創建。與舞踏源流中土方巽、大野一雄所代表的「暗黑舞踏」不同，天兒牛大始終在尋找另一條路徑。他將舞踏從激烈衝突的身體書寫中抽離，轉向一種帶有光度與寧靜的美學方向，試圖在重量與平衡之間，開展屬於舞踏的另一種可能。
《影見－水鏡之彼方》正是這條路徑的核心呈現。作品以極簡、緩慢、內省的身體語言展開，拒絕敘事，轉而專注於感知本身。舞台如一面靜止卻深不可測的水域，舞者的白色身體在其中倒映、分裂、消融，彷彿介於此岸與彼岸之間。水，作為循環與轉化的象徵，貫穿全作，讓誕生與消逝在同一時間軸上緩慢發生。
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天兒牛大長年以「重力」作為創作的哲學核心。他將舞踏視為一場「與重力的對話」，從母體中漂浮的未出生生命，到出生後必須承受地心引力的身體狀態，重力成為人類存在的第一個條件。舞者必須擁有勻稱而結實的肌肉，讓身體具有重量，動作才能依賴重力獲得能量。這樣的身體，才能在極慢的移動中，保有高度的張力與穩定度，讓靜止本身成為一種充滿能量的狀態。這樣的美學，也讓山海塾在 1980 年首次赴海外演出後，迅速在歐洲引發巨大迴響。舞踏自此真正進入國際視野。西方學者指出，天兒牛大完美結合舞台意象與高度成熟的燈光設計，使作品在歐美舞台初次亮相即獲高度評價。其影響更延伸至歐洲當代舞的重要創作者，成為身體表現語言的重要啟發來源。山海塾也因此被視為舞踏多樣性與全球化的關鍵象徵。
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此次再度帶來《影見－水鏡之彼方》，同時具有明確的紀念意義。天兒牛大於 2024 年辭世，這件作品成為向其創作生命致敬的重要象徵。山海塾助理總監暨主力舞者蟬丸（SEMIMARU）擔任對外發言人，他指出，在天兒牛大過世之前，始終高度關注疫情所帶來的全球狀態，並在疫情逐漸告一段落時，選擇讓這件作品再次與世界相遇。蟬丸也提及，若天兒牛大仍在世，面對當代世界的動盪狀態，例如戰爭所引發的憤怒、不安與不平等感受，極可能會轉化為新的創作動力。對山海塾而言，藝術並非固定的形式，而是隨著世界變動而不斷調整回應方式的存在。2023 年完成的新作，正是這種持續感知世界的結果。
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在更深層的創作觀中，天兒牛大始終圍繞著生與死、生成與破壞，以及從微觀世界通往宏觀宇宙的連結。他很少刻意談論所謂的現實落差，卻始終相信，人類即使身處不同現實，也都在夢境中相遇。夢，正是誕生與死亡之間的循環，是存在最根本狀態的映照。回顧山海塾與臺灣的關係，自 1994 年以來，曾五度來臺演出《卵熱》、《寂靜》、《響－來自彼方的迴喚》、《影見－水鏡之彼方》與《回－喧囂的海，寂靜的地》。每一次來訪，皆在不同時代背景下，留下深刻印記。2026 年的再度登臺，則在失去創辦人的歷史節點上，為這段關係增添了新的重量。
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當世界持續動盪，當秩序不斷被撕裂，《影見－水鏡之彼方》不試圖給出答案，而是讓觀看本身成為一種行動。在那片水鏡彼方，映現的，也許不是舞者，而是每一位觀眾尚未正視的自身存在。
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在重力之中站立，
在水鏡之前凝視，
藝術提醒我們，
仍然活著，
仍然能感受。
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#山海塾
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EDN「寶莉文化沙龍」胡寶莉名人會客室正式開張 推動藝術文化生態系交流 暨旅法音樂家廖元宏及施昕妤雙小提琴演奏會 恭賀開幕 熱鬧非凡
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】對胡寶莉而言，沙龍的開幕不僅是空間啟用，更是一個文化思想聚會的誕生。她的沙龍並非單純茶會，而是將藝術文化思想沉澱、與好友交流的小型心靈空間。從社會局勢到展覽文化，她以敏銳而優雅的節奏觸摸文化脈絡，將感受化為對話與分享。未來每一次會客，都是微型文化實驗：藝術家、設計師、學者、商界及跨界創意者在此自由交流，思想不被框架束縛，文化得以激盪火花。胡寶莉說：「文化不只是品味，而是交流；不是終點，而是過程，可以影響未來。」茶香與酒香交錯間，訪客分享創作與觀察，片段串連成文化脈絡，既是當下觀察，也暗含未來規劃。今日現場高朋雲集，包括前北市商會理事長王應傑、東森購物顧問唐玉書、前中國小姐黃秀慧、藝術愛好者苗楊傳芳、Yenline品牌創辦人暨設計師許艷玲、「斜槓聲樂家」劉立仁醫師夫婦、時藝多媒體總經理林宜標及董事長黃文德等。娛樂中心
開幕高潮為旅法音樂伉儷廖元宏與施昕妤的雙 小提琴演奏會–《梁祝雙小提琴變奏曲》全球首演。今日演奏會曲目橫跨韋瓦第、蕭士塔高維奇、克萊斯勒等選粹，暗藏精密敘事線：從結構、衝突、對位到回歸。 《梁祝》 這不只是音樂演奏，而是兩位音樂家自身夫婦情深的映射。廖元宏，青年指揮家，歐洲競賽屢獲殊榮，其指揮強調清晰展現音樂「情緒戲劇」魅力而非激情；施昕妤，巴黎管弦樂團小提琴團員，外柔內剛，長期內化提琴音色、句法與風格。他們雙小提琴演出，而非指揮與獨奏，是表現互動關愛與並肩前行的彼此關愛。當日劉立仁醫師客串演唱《女人花》，向胡寶莉與王應傑董事長致以祝福 ， 場面感人。
《梁祝》 雙小提琴變奏曲取材自黃梅調經典音樂電影《梁山伯與祝音台》，不再單純悲情，而化作琴弦對話與回應。演奏中，每個音符都考驗伴侶之間精準情感默契 — 在高度專業古典音樂世界中，如何不犧牲彼此，又能共同創造美感。廖元宏與施昕妤用音樂展演人生伴侶的愛與默契，如琴瑟和鳴般細膩，透過願意傾聽與回應的互信，將情感化為動人的旋律。這是一場關於信任、共鳴與真實愛的音樂變奏。
胡寶莉今日亦化身「胡主廚」，為賓客準備豐盛大餐。她端出的私房料理 –「寶莉牛肉麵」，不僅火候巧妙、滋味絕佳，更是製作用心，內含對先生王應傑的無微不至愛意。每一口香甜可口，溫暖直抵「懂愛 」的人心坎裡，美食與情感交織，成為沙龍最動人的瞬間。同場還有台灣蒸餾酒品牌「恆器製酒（Heng Chi Distillery）」提供美酒品味。創辦人羅己能原本不飲酒，卻因在日本偶然品嚐地瓜蒸餾酒而啟發，決心將台灣農產轉化為高端烈酒。他以台農57號黃皮黃肉地瓜為核心，推出地瓜原酒、季節水果加烈酒及桶陳酒款，堅持「不加一滴水、不添加香料或食用酒精」。2021至2022年多款作品在國際烈酒競賽中屢獲金、銀、銅獎，讓台灣烈酒在世界舞台嶄露頭角。羅己能表示：「我們希望讓地瓜驕傲站上酒杯，也讓台灣味道被世界重新理解。」前中國小姐黃秀慧開心表示，「走進寶莉文化沙龍的那一刻，格局自然被打開了。藝術不再只是欣賞，而是一種高度的校準；與老友相聚，不只是敘舊，而是讓人的視野重新變得寬闊。也正是在這樣的交會之中，自己的世界悄然翻轉，變得不一樣。」
今日胡寶莉的文化沙龍正式開幕，呈現出「愛與文化」的精神，每個人都能被感知、被培養、被傳遞。些過程不止是情感交流的瞬間，而是透過傾聽與回應沉澱出的智慧，逐步形成持續擴張的文化力量。在寶莉文化沙龍，人人的每一個光點都是文化價值的守護，也是愛的默契延續，呈現出東方文化最深邃的生命力。(飲酒過後 嚴禁開車)線上電影串流服務
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EDN 2026「MUSE美聲新年美食音樂會」王應傑與胡寶莉賢伉儷受邀出席 胡寶莉:「音樂表演以公益慈善為核心，將人生價值的意義持續放大，是一場兼具美感與責任感的演出。」
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在新年的節氣尚未完全轉暖之前，2026 年「MUSE 美聲新年美食音樂會」已悄然為城市注入一股溫厚而持久的能量。這場結合餐飲體驗與跨界聲樂演出的活動，將音樂從舞台延伸至餐桌，讓聆聽成為一種共享的生活節奏，也讓公益不再停留於標語，而化為可被感受的現場行動。音樂會當日，貴賓雲集富邦保全董事長陳嘉昌伉儷、國際扶輪3481地區前總監賴志明伉儷、國際獅子會300B1區前總監楊宗翰、中華生技公司董事長李壯源、國立海洋大學副校長冉繁華、雙和醫院副院長劉如濟、亞太人力資源管理股份有限公司董事長樊芳明伉儷、Marine C豪恩生技董事長陳嬡儷、天母扶輪社社長王國添伉儷、隱適美矯正牙醫曾千芳、陳俊光醫師、陳俊豪醫師、吳森棋醫師、李宜勳醫師、吳秀菊律師、林安清建築師等等。
前台北市商業會理事長王應傑與夫人胡寶莉也受邀出席。現場在精心編排的曲目與流暢的節奏推進中，形成罕見的凝聚力，觀眾席始終維持高度投入，安可聲此起彼落。胡寶莉指出，「這場活動讓她重新理解用餐與音樂的關係，原來音樂能如此自然地融入餐敘之中，現場所選曲目與觀眾情感形成共振，整體氛圍流動而真誠。 」她也提及，活動以公益慈善為核心，將人生價值的意義持續放大，是一場兼具美感與責任感的演出。
作為本次活動的重要推動者之一，男高音聲樂家劉立仁醫師長期在醫療與音樂之間往返，形成獨特的跨界軌跡。他說明，MUSE 美聲自 2020 年成立以來，由多位來自台北各大合唱團、熱愛音樂的成員所組成，每年固定舉辦慈善音樂會，透過歌聲為社會注入溫度，讓觀眾在欣賞美聲之際，也能成為公益行動的一份力量。劉立仁醫師面對高密度的醫療工作，他始終未離開音樂，反而在其中找到回饋社會的出口。他回顧，因緣際會接到團長莊偉的邀請，加入 MUSE 美聲，逐步體會到這個團體將音樂視為身心一致的實踐方式，透過長時間的投入，讓歌聲成為溫暖社會的力量。
多年來，MUSE 美聲的慈善音樂會始終維持高度自律。除了必要的場地與行政支出，團員皆無償演出，並自費邀請國內音樂與舞蹈領域的專業師資進行指導。平日除了拍攝音樂作品，也持續參與各類公益活動。團內形成高度互助的默契，成員之間的支持關係，甚至超越血緣，背後也離不開家人的理解與支持。此次演出中，台灣聲樂家劉立仁亦為重要演出者之一。劉立仁受過完整且嚴謹的古典聲樂訓練，長年活躍於美聲演唱、跨界音樂製作與舞台演出。他的演唱風格兼顧古典技術的精準與當代情感的流動，能在歌劇唱法與流行語彙之間建立平衡，使美聲從殿堂走入日常。
NUSE 美聲的團長莊偉並非音樂科班出身。學生時期加入合唱團後，從不識樂譜到持續歌唱至今，音樂成為他與不同領域朋友相識相知的媒介。2019 年，在個人音樂會獲得迴響後，他集結志同道合的夥伴，正式成立 MUSE 美聲，讓一群來自各行各業的人，因歌唱而聚集，因公益而同行。自 2020 年中秋節於中油大樓國光會議廳舉辦首場《不一樣的月光》音樂會開始，700席座位全數坐滿，為團體奠定信心。其後於中影八德大樓演講廳推出「世紀風華」、「謠響當年」等主題演出，並與扶輪社合作，連年將盈餘捐贈指定公益單位，形成穩定而可持續的公益模式。
從餐桌到舞台，從醫療到藝術，MUSE 美聲所建立的，是一種跨界卻不失秩序的行動結構。它證明，音樂可以成為連結專業、生活與公共責任的媒介，也讓公益不再遙遠。當掌聲散去，旋律仍在城市裡回響。
聲音若被真誠慈善對待，公益終將留下長久的光。
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EDN《臺灣的聲音 新年音樂會》在元旦聽見台灣土地的呼吸：李哲藝帶領灣聲樂團以交響合唱書寫 2026 臺灣新年序曲 首次與台北愛樂合唱團合作演出 民視獨家轉播.
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】當新年的第一道光線尚未完全鋪滿城市，音樂，已先一步替這座島嶼發聲。灣聲樂團《臺灣的聲音 新年音樂會》將於 2026 年 1 月 1 日下午兩點，在國家音樂廳隆重登場。這不是一場例行的歲首演出，而是一場以集體記憶為核心、以文化自覺為軸線的年度書寫。自 2019 年起，灣聲樂團年年以不同主題回應臺灣人的生命經驗，從民歌、戲曲到文學與作曲家精神，逐步累積出屬於這座島嶼的音樂年輪。走到第八年，規格與企圖心同步推升，交響與合唱全面展開，為臺灣奏響嶄新的新年序曲。
本屆音樂會由灣聲樂團音樂總監李哲藝擔任指揮，攜手台北愛樂合唱團與高雄市交響樂團，共同構築超過一百五十人的交響合唱編制，為歷年之最。灣聲樂團長年以「古典音樂臺灣化、臺灣音樂古典化」為創團精神，這次更透過跨團合作，讓不同世代與地域的音樂能量在同一個舞台匯流。台北愛樂合唱團多年深耕臺灣合唱藝術，持續活躍於國際舞台；高雄市交響樂團則是南臺灣最具代表性的職業樂團，長期以城市文化為創作土壤。三方共演，讓音樂會本身成為一個縮影，映照出臺灣音樂生態的厚度與廣度。
音樂會的結構，沿著土地的脈絡鋪陳。首先登場的《弦上流雲》，取材自歌仔戲常見的《操琴調》，旋律如雲，游移於記憶與當下之間。熟悉的戲曲聲響在交響語彙中展現新的層次，讓傳統不再停留於保存，而是被重新理解與轉化。隨後演出的《港都綺緣》大提琴協奏曲，則將視角移向城市。作品以高雄的發展歷程為敘事主軸，樂音由內斂走向寬廣，勾勒出港口從漁村邁向國際商港的百年軌跡。大提琴獨奏由日內瓦國際大賽首獎得主楊文信擔綱，他曾任巴伐利亞廣播交響樂團首席，亦是十年前此曲的演出者之一。此次再度於國家音樂廳與高雄市交響樂團同台，為作品留下十年後原班人馬再聚的珍貴時刻。全曲巧妙隱含一首熟悉的臺灣民謠，象徵城市在現代化進程中，始終與傳統相互呼應。
壓軸作品《瘋原祭》，是一部長達六十分鐘、由九個樂章構成的合唱交響組曲，曾入圍第 29 屆傳藝金曲獎四項提名，並榮獲最佳專輯製作人獎。作品取材自臺灣九個原住民族的傳統歌謠，李哲藝深入部落進行聲音採集與耆老訪談，將原民歌聲與西方交響結構相互交織。這不是素材的拼貼，而是一種尊重文化主體性的創作實踐，讓原住民族的生命力在宏大的合唱聲響中被清楚聽見。音樂會導聆由曾獲十五座廣播金鐘獎的張翰揚擔任，以清晰而具脈絡的引導，陪伴觀眾理解作品背後的文化紋理，使整場演出在情感之外，多了一層理解的深度。
回望 2025 年，灣聲樂團的行動持續向外延伸。二月舉辦第二屆灣聲國際音樂大賽，邀集世界各地音樂家以「臺灣音樂」為創作核心，讓臺灣成為國際創作對話的主題；邁入第七年的「灣聲樂團．臺灣行腳」走進雲林、苗栗，並首度跨海前往金門，將音樂帶到學童與在地鄉親面前；八月於臺北流行音樂中心推出《幾米森林裡的樂章—2025 臺瘋交響流行音樂會》，結合多媒體與交響樂，讓不同世代共享新的集體記憶。這些行動，構成一條清楚的文化軸線，指向臺灣音樂在公共空間中的持續發聲。
李哲藝始終強調，灣聲樂團自創團以來，方向從未偏移。透過古典音樂的平台，讓臺灣音樂轉化為能與世界對話的聲音，是一條需要時間與耐心的道路。歌仔戲的旋律、港都的城市記憶、原住民族的歌聲，在同一個舞台被完整聽見，正是這場新年音樂會最核心的價值。連續八年在元旦以音樂陪伴觀眾迎接新年，對灣聲樂團而言，是一份責任，也是一份榮耀。
當交響的最後一個和弦落下，新的一年也隨之展開。《臺灣的聲音 新年音樂會》所留下的，並非短暫的熱鬧，而是一種被喚醒的感知。那是土地的記憶、城市的脈動，也是屬於此刻臺灣的希望。在新年的第一天，讓音樂先行，讓聲音成為照亮未來的光。
#李哲藝 #灣聲樂團
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EDN 鋼琴家吉爾特伯格（Boris Giltburg）偕同法國指揮家亞歷山大．布洛許（Alexandre Bloch）與北市交（TSO）攜手合作「吉爾特伯格的蕭斯塔科維契鋼琴雙協奏曲之夜」
【應瑋漢 cwnkent88@gmail.com】在歷史的長河中，天才的筆尖往往在墨水與血淚的交織下，勾勒出時代的輪廓。當2025年的寒風撫過臺北街頭，我們不僅迎來一位技藝絕倫的鋼琴巨匠，更迎來了一場跨越五十載時空的靈魂對話。這是一場關於「自由如何於禁錮中誕生」的聽覺盛宴，在黑白鍵的起落間，我們試圖還原那位在蘇聯鐵幕下，以音符作為盾牌與暗號的音樂大師 -- 蕭斯塔科維契。由力晶文化基金會冠名贊助的「力晶2025藝文饗宴」，於十二月歲末之際，為臺灣樂壇投下一枚震撼彈。國際知名鋼琴家鮑里斯．吉爾特伯格（Boris Giltburg）於昨日抵達臺灣，他將偕同當今樂壇備受矚目的法國指揮家亞歷山大．布洛許（Alexandre Bloch），與臺北市立交響樂團（TSO）攜手，台灣小號演奏家魏廷安加入演出，於12月26日在國家音樂廳呈現一場極具重量級的演出。2025年，正值作曲家蕭斯塔科維契逝世五十週年。這場名為「吉爾特伯格的蕭斯塔科維契鋼琴雙協奏曲之夜」的演出，其核心價值遠超乎音樂層次，更像是一次文化底蘊的深掘。蕭斯塔科維契的一生，是藝術靈魂與專制體制角力的縮影，他的作品往往在明快亢奮的表象下，埋藏著唯有細聽方能察覺的憂傷暗碼。
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新象藝術總監樊曼儂在迎接這兩位藝術家時，表達了由衷的激賞。她表示，能夠邀請到享譽國際的指揮亞歷山大・布洛許，以及長期與新象合作無間、今年已是第六度受邀來臺的鋼琴家鮑里斯．吉爾特伯格，與實力堅強的臺北市立交響樂團共同完成這項計畫，無疑是藝文界的一大盛事。音樂會將目光聚焦於蕭斯塔科維契兩部性格鮮明的鋼琴協奏曲。1933年完成的第一號作品，是作曲家十九歲時的驚世之作。此曲編制獨特，由鋼琴與獨奏小號（本次由北市交小號代理首席魏廷安擔綱）引領，雙方在樂團的包圍下進行一場近乎瘋狂的對位舞蹈。那種充滿俄式嘲弄、電影蒙太奇式的節奏感，體現了個體在集體社會中的掙扎與嘲諷。
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鮑里斯．吉爾特伯格在論及第二號協奏曲時，感性地捕捉到了作曲家罕見的溫情。他認為蕭斯塔科維契擁有一種點石成金的魔力，能將恐懼、憤怒乃至天真的愛，濃縮成令聽眾共鳴的體驗。而指揮布洛許則抱持著一種使命感，他強調要將這份跨越國界的精神世界帶回臺灣，讓現場觀眾與歷史共振。曾獲金音叉獎肯定的吉爾特伯格，對蕭氏作品有著深入骨髓的理解。他在分析作曲家的創作脈絡時，提出了一個迷人的假設：蕭斯塔科維契的創作深受史達林體系的壓迫，若非那場政治風暴，他原初的創作路向將會如何發展？雖然我們失去了那個「可能的蕭氏」，卻獲得了如今這個在政治災難邊緣行走、將克雷茲默猶太音樂特徵與現代古典融合的深刻靈魂。
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藝術的超越：在爭議年代保持中立的優雅
面對當前複雜的國際局勢，身為猶太裔的藝術家，其身分難免被外界檢視。在談及是否因身分遭遇困境時，生於莫斯科、幼年遷居的吉爾特伯格以謙遜平和的態度表示，他認為自己極其幸運，未曾親歷如同某些同僚在以色列交響樂團演出時遭遇的示威抗議。對他而言，能專注於藝術是一種恩賜。指揮布洛許則展現了法國知識分子的冷靜與透徹。他直言，儘管德布西或瓦格納等前輩的作品中或許存在令人不安的元素，但「藝術家」與「音樂作品」應當被區別看待。他主張藝術家在舞台上的首要任務是傳遞情感，而非轉化為政治的擴音器。布洛許坦言，在一個每個人都急於表達強烈立場的數位時代，保持中立與面對面交流顯得尤為珍貴。他更引述馬勒作品中大、小調交織的複雜情感，認為那是人類在瘋狂世界中生存的必要養分。
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當吉爾特伯格的手指落在那台精心挑選的 FAZIOLI 鋼琴上，那不僅是鋼琴家與樂器的磨合，更是文明對蠻荒的無聲回擊。這場演出不試圖為歷史定論，卻引領我們思考：在黑暗的時代裡，藝術如何成為通往自由的唯一門檻。蕭斯塔科維契的音符告訴我們，痛苦可以被昇華為絕美的旋律，而絕望中亦能綻放出近乎童稚的歡欣。當最後一個小節消散在國家音樂廳的穹頂下，聽眾帶走的將不只是旋律，而是一種在動盪中依舊能挺起脊樑的勇氣，以及對生命韌性的終極體悟。
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音符旋律是穿越鐵幕的呼吸，
讓所有受困的靈魂，
尋得心中永恆的安放。
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